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Marc yu, nuevo prodigio de 9 años

Marc Yu, de 9 años, se sentó en su pequeño piano de cola y tocó para 100 jóvenes, padres y profesores de piano de Mobile-Baldwin. Estaba vestido de jeans, zapatillas y una campera sobre una camisa amarilla. Si hubiese estado nervioso, lo ocultó muy bien. En el siguiente video se lo ve tocando con Lang Lang.


Nos sentamos en la sala de ensayos del segundo piso en el Centro de Música Larkins en una calurosa mañana del sábado. Marc y su madre, Chloe, están en Mobile para un programa presentado por la Orquesta Sinfónica Mobile. El evento fue financiado en parte por una subvención de la Federación «Southern» en colaboración con la «National Endowment for the Arts» y el «Alabama State Council on the Arts». En el siguiente video, un fragmento del concierto para piano número 1 de Beethoven.

También asistieron Scott Speck, director musical de los MSO, y Sarah Wright, directora de educación. Luego de unos minutos con Wright, Marc tomó su asiento y comenzó a tocar un Nocturno de Chopin controlado por la pasión de un viejo maestro. Sus manos se movieron con habilidad a lo largo del teclado, siendo cada movimiento observado por la admiración del público.

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Lecciones, Música clásica, Profesores

¿A qué edad debería tu hijo comenzar clases de piano?

No hay un padre que no quiera que su hijo sea bueno en algo y una de las aspiraciones más comunes implica interesarlo en el piano y la música. Hay un sentimiento sobre tocar el piano que parece estar presente en los padres y en el hijo. La gran pregunta de cada padres es: “¿Cuando debería mi hijo comenzar clases de piano?”

Cuanto más joven, mejor. Todos escuchamos sobre las habilidades de Mozart (y el efecto Mozart) y otros chicos prodigios que comenzaron a tocar el piano a los 3 o 4 años. Al llevar a un chico a clases de piano a tan temprana edad significa que van a tener gran cantidad de tiempo para interesarse en tocar, inclusive aún si no terminan teniendo grandes dones en el área de la música.

Nos gustaría que todos aquellos que se encuentran relacionados con clases de pianos nos escriban sus comentarios sobre cuál creen que es la mejor edad para que los niños comiencen.

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Música clásica, Pianistas, Pianos, Profesores

Creando interés en el pianista principiante

Un joven alumno pianista principiante es, en gran medida, un objeto de estudio, al igual que un niño pequeño que debe ser educado. Para un maestro concienzudo, un alumno que recién se inicia en el piano es realmente un problema. Con el fin de desarrollar la habilidad del joven, el maestro debe primero estudiar qué método adoptará para llevar a cabo este desarrollo de la manera más adecuada.

Lo primero que intentará hacer es ganar el interés de su alumno. Al hacerlo, el maestro ha generado una “chispa” que será avivada en una pequeña llama de entusiasmo; y esto sucesivamente será el “poder” que anime el esfuerzo del alumno. Y será este esfuerzo del joven mediante el cual se conseguirán los tan deseados resultados del desarrollo.

Para generar interés en un principiante, el profesor se servirá de muchos ingeniosos métodos. Pero el más confiable y sobre el cual se fundan todos los demás métodos es: el darle al estudiante aquel material que sea capaz de interpretar. Cuando él descubre que sus dedos pueden hacer esto fácilmente, entonces se sentirá con la suficiente confianza y se dará cuanta que puede tocar. Naturalmente, esta rápida realización crea interés en cualquier joven; y luego de haberlo hecho tan bien con su primer y pequeña pieza se sentirá ansioso y deseará tocar más. Pero, es justo en este momento durante el cual el maestro debe ser cuidadoso. Es importante que tenga en cuenta que ese momento tan sólo está presente la “chispa” y, por lo tanto, deberá avanzar con cautela y sencillez si no desea apagarla. Revisar siempre el nivel de dificultad de los acordes de piano que el alumno toca y enseñarle a oir su propia música, es esencial en esta etapa.

En su segundo movimiento el maestro debería estudiar el carácter del material aprendido recientemente por el alumno, y posteriormente seleccionar más piezas similares a la primera. Incluso si es casi igual a la pieza inicial, al alumno no le importará, pues tan sólo le interesa el haber recibido una pieza nueva. Incorporar paulatinamente nuevos temas de teoria musical, incluyendo el estudio de las claves, los silencios, la duración de las notas, las ligaduras y los compaces es de suma importancia.

Una vez que el alumno ya se haya familiarizado con el primer tipo de material, el profesor comenzará a discontinuarlo y, en su lugar, introducirá nuevas piezas que requerirán mayor esfuerzo por parte del joven. Es importante aclarar que este cambio debe hacerse con suma discreción. Se pueden incluir piezas, no ya clásicas, sino de música pop o rock que agraden al alumno.

