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Historia de las 33 variaciones Diabelli de Beethoven

A comienzos del 1800, un editor musical llamado Anton Diabelli escribió un vals e invitó a los mejores compositores de Viena para que crearan una variación de éste para su posterior publicación. Según dice la leyenda, todos aceptaron la propuesta a excepción de Beethoven, quien inicialmente consideraba la composición de Diabelli vulgar e insignificante. Pero eventualmente se obsesionó con ésta y compuso 33 variaciones, trabajo que le tomó aproximadamente tres años en finalizarlo. En el siguiente fragmento podemos apreciar a Maurizzio Pollini interpretando algunas de ellas.

El tema de Diabelli ha sido criticado por su previsible falta de imaginación y repetición. Está dividido en dos frases de 16 compases, cada una con su repetición exacta. El trabajo original dura aproximadamente 45 segundos, pero las variaciones de Beethoven duran entre 45 minutos y más. En la interpretación de Moisés Kaufman, podemos ver a Beethoven buscando todas las posibilidades que podía ofrecer el vals. La pianista Diane Walsh interpreta dicha música de un modo tal que parece meterse en la cabeza del compositor mismo.

Variaciones Diabelli

Un tercer personaje, la musicóloga Catherine Brandt, está estudiando las libretas de apuntes de Beethoven en los archivos Bonn. Ella se encuentra terminalmente enferma y desesperada por resolver el acertijo de la fascinación de Beethoven.

“Es realmente una pregunta sobre inspiración… ¿Qué es lo que Beethoven vio exactamente en esos 32 compases de nada?” dice Kaufman. “Siempre dije que sería como si Philip Glass descubriera una canción de Britney Spears y decidiera pasar los siguientes cuatro años de su vida estudiando y haciendo variaciones de dicha canción.” Kaufman consultó con varios de los más respetados eruditos de Beethoven, sobre los cuatro años que pasó investigando y trabajando con el vals de Diabelli. “Lo importante en una excavación arqueológica no son sólo los objetos encontrados, sino mirar la excavación misma, y ver dónde cada pala toca el suelo”, dice Kaufman. “Todas los hoyos son parte de las cosas que fueron rescatadas”.

Falleció Oscar Peterson

El gran pianista de jazz Oscar Peterson acaba de fallecer en Canadá a la edad de 82 años. Nacido en la ciudad de Montreal, fue uno de los mas grandes compositores y pianistas de jazz del siglo XX. Desde Pianored despendimos con honores a un grande del piano y del jazz. Para quienes desean conocer detalles de su vida, pueden leer su biografía o acceder a su sitio oficial.

¿Quién es quién en la familia de Bach?

El 21 de Marzo del 2007 se cumplieron 322 años del nacimiento de Johann Sebastian Bach. Pero si bien todo el mundo ha oído acerca del compositor que nos dio la majestuosa Tocata y Fuga en D menor (cuya ominosa introducción se utiliza como telón de fondo de muchos escenarios) o el preludio y fuga en Do sostenido menor, poco se conoce en realidad del resto de la familia Bach. Johann S. Bach era descendiente de un gran linaje de músicos, muchos de los cuales también contribuyeron al repertorio estándar de la música occidental. Su música también, según se cree, mejora la condición cerebral como se aprecia en nuestro artículo Bach y el cerebro.

Si bien varios de los ancestros y parientes de Bach eran músicos practicantes, tan sólo unos pocos en particular merecen ser nombrados.

Johann Chrisoph Bach
fue el primo del padre de Sebastian. Él escribió un concierto de 22 partes para Michelmas, Es erhub sich ein Streit, un trabajo que aún es haltamente considerado como un ejemplar del arte vocal del siglo XVII.

