Conciertos, Lecciones, Música clásica

12 consejos para una práctica del piano efectiva

1. Nunca pases un día sin practicar el piano, si puedes hacerlo ayudará mucho a tu perfeccionamiento. Pero si ocurre que tu tiempo es limitado, practica por lo menos diariamente sólo tus ejercicios técnicos.
2. Si no puedes arreglártelas para avanzar con el estudio de un trabajo asignado, infórmale a tu profesor antes de comenzar la lección. Unos pocos compases practicados minuciosamente son mejor ejercicio que una pieza estudiada superficialmente.
3. Nunca gastes tiempo rasgueando el piano, mejor entrena tu oído. Cuanto más practiques conscientemente, tanto más pronto serás capaz de tocar cualquier cosa que desees. Cinco o diez minutos diarios bien aplicados influirán enormemente en el desarrollo de una mejor técnica. Sin embargo, nunca practiques sin sentarte adecuadamente y sin poner completa atención en tu trabajo.
4. Nunca comiences una práctica antes de haberte establecido y dejarte en claro a ti mismo todos los detalles de las claves, el tiempo, el ritmo y el fraseo de la pieza que vas a estudiar. Piensa previamente cada compás y determina el mejor modo de tocarlo.
5. Cuando inicies un ejercicio nuevo, cúbrete cuidadosamente contra el primer error en tu interpretación. Recuerda: “Prevenir es mejor que curar”; siempre es más fácil evitar un error que corregirlo. Los dedos están demasiado adaptados a repetir los errores una vez cometidos, y así se acostumbran a los malos hábitos.
6. Cada dificultad técnica debe ser superada y dominada mediante la aplicación de un ejercicio especial. De modo similar, cada pasaje o cada parte de un movimiento debe ser practicado hasta que pueda ser tocado con la precisión de un reloj. Cada detalle de una pieza debe ser estudiado y dominado por separado, hasta que puedas reensamblar toda la melodía de un modo artístico.
7. No es útil tocar una pieza repetidas veces desde el principio al final, incluso si cada mano toca partes separadas; la mente y la memoria deben, antes que nada, haberse familiarizado con cada detalle, y los dedos deben ser entrenados, hasta que se acostumbren a superar cada dificultad con perfección y facilidad.
8. Comienza practicando lentamente, al principio, de modo tal que nunca te veas obligado a detenerte. Intenta siempre tocar estrictamente en tiempo: el ritmo y el tiempo son factores que nunca deben ser descuidados, ni por falta de paciencia, ni de energía. Los sonidos sin ritmo no tienen mayor significado que unas simples letras del alfabeto.
9. Durante las pausas, no remuevas las manos del teclado, sino que intenta utilizar el tiempo, si es necesario, avanzando a la siguiente posición. Mientras una mano se encuentra tocando, es muy fácil preparar la otra para la parte que le toca, sólo si tienes bien en claro qué es lo que ésta debe hacer. Por lo tanto, las partes que requieren un cambio en la posición de la mano deben ser practicadas por separado, hasta que la mano haya aprendido a asumir la posición adecuada y realice su trabajo de manera inconsciente.
10. Apunta siempre a lo más alto, como para alcanzar algo que valga la pena conseguirlo. Supera todos los miedos o aversiones de los ejercicios dactilares. Convéncete a ti mismo de que son tan absolutamente indispensables como las palabras y las reglas de gramática, que deben ser aprendidas primero por el corazón antes de que se pueda adquirir el conocimiento de un lenguaje extranjero.
11. Se paciente y perseverante. Esto te ayudará a superar los obstáculos y las dificultades más grandes.
12. Estate contento, si puedes, brinda a otros el placer que te produce tocar el piano. Pero no busques sobresalir por una técnica brillante, pues ésta nunca es el objeto del verdadero artista, cuyo propósito debe ser más bien la adquisición de una minuciosa educación musical.

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General, Lecciones, Música clásica

Introducciones y finales en el piano para acompañar melodías cantadas

Seguimos respondiendo las preguntas que nos hacen llegar nuestros usuarios:

P: He visto varias veces en las partituras para piano las siglas 8va y 8vb. ¿Qué significan?
R: Dichas siglas simplemente quieren decir, “una octava arriba” y “una octava abajo”. Consecuentemente, las siglas 16va y 16vb significan “dos octavas arriba” y “dos octavas abajo.”