Luego de un corto periodo, el maestro verá que el alumno progresa hacia piezas de mayor complejidad con una rapidez sorprendente y esto le dará la satisfacción de saber que es el resultado de sus propias y correctas instrucciones. En consecuencia el profesor se encontrará frente a un alumno interesado y muy entusiasta.

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El piano Borgato

¿Recuerdan el piano Borgato de dos teclados, o mejor, de dos pianos? Bueno, aquí nos han avisado desde Italia que han subido algunos videos. En el siguiente podemos ver a la pianista Patrizia Cavinato interpretando el preludio número 6 de Bach.


En el siguiente podemos ver al pianista Mirco Bruson interpretar de Robert Schumann, la pieza opus 56 número 1.

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Otras obras clásicas imprescindibles

Hace poco hablábamos de algunas obras clásicas que todos debían conocer y, por cierto, nuestros lectores dijeron que la lista era corta y que faltaban algunas piezas que ellos sugerían. Aquí agregamos algunas piezas clásicas imprescindibles.

Rhapsody in Blue de George Gershwin
Casi cualquiera puede reconocer la Rapsodia en azul de Gershwin. Al igual que O Fortuna de Orff, Rhapsody in Blue fue utilizada en muchas películas y shows de televisión. Algunos la consideran estrictamente jazz, mientras que otros dicen que es una pieza clásica, cuando en realidad es una combinación perfecta de ambas. Aquí hay un hecho interesante, cuando Gershwin fue comisionado para escribir la pieza, la escribió tan rápido que no tuvo tiempo de componer la parte de piano. En su primera actuación, Gershwin improvisó la parte del piano. Más tarde, finalmente, la compuso.


Dies Irae del Requiem de Verdi
Una composición muy potente. La gente de todo el mundo, incluso a los que no les gusta la música clásica, aprecian este trabajo. Dies Irae de Verdi es posiblemente el movimiento de la obra más conocido y reconocible. Aunque, muchos amantes de la música clásica nos pueden decir el nombre y el compositor de la pieza, la gran mayoría del mundo no puede. Su corazón golpeando los ritmos y conduciendo las melodías es verdaderamente inspirador. A continuación el fragmento conducido por Claudio Abbado.

Dies Irae del Requiem de Mozart
Aunque es drásticamente distinta al de Verdi, el Dies Irae de Mozart no tiene nada que envidiarle en cuanto a la intensidad y en la ferocidad. Compuesta en 1791, esta fue la última obra escrita por Mozart. El Requiem es una pieza muy popular, no sólo por su belleza, sino que también por su misterio. Hay muchos mitos en torno a los detalles exactos de cómo se terminó el Requiem. Mozart murió antes de que la obra fuera terminada; fue Süssmayr quien en realidad terminó el trabajo.

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Selección de obras de música clásica que todos debemos escuchar

O Fortuna de Carmina Burana por Carl Orff
Por lejos es la más consultada sobre el trabajo clásico, O Fortuna se toca en cientos de películas, programas de televisión, comerciales y otras formas de medios de comunicación. Muchos de los que escucharon esta famosa pieza pueden tararear la melodía y, a veces, la describen como inquietante, atrapante y grandiosa. O Fortuna es el movimiento de apertura de Carmina Burana de Carl Orff, un trabajo para una gran orquesta, coro y vocalistas solistas. Se la puede escuchar en la película 300 y en el siguiente video.



Rapsodia Húngara número 2 en en Do sostenido mayor por Franz Liszt

Cuando escuché esta pieza para lo que pensé que era la primera vez, me sorprendí por lo familiar que me era. Después de escucharla varias veces más, de repente me golpeó… la había escuchado en unos dibujitos de Bugs Bunny hace 15 años. Estaba tocando la pieza en frente de una gran audiencia entre muchas distracciones. No creo que los dibujos animados se sigan haciendo de esa forma. Lang Lang la interpreta seguidamente.

Sous le dôme épais de Delibes
Siendo ya bien conocida, El dúo de la flor de Delibes se hizo cada vez más popular por el uso de la obra de British Airways en una campaña publicitaria reciente. Esta clásica pieza cuenta con un dúo entre una coloratura soprano y una mezzo-soprano.
Esta pieza de Delibes se encuentra también en las películas El presidente americano, Tomb Raider y La familia de mi novia. A continuación una bella interpretación.

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Las Gnossiennes de Erik Satie

La palabra «gnossienne» describe varias piezas de la música de piano compuesta por Erik Satie que no encajan en ninguno de los estilos actuales de música clásica como un preludio para piano o una sonata. Satie solucionó fácilmente este dilema simplemente titulando a las piezas con una palabra completamente nueva e inventada, en este caso «gnossienne». Aunque la etimología y la pronunciación de la palabra «gnossienne» inventada por Satie siguen siendo un misterio para muchos, lo que está claro es que sus seis gnossiennes son maravillosamente únicos e intrigantes. Acto seguido, la famosa pieza número 1.