Carl Philipp Emanuel Bach fue el segundo hijo de Johann Sebastian. Éste joven continuó con la virtuosidad de su padre en el teclado y con sus habilidades pedagógicas. Además de componer para piano y orquesta, Carl Philipp también escribió autoritariamente para músicos amateurs deseando instruirlos a ellos mismos en “El verdadero arte de tocar instrumentos de teclado.” A diferencia del estilo barroco de su padre, Carl Bach escribió en un estilo clásico menos ornamentado, propio de finales del siglo XVIII.

Wilhelm Friedemann Bach fue el hijo mayor de Johann Sebastian. Al igual que su padre, este miembro de la familia también fue organista y compositor. Como su hermano Carl, también marcó la transición de la era Barroca a la Clásica. Entre los alumnos de Wilhelm se encontraba Sarah Levy, la tía abuela de Felix Mendelssohn.

J.S. Bach se destacó de entre sus parientes, en gran medida debido a los esfuerzos de Felix Mendelssohn. El posterior compositor, también alemán, interpretó y promovió repetidas veces los trabajos de Johann Sebastian, renovando el interés en la música a del compositor barroco.

Otra razón que explique la longevidad del J.S. Bach es la contribución prolífica tanto a la música de iglesia como a sus trabajos pedagógicos: sus cantatas y oratorios aún son interpretados con gran frecuencia en los servicios eclesiásticos y casi todo estudiante de piano aprenderá un preludio y una fuga del Clavier de Johann Sebastian. También, la melodía de un himno muy popular “O Sacred Head Now Wounded” deriva de una melodía coral encontrada en la Passion de San Matthew.

Fallecio el compositor Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen fue un compositor alemán pionero en el desarrollo de ma música electroacústica ya que sus trabajos no solamente fueron innovadores sino que sirvieron de estímulo a muchos compositores posteriores que siguieron sus lineamientos.

Alemania: el músico tenía 79 años
Un pilar de la música electroacústica
LANACION.com | Espectáculos | Sábado 8 de diciembre de 2007


Pitágoras, la música y su relación con el cerebro

Un estudio llamado fMRI (Resonancia magnética funcional), que escanea el fluir de la sangre en el cerebro, demostró que la exposición de una persona a varios intervalos musiales basados en las proporciones pitagóricas, influiría enormemente en las distintas regiones del cerebro.

Pitagoras y los intervalos musicales

Una rápida revisión de las reglas proporcionales de Pitágoras: los intervalos musicales pueden ser descriptos como proporciones de las frecuencias de dos tonos. Dichas proporciones son las más simples (2:1, 3:2, 4:3, etc) y corresponden con los intervalos que la civilización occidental ha juzgado como los más agradables (intervalo de octava, quinta justa o cuarta justa), mientras que los intervalos disonantes para nuestra cultura (séptima mayor, segunda menor, cuarta aumentada o quinta disminuida) tienen proporciones más complejas (243:128, 16:15, 45:32, etc). Las pruebas de fMRI descubrieron que en los músicos bien entrenados, se observan en actividad cinco áreas del cerebro al interpretar dichos intervalos, mostrando mayor actividad cuando dichos intervalos progresan de consonancias perfectas a consonancias imperfectas para acabar en disonancias. Estas cinco áreas del cerebro son: la circunvolución frontal inferior, la circunvolución temporal superior (donde se encuentra la corteza auditiva primaria), la circunvolución frontal media, el lóbulo parietal inferior y el surco anterior (que se cree domina el conocimiento racional). En los “no músicos” (ese término horrible utilizado en conocimiento musical para describir a aquella población de oyentes que no han tenido entrenamiento musical) se observa que tan sólo un área de su cerebro se activa bajo los mismos patrones de consonancia/disonancia: la circunvolución derecha frontal inferior.
Partes de cerebro aplicadas a la musica

Aún no hemos tenido la oportunidad de leer el artículo completo para ver si los intervalos fueron en realidad interpretados en la entonación justa, cuántos intervalos se tocaron y con cuántos participantes se realizó el estudio (los estudios fMRI, por lo general, tienen pequeños números de debido al costo del tiempo MRI). Si los intervalos fueron interpretados en un temperamento constante eso iría en contra de la interpretación de todas las reglas proporcionales de Pitágoras, lo cual significaría una gran falla en la totalidad del estudio.