P: ¿Cómo puedo tocar una introducción y un final en el piano para un cantante o un coro?
R: Hay muchos modos de hacer eso. La idea des dar al cantante o los cantantes el tiempo y el ritmo de la canción, y ambientar la escena para la audiencia. Para cualquier cosa que toques, si logras hacer lo antedicho estarás en el buen camino. Déjate guiar por la persona o el grupo para el cual estés tocando. Si ellos se van desarrollando con confianza cuando se supone que lo hagan, entonces sabrás que tu introducción es buena. Una introducción común sería la última frase de la melodía, la cual es, generalmente de cuatro u ocho compases. Esto funciona especialmente bien con las canciones que están hechas de estrofas, por ejemplo, los villancicos de navidad. Si la canción tiene mucho ritmo, podrás tocar unos pocos compases de la progresión de acordes para marcar el pulso a los cantantes. Para los finales, la idea principal es culminar la pieza de un modo estéticamente agradable. Probablemente toques la introducción nuevamente y acabes en el acorde de tónica. Ése es una opción bastante común. También puedes repetir la última frase que el o los cantantes canten. Incluso puedes finalizar la canción en la última nota que se cante, y simplemente mantener el acorde unos pocos pulsos más. Yo diría que se tiene mayor flexibilidad con el final que con la introducción desde que los cantantes terminan de cantar, y usualmente todos saben que la canción está por terminar.

P: ¿Cómo tocas tres pentagramas de una partitura para piano, si los dos primeros están en clave de sol y el tercero en clave de fa?
R: Nunca he visto una partitura como la que describes. Si estás seguro de que es realmente música para piano y no música para tres instrumentos melódicos (es decir una partitura para un trío), como dos violines y un chelo, entonces intentaría tocar los dos primeros con la mano derecha y el inferior con la izquierda.

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Fabricantes

La historia de venta de Steinway para salvar la marca – Parte 2

La primera parte de este artículo está >> aquí < <

Luego de tres generaciones, el mayor de sus bisnietos, Henry Ziegler Steinway, graduado en la Universidad de Harvard en 1937, entró en la empresa familiar aprendiendo como montar las partes de un piano antes de trabajar a través de todos los niveles de gestión. Debido a su mala vista, no fue enviado al extranjero durante la segunda guerra mundial pero sirvió a la Primera Armada de los Estados Unidos en Fort Jay, en la Isla Governor. (Durante la guerra, la empresa Steinway lo desanimó de hacer pianos y lo alentó a construir partes para planeadores militares, así como también ataúdes para las víctimas de la guerra de Estados Unidos.)

En el momento que Henry Z. volvió al negocio como vicepresidente bajo la aprobación de su padre Theodore en 1947, ya había llegado a la cima en los años dorados de principios de la década del 20, con la ayuda de las películas, los escenarios musicales y cuando Steinway estaba vendiendo más de 6,000 pianos al año. Desde la gran depresión de 1930, y enfrentando a la competencia de la televisión, las radios y los gramófonos, la empresa empezó a perder dinero y encabezaba hacia el colapso. Cuando el asediado padre de Henry renunció en 1955, su hijo se hizo cargo. Comenzó a manejar la empresa a finales de los 50, incrementando la producción el 10% cada año luego de cerrar dos de las tres fabricas en el barrio de Queen, Nueva York. Pero estaba a punto de enfrentar a cuatro vertientes de ataque en la década del 60: las huelgas, las disputas familiares, la explosión de la popularidad de la guitarra y la Invasión Japonesa en el mercado de los pianos, dirigida por Yamaha. A finales de los 60, la mitad de los pianos vendidos en Estados Unidos eran japoneses.

En 1972, Henry Z. Steinway decidió que la única opción era vender, a pesar de la oposición familiar, incluyendo la de su madre Ruth, quien le dijo: “Tu padre sudó sangre con esta empresa durante la Depresión”. Pero él fue inflexible: “La empresa llegó al punto en donde la familia ya era demasiado grande, había muchos familiares implicados. Dije que la empresa debería moverse del control de la familia a ser controlada por una corporación. Esta era la forma Americana”. En una venta de acciones por $20.1 millones de dólares, se vendió a CBS, quien lo mantuvo como presidente de Steinway & Sons hasta 1977, y luego en el cargo nominal de presidente hasta que se jubiló en 1980. Para mantener el apellido en la empresa, su hermano menor, John H. Steinway, fue nombrado presidente para los siguientes dos años hasta que se jubiló.