La creación de los Gnossiennes

Satie compuso sus primeros tres gnossiennes alrededor del año 1890, sin tiempo para líneas de compaces (práctica a veces denominada «tiempo absoluto») ni marcas de tempo tradicionales o incluso de notas musicales. Los resultados peculiares de Satie pueden ser leídos como una poesía musical ya que uno puede interpretar la pieza con muy pocas restricciones, puesto que sus marcas de tiempos fueron hechas con frases como «no dejes», «suavemente, con intimidad» y «no estes orgulloso». Los primeros gnossiennes (Nros.1 y 3) se publicaron en septiembre de 1893 en Le Fígaro musical Número 24, mientras que el Nº 2 fue publicado en Le Coeur el mes siguiente. Los tres gnossiennes restantes, Nros. 4-6, fueron compuestos en 1891, 1899 y 1897, respectivamente. Sin embargo, no fueron publicados hasta 1968.

Las cualidades musicales de los Gnossiennes
Los gnossiennes de Satie a veces son vistos como una continuación musical de su popular Trois Gymnopedies, aunque algunos musicólogos creen que se parecen mucho más a sus Sarabandas. De cualquier manera, es evidente que música como esta nunca fue compuesta antes, por lo que es fácil entender por qué se le dio este enigmático título a los mismos. Los sentimientos inherentes de la atemporalidad e infinidad de cada pieza proceden de los trabajos de la naturaleza cíclica ya que puedes dejar repitiéndose cada gnossienne y nunca distinguir claramente el comienzo y final si no fuese por la pausa generada por tu reproductor de CD generada entre cada tema. Al igual que Gymnopedies, Satie compone melodías solitarias con cadencias y fraseos apoyados por armonías y estructuras de acordes poco complejas y casi elementales, aunque utiliza mayormente tríadas y algunas inversiones.

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¿Existe una décima sinfonía de Beethoven?

Ludwig Van Beethoven (1770-1827) ocupa un lugar especial en la historia de la música. Sólo Bach o Mozart podrían ser comparados con su popularidad hoy en día. Su música es ampliamente conocida, incluso por aquellos que no son considerados aficionados a la música clásica. Recordemos que hace poco hablamos de las variaciones Diabelli. Uno de sus trabajos más grandes y más conocido es su Novena Sinfonía, comparable a la sinfonía Eroica, que contiene su melodía popular conocida como «Oda a la alegría». Este impresionante trabajo marca el final de la escritura sinfónica de Beethoven; ¿o no? ¿Escribió Beethoven en verdad diez sinfonías?

Beethoven fue conocido por su propensión de pasar por muchos borradores antes de producir un producto final. Una mirada a cualquiera de sus partituras originales nos mostrará numerosas notas tachadas y melodías re-escritas. Como resultado, existen muchos bocetos desde que murió en marzo de 1827, pero muy pocos de ellos fueron etiquetados, y ¿como podría uno encontrar una sinfonía que supuestamente no existe?

El Dr. Barry Cooper, un musicólogo y estudiante de Beethoven, se decidió a principios de 1980 para encontrar algunas pruebas de este trabajo sin precedentes. «Yo no estaba buscando un Décima Sinfonía. Yo estaba buscando una», dijo. Leyendo una descripción del trabajo de Karl Holz, un amigo de Beethoven que había escuchado los inicios del trabajo tocado en el piano por el propio Beethoven, conocía el trabajo iniciado con una introducción en la clave Mi bemol y seguida por un Allegro en Do menor. Fiel a la descripción, Cooper encontró bocetos que coincidían con la misma!

Aunque se había hecho un descubrimiento emocionante, era sin dudas el descubrimiento de una obra incompleta. Sólo alrededor de 250 compaces para un primer movimiento podrían ser unidos entre sí, y sólo existieron ideas de lo que habría sido el resto de la obra. Además, no se pude establecer un orden claro, y trabajar con fragmentos de armonías es difícil. Aún así, el doctor Cooper unió los fragmentos disponibles para formar un primer movimiento. Usando a las técnicas de componer normales Beethoven, logró completar la sección inicial de la Décima Sinfonía. «El objetivo… era acercarse lo más posible a lo que el compositor pretendía, sin dejar de ser consciente de que el éxito completo fue inalcanzable».

Esta fascinante pieza musical fue estrenada en 1988 por la “Royal Philharmonic Society”, el grupo al que Beethoven le había ofrecido su Décima Sinfonía sólo días antes de su muerte! Como era de esperar, los críticos se mostraron escépticos y la actuación en si misma recibió mucha exageración de los medios. Aún así, el doctor Cooper consideró a la actuación un éxito. Una grabación de la pieza está disponible en los clásicos IMP (PCD 911) con Wyn Morris conduciendo a los miembros de la “Orquesta sinfónica de Londres”.

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Notas sobre la musica medieval

¿Qué es la música medieval?
La música medieval se caracteriza por el uso significante del canto. Más tarde fue armonizada con cuartas, quintas y octavas. Muchos estilos de música tomaron forma durante el Periodo Medieval: El canto gregoriano, los motetes, los dramas liturgicos y las «chansons».