El vuelo del moscardón tocado en cinco pianos

Bella y jugada versión de “El vuelo del moscardón” de Rimsky-Korsakov tocada por este grupo de jóvenes pianistas en cinco pianos en simultáneo.

Bach y el cerebro

Cierta vez me preguntaron: “¿Qué compositor elegirías si tan sólo pudieras estudiar e interpretar su música?”. Sin dudar un instante mi respuesta fue: Bach. Hay algo en su música que me satisface en muchos niveles. Siempre siento como que estoy aprendiendo de Bach, y mis manos aman seguir los diferentes giros y vueltas. Hay un componente físico muy fuerte en su música. Algo que no puedo inmovilizar y definir. Lo más que puedo decir es que simplemente mi mano lo disfruta y deleita a mi espíritu. Y, tal vez haya una muy buena explicación para ello.

Bach

Robert Schumann se curó a sí mismo de un episodio severo de cierta enfermedad mental estudiando el contrapunto de Bach, y poniéndose a sí mismo como tarea componer seis fugas en nombre del ilustre compositor. El neuromusicólogo Arthur Harvey, de la Universidad de Hawai, sostiene: “La música de Bach hace que el cerebro trabaje de un modo equilibrado. Y es en ello la más eficiente, en comparación con cualquier otro género y con la música de otros muy conocidos compositores”.

El oído sensible de Handel

Handel se encontraba sentado en su habitación de Brook Street enérgicamente atrapado en una composición. En el apartamento contiguo, una joven dama se encontraba ocupada en su práctica. Una repentina interrupción hizo que ella se detuviera en medio de una cadencia, cayendo abruptamente en la nota Dominante.

Handel se movió nerviosamente en su silla. Su mano espasmódicamente apretó su frente. En medio de su febril escritura los pensamientos dejaron de fluir. Frunció el ceño; miró hacia el techo con malicia; arrojó su pluma en un arrebato de desesperación; y en un instante se puso de pie apresurándose hacia la habitación de al lado. Una vez allí, demandó a la asombrada joven, “Por favor señora, toque el siguiente acorde!” y acto seguido se sentó sobre el taburete y atestó de un golpe al clavicordio la Tónica deseada. “Aquí tiene. Buenas tardes, señora.” y en un instante se volvió a perder en su intrincada composición.

George Handel

Lo único que nos muestra esta fragmentada historia es cuan delicadamente afinado es el oído de un músico, y que un acorde sin resolver en la habitación contigua, que no se encontraba escuchando éste de manera consciente, pudo poner fin a su concentración, irritándole y obligándolo a resolver el acorde.

He aquí una valiosa lección para el estudiante común. ¿Debes procurar, durante tus horas de práctica, entrenar el oído para ser un crítico exacto? ¿Durante todo el tiempo que pasas con la música escuchas alternativamente para asegurarte de que el instrumento produzca la nota que tienes en tu cabeza, con los matices y dinámicos que imaginas? Es fácil creer que lo haces; pero, ¿estás seguro de hacerlo?

A menos que el oído se encuentre evaluando en todo momento la calidad de nuestro trabajo, estaremos permitiendo muchas pequeñas imperfecciones a lo largo de nuestra interpretación. De hecho, muy a menudo nos inclinamos a jugar con nuestra interpretación. El oído debe estar tan entrenado y desarrollado que será nuestro monitor personal, advirtiéndonos cuando nos acercamos a un sonido inarmónico o detectando y guiándonos firmemente y con prudencia en el aspecto artístico.