Henry se mantuvo como consultor después de que CBS vendiera Steinway & Sons en 1985 a inversores de Boston, y de nuevo después de que la Empresa Selmer la comprara y renombrara al padre Steinway de las Industrias Musicales, quien cotizó en la Bolsa de Valores de Nueva York como LVB por Ludwig van Beethoven.

A pesar de la dominación japonesa en los mercados mundiales (principalmente realizada por Yamaha y Kawai), nuevos y más baratos pianos Steinways, tales como los modelos Boston y Essex, ayudaron a que la histórica compañía pueda competir. Pero los Bostons son ensamblados por Kawai en Japon y los modelos Essex en Corea del Sur o China. El modelo de piano vertical Steinway Z, sobre el cual John Lennon escribió Imagine (en contraste al piano de cola blanco en el video famoso) fue comprado por el cantante George Michael en el año 2000 por libras 1.450.000 más comisión. El año pasado, el presidente George W. Bush presentó a Henry Z. Steinway con la Medalla Nacional de las Artes, el premio más alto de las arte del gobierno.

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Curiosidades, Historia de la música, Pianos

La historia de venta de Steinway para salvar la marca – Parte 1

Henry Z. Steinway, el ultimo bisnieto sobreviviente del inmigrante alemán que fundó la fábrica de pianos Steinway & Sons en Estados Unidos en 1853, fue el último familiar que controló la empresa. Las ventas decrecientes y las desavenencias familiares lo empujaron a vender la empresa a la gigante corporación CBS en 1972, pero sigue siendo asesor y embajador para la firma Steinway. Hasta poco después de morir a la edad de 93 años en Manhattan, a unas pocas cuadras de donde nació, Steinway asistía a conciertos y convenciones de música, visitaba a los revendedores, firmaba los pianos nuevos y daba conferencias sobre la historia de su familia y del piano en general. Sin embargo, a pesar de las innumerables lecciones de piano de su infancia, siempre tuvo problemas para decir la diferencia entre «Este es Beethoven o aquél es Beethoven«.

Henry Steinway

En sus 90s, el trabajaba diariamente en el Steinway Hall, la oficina comercial del fabricante de pianos, en el arco alto de la sala de exposiciones en la calle 57 al Este de Manhattan, en donde era venerado a pesar de que Steinway Musical Instruments, Inc. sólo tenía una conexión con la familia por su apellido, retenido por razones de comercialización junto con el famoso logo de Steinway & Sons. En el sótano del Hall, saludó a los pianistas de concierto más grandes del mundo, quienes fueron para elegir un instrumento, prestado por la empresa en un evento sponsoreado para mejorar sus espectáculos. A veces, él estará allí para supervisar su entrega en el Carnegie Hall, el Lincoln Center o donde sea. Steinway sigue apoyando a más del 90% de los pianistas de concierto que usan este instrumento.

Henry Ziegler Steinway nació el 23 de Agosto de 1915 en el departamento de sus padres en la Avenida 375 Park, Manhattan, en el mismo edificio –ya demolido y sustituido por el rascacielos Seagram– en donde su bisabuelo construyó algunos de los primeros pianos en América en el año 1850. Este último, Heinrich Engelhard Steinweg, fue un creador analfabeto de gabinetes que trabajó a los 18 años en la armada del Duque de Prusia contra el ejército de Napoleón en Waterloo antes de construir dulcimers, luego pianos en su cocina en Seesen, Sajonia Baja. Huyendo de la agitación política en su casa, emigró a los Estados Unidos en el año 1850 a los 53 años, cambió su nombre a Henry Steinway y fundó Steinway & Sons en 1853, patentando todos los descubrimientos como el “sobre-tensado” y las arpas de una sola pieza de hierro fundido.

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Conciertos, Pianistas

Seguimos con el tema lesiones: los teclados electrónicos

Siguiendo con el tema de las lesiones de quienes tocan el piano, muchas lesiones son específicas de aquellas personas que tocan teclados electrónicos. Uno pensaría que gracias a ese mecanismo más liviano del teclado sería más sencillo tocar, pero de hecho, resulta mucho más difícil. Esto se debe a que la mayoría de las personas tienen una tendencia a presionarlos con mayor firmeza que como lo harían con las teclas normales (que pesan más), para compensar la escasez de resistencia. También, nos dejamos engañar por los niveles artificiales de sonido. A causa de los aspectos electrónicos del instrumento, nos hemos vuelto dependientes del volumen actual, en contraposición del volumen percibido. Por ejemplo, si estamos grabando el último nivel de dinámicos probablemente sea muy alto, pero para nosotros intérpretes, en nuestro monitor, tal vez parezcan muy suaves. Por lo cual, instintivamente, tratamos de tocarlos con mayor potencia para crear un sonido más fuerte, cuando en verdad no necesita ser reforzado. Mientras tanto, cuando más fuerte toquemos, tanto más se nos tensarán los dedos. Cuanto más rígidos estén nuestros dedos entonces, más lento tocaremos y más presión ejerceremos. Cuanta más presión ejerzamos sobre las teclas, más dolor nos causaremos. Por lo cual, la solución aquí es recordar en nuestra mente mientras tocamos que “suave es igual a rápido”. De este modo mantendremos nuestro sistema muscular mucho más relajado.