Manuscritos de la música medieval

Debido a que el costo de impresión, que significaba escribir a mano y copiar cada pieza de música para cada miembro, era muy alto, sólo las instituciones más ricas (iglesias y monasterios) fueron capaces de crear y duplicar manuscritos, para las cuales eso era un ícono. La música popular en ese momento no estaba impresa, y, por lo tanto, su estilo es relativamente desconocido. Ya que la notación de la música que hoy conocemos todavía no estaba inventada, la interpretación musical pudo variar drásticamente entre quienes creaban e interpretaban la música. Muchos de los instrumentos utilizados durante el Periodo Medieval todavía existen en la actualidad. Entre ellos el pan-flauta, la corneta medieval (un antecesor de la trompeta), el grabador, el laúd, la mandolina y por último, pero no menos importante, el dulcimer.

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Compositores, Música clásica, Oratorios

El Elijah de Felix Mendelssohn

El Elijah de Mendelssohn es la dramática historia del profeta biblico Elijah que convoca a la gente para la justicia, realiza milagros y lucha en contra del ídolo falso al cual el pueblo rinde culto. Se enfrenta a la malvada reina Jezabel. Termina con Elijah subiendo al cielo en un carro de fuego.

Breve historia de Elijah
El gran rendimiento y aceptacion por parte del publico del oratorio de San Pablo en el festival de Rhenish Music en Düsseldorf en 1836 fue tan exitoso que condujo a Mendelssohn inmediatamente a considerar la composicion de un trabajo similar. Él escribió a un amigo íntimo, en Londres, Karl Klingemann acerca de su plan. Mendelssohn optó por Elijah, el profeta del antiguo testamento de Israel que predicó en contra del falso ídolo de la gente del pueblo.

Klingemann no pudo dedicar ningún tiempo a la actividad artística, debido a las dificultades financieras relacionadas a la adhesión de la Reina Victoria en Inglaterra. Sin embargo, cuando Mendelssohn estuvo en Londres por dos semanas en 1837, elaboró el diseño básico del oratorio. También estableció de nuevo contacto con un clérigo, Julius Schubring. Finalmente, tuvo que pasar a Schubring cuando Klingemann suspendió el trabajo en Elijah.

Fundamentales diferencias religiosas se pusieron en el camino. Schubring quería claramente que Cristo sea el cumplimiento de las profecías de Elijah y quería su aparición. Mendelssohn estaba en desacuerdo. Esto condujo a su ruptura. Mendelssohn regresó al proyecto en 1845 para culminarlo por su propia cuenta. A continuacion podemos apreciar la obertura:

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Música clásica

Algunas notas sobre la Musica del renacimiento

El período del renacimiento en la cultura de Europa occidental es generalmente reconocido por atravesar los años que van desde 1400 a 1600. La música sacra compuesta durante este período fue compuesta para la Iglesia Católica Romana. Gran parte de este gran cuerpo de música sobrevive hoy en manuscritos que se utilizaron en las grandes catedrales y monasterios de Europa. Algunos instrumentos pudieron haberse utilizado, pero la música era escrita principalmente para coro a cappella (sin instrumentos). Básicamente, la música sacra renacentista era una extensión de canto Gregoriano, un estilo de música que tampoco fue acompañado por instrumentos. Los textos fueron los mismos que se utilizaron en el canto gregoriano: la liturgia romana, cantada en latín.

Los grandes compositores del renacimiento temprano fueron Guillaume Dufay (c.1400-1474), Johannes Ockeghem (c.1410-1497), Jacob Obrecht (1457-1505), y Josquin des Prez (c.1440-1521). Muchas misas gloriosas y motetes (que fueron cortas composiciones litúrgicas) llegaron a nosotros de estos grandes compositores.

Los grandes compositores del renacimiento tardio fueron Orlando di Lasso (también conocido como Orlandus Lassus) (1532-1594), Jacob Handl (también conocido como Jacobus Gallus) (1550-1591), Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), y Tomas Luis de Victoria (1548-1611). Estos compositores dejaron un gran conjunto de trabajos que son verdaderamente un gran tesoro de la civilización occidental, sin embargo, la civilización occidental no lo sabe. Por esta razón, hay pocos libros, y pocos enlaces de la web. Hubo un numero de CDs producidos, que, en última instancia, es el homenaje más importante que se le puede hacer a esta música.

Alrededor del 1600, comenzó la época barroca y el estilo de música cambió radicalmente. La época barroca fue seguida por la época romántica que duró aproximadamente hasta el comienzo del siglo 20. Hoy en día muchos oyentes de la música clásica occidental no reconocen renacimiento de la música sacra como una tradición válida de la música clásica. La música, supuestamente, se inició con J. S. Bach, o quizás antes, con el compositor del siglo 17 Claudio Monteverdi. Este tremendo descuido puede ser puesto en una perspectiva más clara cuando uno se da cuenta de que hace un poco más de 100 años atrás, los oyentes en Europa no estaban familiarizados en gran parte con la música de Bach.