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Conciertos, Pianistas

Para un técnica de tocar el piano libre de dolores

Algunos especialistas sostienen que realizar cambios simples en la técnica de ejecución de los pianistas les evitarán muchos dolores y hasta incluso lesiones en las articulaciones de sus manos. Si tu modo de ejecución o práctica del piano no se encuentra libre de dolores, ni se realiza sin dolores en forma constante, automática y sin esfuerzo, significa que estás haciendo algo mal en tu técnica. Estos datos explican cómo mejorar la eficiencia biomecánica, la relajación y cómo evitar las tensiones, realizando tan sólo unos pequeños cambios en tu técnica. Dichas sugerencias proveen el soporte necesario de retensión del dolor llevado a cabo por tratamientos medicinales que aseguran que el dolor no regresará. Una técnica libre de dolor debe permitirte tocar sin dolor en forma constante, automática y no debe requerir esfuerzo alguno. Desafortunadamente, según el modo tradicional como se enseña a tocar el piano, una ejecución libre de dolor se torna rara, deliberada y difícil. Existen muchas razones por las cuales sucede esto. La distancia del banco o taburete al piano es lo primero que debes considerar.

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Compositores, Conciertos

Los Planetas de Gustav Holst

Tal vez Gustav Holst (1874-1934) estuvo anticipando la controversia que concerniría a Plutón cuando escribió su suite de siete movimientos titulada “Los Planetas”. Si bien Plutón fue descubierto en 1930, Holst nunca actualizó su composición, dejando la suite con sus siete movimientos originales (de todos modos la Tierra no se encuentra representada en dicha obra). Tal vez Holst deseaba mantener el balance de siete, un número tradicionalmente asociado con la perfección. Pero debido al reciente cuestionamiento del status de Plutón como planeta en el mundo científico, Holst probablemente haya tenido un poco de previsión al respecto, después de todo.

Holst

Cada uno de los movimientos representa un planeta específico, o más propiamente dicho, cada movimiento encarna las características de la deidad romana según la cual son nombrados los planetas, comenzando con Marte (la guerra) y culminando con Neptuno (el misticismo). Dicha obra fue escrita originalmente para piano y órgano, pero una orquesta completa le hace mucha más justicia a la naturaleza dramática de la composición. La versión orquestal de Holst es la que suele oírse hoy en día por la mayoría de las personas.

Gustav Holst fue un compositor inglés en cuya familia la música era una expresión muy común: era hijo de un organista y continuaría siendo el padre de otro compositor y director muy reconocido, Imogen Holst. Mientas asistía al Colegio Real de Música en Londres, se hizo gran amigo de otro compositor inglés, Ralph Vaughn Williams. Si bien “Los Planetas” no fue la obra favorita de Holst, se convirtió en su trabajo más conocido.

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General

Feliz año 2009

El equipo de editores, periodistas, músicos y revisores de contenidos de PianoRed quiere desearles un muy feliz año 2009 a todos los que nos han acompañado durante este año en las esperanza de que en este 2009 se cumplan todos sus anhelos.

El equipo de Pianored.com

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Jazz

Tipos y variedades de música de jazz

El mundo de la música jazz está lleno de diferentes estilos, cada uno con su propio estilo y origen. La música jazz, una distintiva invención americana, es diferente de otros tipos de música. Si bien las raíces del jazz comienzan en los Estados Unidos, actualmente se cree que tiene una sutil influencia de las culturas africanas. Los cuatro componentes distintivos de la música jazz son: el ritmo, la armonía, la melodía y las cualidades tonales. Sin importar tu preferencia por un determinado tipo de jazz, serás capaz de encontrar un club que se ajuste a tus gustos. El jazz experimental es uno de los estilos más populares, con lugares de reunión surgiendo en todo el mundo, incluyendo en muchas ciudades de Europa.

El «Work Song» es un estilo de jazz muy interesante. Las canciones Work poseen típicamente compases débiles y son rítmicamente rápidas—suelen ser utilizadas para hacer que el día de trabajo pase más rápido. El Work Song utiliza un estilo rítmico que se repite una y otra vez y rara vez se lo escucha hoy en día. El Work Song suele ser asociado con la música afro americana— y su ritmo se ha vuelto el menos popular dentro de los estilos del jazz.

Nueva Orleáns es otro estilo de jazz que tiene sus comienzos a principios del año 1890. Comenzó con presentaciones de las bandas formadas con instrumentos de metal en su mayoría, que realzaron las canciones de marcha y de música gospel. Uno de los nombres más populares del jazz de esta época era el famoso William Basie, quien fue mundialmente reconocido con su banda The Count Basie Orchestra. Este tipo de jazz es popular aún en nuestros días.

Otro tipo de jazz es el estilo Chicago, que comenzó a finales del año 1917. Chicago fue conocida como la capital del jazz de todo el país, desde que los músicos fueron dejando los estados sureños a causa de la prohibición, y se fueron mudando al norte en búsqueda de nuevos trabajos y lugares donde pudieran tocar este nuevo estilo de jazz. Fue en esta época que se añadió al piano como instrumento de fondo en la música jazzistica, creando un sonido completamente nuevo que se conoció como Estilo Chicago.

Llegó la segunda guerra mundial, y a su paso transformó el jazz nuevamente. En esta era nació el Bebop. Este nuevo estilo se caracteriza por presentar un tiempo bastante rápido, en el que predominan las fusas, junto con patrones rítmicos cambiantes, que en conjunto conforman un sonido mucho más liviano y suave. El Bebop suele enfocarse en un solo intérprete en lugar de una banda completa.

El jazz es una rama musical que se encuentra en cambio constante pero que aún se las ingenia para mantener firme sus raíces. Es uno de los estilos musicales que ha cambiado y continúa evolucionando acorde a las diferentes perspectivas de sus oyentes. El jazz ofrece una flexibilidad ilimitada y éste es uno de los motivos centrales por el cual sigue siendo muy popular en nuestro tiempo.

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Gustav Mahler en la historia y procedencia familiar

Mahler fue el segundo de catorce hermanos, de los cuales seis fallecieron durante la infancia. Su padre, Bernhard, era propietario de una taberna y su madre, Marie, era hija de un fabricante de jabones. Poco tiempo después de que Mahler naciera, él y sus padres se mudaron a Iglau, Moravia. Su padre fue capaz de abrir una exitosa taberna y una fábrica de cervezas, lo cual le permitió respaldar las ambiciones musicales de Mahler.

Niñez:
Mahler vivía cerca de la plaza del pueblo en donde se celebraban conciertos muy frecuentemente por la banda militar, esta fue la razón por la cual desarrolló el gusto por la música desde una edad muy temprana. Fue discípulo de Anton Bruckner. Aprendió varias canciones en pentagramas de aquellos amigos que asistían a escuelas católicas y recibió lecciones de música por parte de músicos locales. No pasó mucho tiempo después de que su padre le compró un piano en que Mahler se volvió un intérprete muy hábil.

Gustav Mahler

Adolescencia:
Como resultado de las “no tan buenas” notas escolares del joven Mahler, su padre lo envió a una audición al Conservatorio de Viena. Fue aceptado en 1875 bajo la instrucción de Julius Epstein, su profesor de piano. Estando en la escuela de música, Mahler rápidamente optó por composición como estudio principal. En 1877, se alistó para la Universidad de Viena donde se interesó profundamente en grandes trabajos literarios y en la filosofía.

Primeros años de adultez:
A los 21 años, Mahler recibió la dirección de un trabajo en el teatro Landes de Liabach. Allí dirigió más de 50 piezas, incluyendo su primera ópera, la cual resultó ser nada más ni nada menos que “Il Trovatore”. En el año 1883, Mahler se mudó a Kassel, firmó un contrato, y trabajó por varios años como “RDirector coral y musical”. Este podrá haber sido un título de fantasía, pero aún tenía que reportarlo al Kapellmeister residente. De 1885 a 1891, Mahler trabajó en Liepzig, Praga y Budapest.


Adultez media:
En marzo de 1891, Mahler se convirtió en director principal del teatro Stadt de Hamburgo. Mientras tanto, en esa misma ciudad Mahler culminó su segunda sinfonía, por el año 1895. También, en ese mismo año, se suicidó su hermano menor. Desde el fallecimiento de sus padres, varios años atrás, Mahler se convirtió en la cabeza del hogar. Para proteger a sus hermanas menores, las trasladó a su vivienda en Hamburgo.