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El oratorio La creación de Haydn

En sus últimos años, Franz Joseph Haydn creó el oratorio “La Creación”, su obra maestra. El compositor clásico Austríaco expresó su visión de la creación, como se expuso en la Santa Biblia y en el poema de John Milton “El paraiso perdido”. “La Creación” de Joseph Haydn es considerada su mayor trabajo. Trabajó sin descansar en este oratorio justo antes del siglo XIX. Haydn, en la época en que estaba trabajando en esta enorme composición, dijo: «Nunca he sido tan devoto como cuando compuse La Creación. Todos los días me arrodillo y oró ante Dios para que me de fuerza en mi trabajo». Seguidamente puede apreciarse un fragmento de la obertura, bellísima por cierto.


Breve Historia de La Creación
El trabajo fue escrito por sugerencia de Salomon, el gerente ingles de Haydn, mientras Haydn estaba en su segundo viaje por Inglaterra, de 1794 a 1795. En ese momento, él era un gran éxito en Londres. Se sugirió que el compositor clásico escribiera un oratorio en la tradición Inglésa similar al Mesías de George Handel.

Sin embargo, el inglés de Haydn no era suficientemente bueno como para componer un trabajo de tal magnitud, por lo que se llevó los textos con él cuando regresó a Viena. Fue hacia el final de 1795 o a principios de 1796, que su amigo Gottfried Van Switen, un generoso patrón de las artes y una figura influyente en la vida musical de Viena, le hizo la misma propuesta para componer un oratorio.

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Historia de las 33 variaciones Diabelli de Beethoven

A comienzos del 1800, un editor musical llamado Anton Diabelli escribió un vals e invitó a los mejores compositores de Viena para que crearan una variación de éste para su posterior publicación. Según dice la leyenda, todos aceptaron la propuesta a excepción de Beethoven, quien inicialmente consideraba la composición de Diabelli vulgar e insignificante. Pero eventualmente se obsesionó con ésta y compuso 33 variaciones, trabajo que le tomó aproximadamente tres años en finalizarlo. En el siguiente fragmento podemos apreciar a Maurizzio Pollini interpretando algunas de ellas.

El tema de Diabelli ha sido criticado por su previsible falta de imaginación y repetición. Está dividido en dos frases de 16 compases, cada una con su repetición exacta. El trabajo original dura aproximadamente 45 segundos, pero las variaciones de Beethoven duran entre 45 minutos y más. En la interpretación de Moisés Kaufman, podemos ver a Beethoven buscando todas las posibilidades que podía ofrecer el vals. La pianista Diane Walsh interpreta dicha música de un modo tal que parece meterse en la cabeza del compositor mismo.

Variaciones Diabelli

Un tercer personaje, la musicóloga Catherine Brandt, está estudiando las libretas de apuntes de Beethoven en los archivos Bonn. Ella se encuentra terminalmente enferma y desesperada por resolver el acertijo de la fascinación de Beethoven.

“Es realmente una pregunta sobre inspiración… ¿Qué es lo que Beethoven vio exactamente en esos 32 compases de nada?” dice Kaufman. “Siempre dije que sería como si Philip Glass descubriera una canción de Britney Spears y decidiera pasar los siguientes cuatro años de su vida estudiando y haciendo variaciones de dicha canción.” Kaufman consultó con varios de los más respetados eruditos de Beethoven, sobre los cuatro años que pasó investigando y trabajando con el vals de Diabelli. “Lo importante en una excavación arqueológica no son sólo los objetos encontrados, sino mirar la excavación misma, y ver dónde cada pala toca el suelo”, dice Kaufman. “Todas los hoyos son parte de las cosas que fueron rescatadas”.

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Cinco claves para optimizar nuestra técnica al tocar el piano

1. Dominio: Escalas, tríadas, acordes y arpegios no son ejercicios autónomos sino que son los ladrillos de construcción para crear música, aunque ningún compositor te diría eso. Saber cómo tocar dichos “ladrillos musicales” simplificará el proceso de aprendizaje y comprensión de cualquier melodía con que te encuentres. Por ejemplo: ese pasaje de escala en la sonata de Beethoven te será mucho más fácil de incorporar a tu interpretación si ya has aprendido y dominado la escala relevante y su digitación.

2. Claridad: ¿Haz oído últimamente un arpegio de 4 octavas perfectamente ejecutado? Cada vez se vuelven menos y menos frecuentes. Pasar tiempo practicando estos ejercicios técnicos te podrá enseñar a escuchar al detalle para desarrollar un agudo sentido de conciencia que te permitirá “estar” el momento en que vayas a interpretar algo, es decir te permitirá estar consciente del lugar en el que estás y qué es lo que estás haciendo.

3. Comodidad: La técnica del piano no es sólo un juego de precisión, sino que también se basa en la incorporación y unificación de un gran número de conceptos físicos. ¿Te sientes cómodo cuando tocas? ¿Dónde se encuentra la tensión? ¿Algo te duele? El trabajar con tu maestro en resolver estos problemas por medio de la técnica puede resultarte muy útil para el resto de tu carrera.