Adultez tardía:
Mahler se mudó a Viena y se convirtió en el Kapellmeister de la aclamada Filarmónica de Viena. Varios meses después fue promovido a director. Como nuevo director del teatro Hofoper, sus osadas, provocativas, y controversiales presentaciones atrajeron a gran número de personas al teatro y muchas reseñas por parte de la prensa. En 1907 y 1910, Mahler condujo la Filarmónica y la Orquesta Sinfónica de Nueva York. Un año después, luego de regresar a Viena, falleció de una endocarditis bacterial.

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General

Liszt en París y la encarnación de Mozart

Cuando el niño prodigio, relativamente desconocido, llamado Franz Liszt de 12 años dio su primer concierto en público en Paris en el mes de Febrero de 1824, dos meses después de su llegada a la ciudad, el público lo nombró como la reencarnación de «Mozart«. Europa no había visto un talento prodigio de este estilo desde que murió Mozart, hacía 33 años.

Franz Liszt

Desde sus primeros días, Liszt —pianista notable y genuino compositor— se caracterizó por comandar el siglo del romanticismo musical. Vivió y trabajó como cualquier otro de sus compañeros, y tuvo una larga vida viviendo hasta los 75 años.

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General

La distancia del banco al piano y la prevención de los dolores

La distancia al piano es crucial para una técnica de piano libre de dolores. La mayoría de las personas se sientan cerca del piano y erróneamente establecen ésta como la distancia correcta. Si mantienes los hombros levantados mientras tocas, es porque te encuentras sentado demasiado cerca y tu cuerpo simplemente bloquea la movilidad de los brazos. La mejor guía en este caso es ver si tus codos pueden tocarse el uno con el otro cuando tus manos están ubicadas sobre las notas blancas directamente en frente de ti. Si no es así, entonces, muévete hacia atrás.

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General

Semblanza sobre Anne-Sophie Mutter

Anne-Sophie Mutter nació en Rheinfelden, Alemania del sur. Desde su debut con Herbert von Karajan en el Festival de Salzburgo del año 1977, se convirtió en una de las más buscadas y admiradas violinistas. La señorita Mutter comenzó a tocar el violín a los cinco años, entre sus tutores se encontraban Erna Honigberger y Aida Stucki, una alumna de Carl Flesch. Pronto Sophie disfrutó de un éxito considerable en varios concursos, y notablemente en el Festival de Lucerna en 1976. Esto llamó la atención del maestro Karajan y audicionó para él en Berlín poco tiempo después, a los 13 años.

Anne Sophie Mutter

Desde su debut en Berlín junto a Karajan y la Filarmónica de la ciudad en 1978, sus presentaciones en vivo así como sus grabaciones han atraído bastante atención y elogios. Luego de unos años que pasó concentrándose principalmente en los trabajos canónicos del repertorio alemán; desde los conciertos de Bach pasando por los de Mozart y Beethoven, a los conciertos de los grandes románticos, Anne-Sophie Mutter ha vuelto su atención, cada vez con mayor énfasis, a la música contemporánea, variando entre Stravinsky, Berg y Bartók y hacia compositores mucho más recientes como Witold Lutoslawski, Krzysztof Penderecki, Norbert Moret y Wolfgang Rihm.

Sophie Mutter está trabajando actualmente con las sonatas para violín de Beethoven (junto con Lambert Orkis), y las interpretará por todo el mundo a partir del año próximo. Entre dichas interpretaciones, se ha programado lanzar un set de grabaciones. La admirable envergadura del repertorio y, por supuesto, de su maravillosa técnica y su intuición musical le ha otorgado un bien merecido lugar entre los mejores violinistas. Ella se ha presentado junto a varias de las más finas orquestas y directores mundiales, y ha recibido numerosos premios, condecoraciones y honores.

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General

Notas biográficas sobre Chick Corea pianista de jazz

El pianista y compositor Chick Corea nació en en Chelsea, Massachusetts, el 12 de junio de 1941. Su padre fue un trompetista de Dixieland, por lo que Corea comenzó a escuchar jazz a temprana edad. A los 4 años, Corea comenzó a estudiar piano. Tocó regularmente conciertos de jazz en su escuela secundaria, y, luego de graduarse, se mudó a Nueva York para estudiar música en Columbia y Juilliard. La escuela no encajaba con él, pero si Nueva York, por lo que Corea comenzó a hacer conciertos con artistas como Herbie Mann, Stan Getz y el trompetista Blue Mitchell, con quien trabajó por tres años.

Chick Corea

En 1968, Chick Corea se unió a la banda de Miles Davis, reemplazando a Herbie Hancock. Con Davis, Corea tocó el piano eléctrico en los estudios Bitches Brew y en In a Silent Way. Dejó el grupo luego de dos años para formar su nuevo grupo improvisado, con Dave Holland, Barry Altschul y Anthony Braxton.

Después de tres años en Circle, Corea formó un grupo nuevo, «Return to Forever», el cual mezcló fusión y jazz latino. Corea reorganizó el grupo dos años más tarde y lo reorientó hacia una fusión de jazz y rock electrónico. Cuando el grupo Return to Forever se disolvió en 1975, Corea se involucró en una serie diversa de proyectos, y se encontró colaborando con artistas como Herbie Hancock, Gary Burton, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Hubert Laws, Chaka Khan y Nancy Wilson, entre otros. Corea regresó al concepto de fusión a mediados de los 89 con su banda Elektric, y luego la siguió con la formación de la banda Akoustic.


En 1992, Chick Corea realizó el objetivo de toda su vida, junto con su manager Ron Moss, al formar Stretch Records. La empresa, como su fundador, mantiene su compromiso de extender las fronteras musicales y centrarse más en la frescura y creatividad que en el estilo musical. El pianista y compositor continuó expandiéndose en esta tradición, trabajando con varios grupos en la última década —incluyendo a su Nuevo Trío con el baterista Jeff Ballard y el bajista Avishai Cohen, así como también una reunión de su banda Elektric para dos grabaciones basadas en las novelas de ciencia ficción de L. Ron Hubbard. El trabajo más reciente de Corea caracteriza una nueva colaboración con el virtuoso Bela Fleck. Su disco, The Enchantment, ganó el premio Grammy 2007 por el Mejor Disco Instrumental.

Este conjunto de Piano Jazz con Corea fue grabado en su estudio de Los Angeles, el Madhatter. Este es uno de los pocos episodios que tienen a McPartland en un teclado eléctrico. Ella se une a Corea en Fender Rhodes para un dúo de la canción famosa de Corea, «Crystal Silence.»

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General

Ocho guitarras y un piano

El vocalista de Córdoba Manuel Moreno El Pele, regresa con un disco de estudio luego de 5 años de silencio. «8 guitarras… y un piano» es el disco producido por Isidro Muñoz Nueve con canciones variadas y artistas del estilo de Moraíto Chico, José Antonio Rodríguez, Niño de Pura, Miguel Ángel Cortés, Diego del Morao, Juan Carlos Romero y Dorantes.

La carrera de El Pele está marcada por la búsqueda incansable de nuevos horizontes, desde las raíces más puras hasta una lucha constante para entender y crear su propio estilo. Esto lo condujo a ser considerado como un innovador, pero sin abandonar nunca su esencia y a sus directores.

El vocalista genio de Córdoba, cambia la dirección de su carreara y nos ofrece «8 guitarras… y un piano». Para grabarlo, El Pele se encerró en los estudios «La Marisma» (El Rocío) con nueve «toros» (las canciones), y los mejores «cabos» -Isidro Muñoz (productor)- y la mejor «espada»: su voz.

8 guitarras y un piano el pele

Para «terminar» la grabación tuvo el respaldo de los mejores «toreros». Nada menos que de Moraíto Chico, José Antonio Rodríguez, Niño de Pura, Miguel Ángel Cortés, Diego del Morao, Juan Carlos Romero, Daniel Méndez en la guitarra, David Peña Dorantes en el piano, y las vocales de María Toledo.

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General

Multi piano

Trabajo de edición de una pieza musical realizado sobre un piano. Muy interesante.