4. Creatividad: El mito más común de aprender cualquier técnica del piano es que es aburrida. En realidad, parte del trabajo del maestro es introducir una dosis diaria de diversión en la práctica del alumno para que ésta le resulte gratificante, y no al revés. ¿Por qué no combinar los básicos ejercicios técnicos con el aprendizaje de conceptos musicales? A continuación presentamos algunas ideas para el maestro desorientado:

• Variar los dinámicos, de pp a ff, jugando con el crescendo y el diminuendo.
• Modificar las articulaciones: pruebe que su alumno intente tocar escalas con diferentes articulaciones y combinaciones de las mismas.
• Cambiar el orden: acomode el orden de los ejercicios según el tipo (por ej: escalas de octavas, tríadas, etc), clave. Haga que su alumno las toque todas y anote las dificultades; trabaje sólo en aquellas dificultades que se repitan con frecuencia.

5. Confianza: Es la noche de la presentación y estás esperando detrás del escenario. Entonces te preguntas: ¿He hecho mi trabajo? Si tu respuesta es no, probablemente experimentes el miedo genuino asociado con la ansiedad escénica y ello no es muy divertido. Por lo tanto es esencial que tengas confianza en lo que has podido aprender hasta el momento para que puedas salir al escenario y dar todo de ti sin que el miedo te lo impida.

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Pitágoras, la música y su relación con el cerebro

Un estudio llamado fMRI (Resonancia magnética funcional), que escanea el fluir de la sangre en el cerebro, demostró que la exposición de una persona a varios intervalos musiales basados en las proporciones pitagóricas, influiría enormemente en las distintas regiones del cerebro.

Pitagoras y los intervalos musicales

Una rápida revisión de las reglas proporcionales de Pitágoras: los intervalos musicales pueden ser descriptos como proporciones de las frecuencias de dos tonos. Dichas proporciones son las más simples (2:1, 3:2, 4:3, etc) y corresponden con los intervalos que la civilización occidental ha juzgado como los más agradables (intervalo de octava, quinta justa o cuarta justa), mientras que los intervalos disonantes para nuestra cultura (séptima mayor, segunda menor, cuarta aumentada o quinta disminuida) tienen proporciones más complejas (243:128, 16:15, 45:32, etc). Las pruebas de fMRI descubrieron que en los músicos bien entrenados, se observan en actividad cinco áreas del cerebro al interpretar dichos intervalos, mostrando mayor actividad cuando dichos intervalos progresan de consonancias perfectas a consonancias imperfectas para acabar en disonancias. Estas cinco áreas del cerebro son: la circunvolución frontal inferior, la circunvolución temporal superior (donde se encuentra la corteza auditiva primaria), la circunvolución frontal media, el lóbulo parietal inferior y el surco anterior (que se cree domina el conocimiento racional). En los “no músicos” (ese término horrible utilizado en conocimiento musical para describir a aquella población de oyentes que no han tenido entrenamiento musical) se observa que tan sólo un área de su cerebro se activa bajo los mismos patrones de consonancia/disonancia: la circunvolución derecha frontal inferior.
Partes de cerebro aplicadas a la musica

Aún no hemos tenido la oportunidad de leer el artículo completo para ver si los intervalos fueron en realidad interpretados en la entonación justa, cuántos intervalos se tocaron y con cuántos participantes se realizó el estudio (los estudios fMRI, por lo general, tienen pequeños números de debido al costo del tiempo MRI). Si los intervalos fueron interpretados en un temperamento constante eso iría en contra de la interpretación de todas las reglas proporcionales de Pitágoras, lo cual significaría una gran falla en la totalidad del estudio.

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Bach y el cerebro

Cierta vez me preguntaron: “¿Qué compositor elegirías si tan sólo pudieras estudiar e interpretar su música?”. Sin dudar un instante mi respuesta fue: Bach. Hay algo en su música que me satisface en muchos niveles. Siempre siento como que estoy aprendiendo de Bach, y mis manos aman seguir los diferentes giros y vueltas. Hay un componente físico muy fuerte en su música. Algo que no puedo inmovilizar y definir. Lo más que puedo decir es que simplemente mi mano lo disfruta y deleita a mi espíritu. Y, tal vez haya una muy buena explicación para ello.

Bach

Robert Schumann se curó a sí mismo de un episodio severo de cierta enfermedad mental estudiando el contrapunto de Bach, y poniéndose a sí mismo como tarea componer seis fugas en nombre del ilustre compositor. El neuromusicólogo Arthur Harvey, de la Universidad de Hawai, sostiene: “La música de Bach hace que el cerebro trabaje de un modo equilibrado. Y es en ello la más eficiente, en comparación con cualquier otro género y con la música de otros muy conocidos compositores”.