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La importancia del La 440 en la afinación de un piano

¿Pero, por qué tanto alboroto por una onda sonora cuya frecuencia, además, resulta tan difícil de contar y de percibir para la gente no especializada? Después de todo, un piano puede ser afinado considerablemente por encima o por debajo del La 440, proporcionando notas que están todas en correcta proporción las unas con las otras. Y el porcentaje de personas, incluso músicos, quienes poseen ese místico regalo del “tono perfecto” y que pueden decir si realmente el La está a 440, es muy, muy bajo. Entonces, ¿por qué tanto interés por este tema? Aquí te presentamos numerosas respuestas que la mayoría de los buenos músicos deberían transmitir:

Diapasón de La 440 Hz

Primero, el instrumento fue diseñado para ser afinado en sus notas musicales según el tono estándar o patrón, y darán su máximo potencial si se encuentran afinados según dicho tono. Aunque también es cierto que muchos pianos antiguos fueron diseñados para tener un tono patrón de afinación de menor frucuencia, tales como La 435. Pero incluso el La 435 está tan cerca del La 440 que resultaría casi imperceptible al oído común. Los afinadores de pianos, rutinariamente, encuentran el La, en aquellos pianos que han pasado tiempo sin ser afinados, por debajo de su frecuencia normal que es de 440 herzt, y deben utilizar su llave de afinar pianos para corregirlo.

Segundo, se ha aceptado internacionalmente al La 440 como el tono patrón estándar de afinación de todos los intrumentos musicales. De este modo, toda la música que se oye en radio, TV, y grabaciones y videos musicales, al igual que el tono estándar utilizado en los instrumentos electrónicos, están afinados según el La 440. Entonces como dice la famosa frase: si no puedes contra ellos, úneteles.

Tercero, siempre que se esta llevando a cabo cualquier seria instrucción o estudio de piano, el tono estándar o patrón es extremadamente importante para un apropiado entrenamiento auditivo. Eso resulta crucial con los niños, cuyos dones naturales pueden ir más allá de lo que el niño puede interpretar en realidad. De este modo se podrá percibir, en caso de poseerlo, si el niño ha sido consagrado con el don del “tono perfecto” u «oído absoluto«, lo cual no es más que una memoria tonal extraordinaria. Y por otro lado, muchos niños se sienten sumamente confundidos, y se distraen con mayor facilidad cuando un piano se encuentra afinado por debajo del tono estándar. ¡Enfrentémoslo, un piano afinado según un tono que no sea el La 440 simplemente no se encuentra afinado!

Cuarto
, no ocuparse de que la afinación del piano permanezca según el La 440 es riesgoso para su instrumento. Ello podría acabar en serios problemas, especialmente cuando el dueño intenta que el piano vuelva a ser afinado nuevamente en el tono correcto. Estos problemas incluyen: ruptura de cuerdas (aunque sean una o dos, resultan bastante costosas a la hora de reemplazarlas); grietas en la caja armónica, puentes o incluso en el arpa de metal debido a los cambios de tensión de las cuerdas; y el altísimo costo de las múltiples afinaciones frecuentes necesarias para lograr que el piano vuelva a establecer su tono.

Conclusión: Si su piano no está en 440, llame al afinador de pianos para que lo afine y lo ponga en tono.

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El piano y el cerebro

Para ilustrar la maleabilidad del cerebro humano, Greenfield cita a un extraordinario estudio médico de la universidad de Harvard que involucra voluntarios que no podían tocar el piano. En dicho estudio, los participantes fueron divididos en tres grupos: al primero le dieron clases de piano intensivas durante cinco días, al segundo lo llevaron a una habitación idéntica con un piano idéntico pero no tenían nada que hacer con él, y al tercero lo colocaron en una habitación idéntica con un piano idéntico también, y simplemente les dijeron que imaginaran que estaban practicando ejercicios de piano durante los siguientes cinco días. Al parecer, la música es sanadora. Veamos.

Los escáner de cerebro resultaron extraordinarios. Como se esperaba, los cerebros de aquellos que sólo se sentaron en la habitación con el piano y sin hacer nada, no habían cambiado en absoluto. Poco sorprendentes fueron también los resultados de aquellos que habían practicado los ejercicios de piano presentaban cambios estructurales bien marcados en el área del cerebro asociada con el movimiento dactilar.

Pero lo que fue realmente llamativo fue que el grupo que se había imaginado tocando el piano presentó del mismo modo cambios notables en la estructura del cerebro que eran casi tan pronunciados como aquellos que verdaderamente habían practicado en el piano.

“El poder de la imaginación parece ser algo más que una metáfora; es real, y posee una base física en nuestro cerebro”, dijo Greenfield. Desafortunadamente, los neurocientíficos aún no han explicado cómo los cambios reportados en el nivel micro celular se traducen en cambios de personalidad, comportamiento o carácter. Pero según Greenfield no necesitamos saber eso para darnos cuenta de que los cambios en la estructura cerebral y nuestros pensamientos y sentimientos más elevados se encuentran indudablemente conectados.

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