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Sobre la historicidad del piano y algunos pianistas contemporáneos

El piano realmente alcanzó su apogeo durante el 1800. Si bien Cristofori había inventado el pianoforte a inicios del 1700, la revolución industrial hizo que la producción de pianos fuera mucho más sencilla entrado el siglo XIX, y las mejoras en el mecanismo del instrumento incrementaron las capacidades sonoras del mismo. Por ejemplo, la invención del pedal introdujo sustento resonante a la paleta artística (y cualquiera familiarizado con Chopin comprende la importancia del pedal en sus composiciones). Una larga lista de compositores, tales como Schubert, Chopin, Schumann y Beethoven expandieron enormemente la literatura pianística, mientras que otros como Listz, se volvieron famosos por su deslumbrante virtuosidad técnica con el instrumento. Probablemente debido a que los modelos Barrocos y Clásicos del teclado eran incapaces de un sustento prolongado, la preferencia por las largas líneas líricas destacó a muchas piezas románticas.

Durante el siglo XX, un interés retornó en las capacidades de percusión del piano. Bartok utilizó el piano rítmicamente. Otros tales como Cage o Cowell exploraron métodos alternativos de obtener sonidos inusuales de instrumentos comunes. Por ejemplo, ambos compositores experimentaron producir sonido al golpear cuerdas que tuvieran diferentes objetos entre ellas.

Emanuel Ax

Emanuel Ax: Este pianista nacido en Polonia, y establecido en Canadá, viaja actualmente alrededor del mundo. Comenzó con su último CD de Brahms (una colección de dos conciertos para piano, Op. 15 y 83, dos rapsodias, Op 79, y dos sets de tres intermexxos, Op. 117 y 119). También posee un álbum de trabajos de Chopin, interpretados en un piano histórico. Aquellos que desean música más contemporánea pueden experimentar con su álbum de Shostakovich o escuchar Century Rolls.

Andre Previn: No solamente un pianista talentoso, Previn ha compuesto también para películas y óperas, incluyendo una puesta en escena operística de “A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo)” de Tennessee Williams. Entre sus interpretaciones pianísticas se incluyen tríos de Mozart y colaboraciones con la violinista Anne-Sophie Mutter. Con un ávido interés en la música jazz, Previn ha grabado también varios álbumes de Gershwin, Duke Ellington, y otros grandes del jazz.

Wilhelm Kempff

Wilhelm Kempff: Tajante y elocuente, Kempff exhuda un enfoque erudito en sus interpretaciones. Si deseas una introducción al set completo de las sonatas de Beethoven, deberías comenzar con las grabaciones de Kempff. También son de una inmensa calidad sus interpretaciones de las sonatas de Schubert y las variaciones Goldberg de Bach.

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Pleyel cambia su estrategia de marketing para poder competir con las grandes marcas

Vincent Raymond dedicadamente desliza un teclado de madera frente a un piano Pleyel de cola, negro brillante. Toca una cuerda aquí y un martillo por allá, con el mismo cuidado y dedicación que hizo de la marca francesa de piano la favorita de Frederic Chopin. En la nueva fábrica de Pleyel en San Denis, cerca de París, Raymond, de 25 años, se encuentra en la línea frontal de la batalla por la supervivencia de una fábrica de pianos con 200 años de antigüedad.

Logo de pianos Pleyel

La compañía, fundada en París por el compositor austriaco Ignaz Pleyel, ha atravesado con arduas pero victoriosas luchas, dos guerras mundiales, la emergencia de la música electrónica y el surgimiento de los pianos japoneses. Tras refrenar tres décadas de pérdidas y afrontar la última amenaza—la competencia china—la última fábrica de pianos en Francia está recortando la producción anual a solo 600 pianos. Esto significó eliminar a los pianos verticales de su repertorio.

“No puedo pelear contra los pianos chinos”, dijo Arnaud Marion, el presidente de Pianos Pleyel. “No tengo opción, pero debo enfocarme en la calidad, convertirme en el Hermès de la fabricación de pianos”, añadió, refiriéndose al fabricante francés de lujosas bufandas y bolsos de mano. Pleyel se encuentra invirtiendo en un nuevo piano de cola, el P280, que tiene 2.80 metros de longitud, o 9.2 pies, para re-localizar los instrumentos de la compañía en el mundo de los concert halls o salas de concierto. Dos de los P280, con un precio de más de €100.000 o U$S141.000, han sido vendidos en Japón, y uno en China. Su clásico piano de cola pequeño arranca en un valor de €30.000; aquellos decorados por artistas como Marco del Re tienen un valor inicial de €80.000. En comparación, un piano de cola de concierto hecho por Steinway, el fabricante estadounidense, los vende por aproximadamente €114.000.

Modelos de pianos Pleyel de Francia

El miércoles, Pleyel estará abriendo una sala de exposición y venta de 250 metros, con un piano rojo suspendido desde el techo durante el concert hall que se dará en París, cerca del arco del triunfo, en honor a los 80 años de Pleyel. El resurgimiento de Pleyel no será fácil. Está siendo oprimida por Steinway en el mercado de los pianos de cola y por los fabricantes chinos en las ventas de modelos pequeños.

Nueve de 10 concert halls tienen Steinways, y la mayoría de los pianistas de concierto graban con ellos. Dichos artistas los eligen por su poder, su sonido consistente y pues no quieren ser sorprendidos mientras tocan, dice François-René Duchable, un pianista francés y ávido intérprete de Chopin. “La realidad es dura”, dijo Duchable. “Pleyel no ha estado en un concert hall durante décadas. Pleyel contra Steinway es un poco como David contra Goliat”.

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La primera gira del pequeño Mozart

La familia Mozart, siendo este apenas un niño, se decidió a realizar una gira de 3 años alrededor de Europa, la cual comenzó en Junio de 1763 cuando Wolfgang Amadeus Mozart tenía 7 años. Leopold Mozart deseaba presentar a sus hijos, Nannerl y Wolfgang, en las cortes de Europa. La gira completa duró hasta el 29 de Noviembre de 1766.

Leopold Mozart esperaba que el talento de sus hijos como prodigios fuera reconocido, recompensado, y tal vez, que se le confiriera el estatus que ellos merecían. Los puntos destacados de esta gira son los que siguen:

> El 9 de Junio de 1763, cuando el pequeño Wolfgang tenía 7 años, la familia Mozart partió de Salzburgo en un viaje alrededor de Europa. Pararon en Munich, Augsburgo, Ludwigsburgo, Schwetzingen, Mainz, Frankfurt, Coblenz, Aix-la-Chapelle, Bruselas, París y Versalles.
> El 18 de Noviembre de 1763, la familia Mozart llega a París. Fue este mismo año en el que Mozart comenzó a componer gran cantidad de sonatas para violín.

En 1764, Mozart tenía 8 años. La gira continuó con más presentaciones para la realeza: el Rey Louis XV de París y el Rey George III de Londres.

> El 1 de Enero los dos jóvenes Mozart fueron presentados durante la cena en la corte francesa. Madame de Pompadour (la amante del rey) permaneció un poco distante, a pesar de que el resto de la familia los trató muy amablemente. Leopold Mozart recibió 1200 libras, o cincuenta louis de oro, por el espectáculo.
> En Marzo, Mozart dedicó sus dos Sonatas Opus 1 a la Princesa Victoria, segunda hija del Rey de Francia.
> El 10 de Abril de ese mismo año, la familia deja París para partir rumbo a Londres, ciudad a la que llegaron el 23 de ese mes. Fue allí donde el joven Mozart conoció a J. Christian Bach (onceavo hijo de J. Sebastián Bach) y compuso su primera sinfonía.
> El 27 de Abril, Wolfgang y Nannerl tocaron ante el Rey George III y la Reina Charlotte, por lo cual su padre recibió 24 guineas. Los Mozart fueron recibidos nuevamente el 19 de Mayo y el 25 de Octubre.

Durante ese año Mozart compuso más sonatas para violín, pero también se hizo un tiempo para escribir su primera sinfonía, como ya hemos mencionado; fue en esta época también, cuando sus primeras piezas musicales comenzaron a ser publicadas.

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La fábrica Bosendorfer dona un piano nuevo para el festival Two Moors de Inglaterra

Un festival de música campestre ha sido recompensado con la donación del piano más elitista del mundo, luego de que su piano nuevo de U$S 45.000 fuera destruido (a causa de un mal transporte) por el hombre responsable de su entrega. Los organizadores del Festival Two Moors en Molton del Sur, Devon, Inglaterra, han pasado dos años reuniendo los fondos para comprar un piano Bosendorfer sólo para verlo hecho añicos en el suelo a su llegada.

Piano Bosendorfer Imperial

Recientemente les han donado un piano Bosendorfer modelo Imperial de Concierto (de un valor aproximado de U$S 85.000) para el festival, que comenzará el 12 de octubre.

La organizadora del festival, Penny Adie dijo “Es demasiado bueno para ser verdad”. “Nunca en la historia de la compañía se ha donado un piano de este valor a ningún individuo u organización”.

El piano fue trasladado desde Austria por el staff de Bosendorfer, fábrica de pianos fundada por Ignaz Bosendorfer, y entregado el viernes pasado. La señora Adie dijo: “Ellos hicieron una entrega a las corridas y muy tranquila y eficientemente movilizaron el piano sin que sufriera ningún rasguño”. “Este es el piano más espectacular del mundo. Es un instrumento tan inmaculado que no puedo creer que se encuentre aquí”. Luego miró con ojos llorosos cómo el piano estaba siendo probado por el concertista Tom Poster.

Alrededor de 100 partidarios del Festival Two Moors habían recaudado dinero para el piano original. Las reclamaciones por el daño al instrumento original aún no han sido resueltas. El festival Two Moors fue montado en el año 2001 para traer de regreso a los turistas a Dartmoor y Exmoor luego de la crisis. En él se dará una serie de eventos musicales que durará 10 días, y se llevará a cabo en el mes de octubre.

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