Sobre la historicidad del piano y algunos pianistas contemporáneos

El piano realmente alcanzó su apogeo durante el 1800. Si bien Cristofori había inventado el pianoforte a inicios del 1700, la revolución industrial hizo que la producción de pianos fuera mucho más sencilla entrado el siglo XIX, y las mejoras en el mecanismo del instrumento incrementaron las capacidades sonoras del mismo. Por ejemplo, la invención del pedal introdujo sustento resonante a la paleta artística (y cualquiera familiarizado con Chopin comprende la importancia del pedal en sus composiciones). Una larga lista de compositores, tales como Schubert, Chopin, Schumann y Beethoven expandieron enormemente la literatura pianística, mientras que otros como Listz, se volvieron famosos por su deslumbrante virtuosidad técnica con el instrumento. Probablemente debido a que los modelos Barrocos y Clásicos del teclado eran incapaces de un sustento prolongado, la preferencia por las largas líneas líricas destacó a muchas piezas románticas.

Durante el siglo XX, un interés retornó en las capacidades de percusión del piano. Bartok utilizó el piano rítmicamente. Otros tales como Cage o Cowell exploraron métodos alternativos de obtener sonidos inusuales de instrumentos comunes. Por ejemplo, ambos compositores experimentaron producir sonido al golpear cuerdas que tuvieran diferentes objetos entre ellas.

Emanuel Ax

Emanuel Ax: Este pianista nacido en Polonia, y establecido en Canadá, viaja actualmente alrededor del mundo. Comenzó con su último CD de Brahms (una colección de dos conciertos para piano, Op. 15 y 83, dos rapsodias, Op 79, y dos sets de tres intermexxos, Op. 117 y 119). También posee un álbum de trabajos de Chopin, interpretados en un piano histórico. Aquellos que desean música más contemporánea pueden experimentar con su álbum de Shostakovich o escuchar Century Rolls.

Andre Previn: No solamente un pianista talentoso, Previn ha compuesto también para películas y óperas, incluyendo una puesta en escena operística de “A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo)” de Tennessee Williams. Entre sus interpretaciones pianísticas se incluyen tríos de Mozart y colaboraciones con la violinista Anne-Sophie Mutter. Con un ávido interés en la música jazz, Previn ha grabado también varios álbumes de Gershwin, Duke Ellington, y otros grandes del jazz.

Wilhelm Kempff

Wilhelm Kempff: Tajante y elocuente, Kempff exhuda un enfoque erudito en sus interpretaciones. Si deseas una introducción al set completo de las sonatas de Beethoven, deberías comenzar con las grabaciones de Kempff. También son de una inmensa calidad sus interpretaciones de las sonatas de Schubert y las variaciones Goldberg de Bach.

¿Estás listo para conectar tu piano a internet?

A comienzos del siglo XX, cuando la radio reemplazó al pianista como la fuente dominante de entretenimiento, la era de la música de salón llegó a un brusco final. Ahora, el pianista se toma la revancha. La introducción del nuevo modelo del Yamaha Disklavier, el reproductor de piano más avanzado del mundo, resucitó el interés en los pianos. Ahora, con el reciente lanzamiento del Disklavier 2.0, Yamaha introdujo la Radio Disklavier y la Tienda de Música Disklavier. Ambos servicios combinan los mejores aspectos de la interpretación en vivo con la nueva tecnología de Internet para ofrecer una experiencia de entretenimiento casero que ninguna radio puede lograr.

El piano internet disklavier Yamaha

“Durante 20 años, la línea de pianos reproductores Yamaha Disklavier ha definido la vanguardia de la música tecnológica”, señaló Bill Brandom, manager de marketing de Disklavier. “Con la introducción de la Radio y la Tienda de Música Disklavier, nos encontramos haciendo historia nuevamente. Ahora, los dueños de Yamaha Disklavier pueden tomar ventaja de la conexión a Internet y sus descargas para acceder instantáneamente a una vasta selección de música de Disklavier incorporando MIDI para obtener un realismo máximo en cuanto a calidad sonora. La radio probablemente haya superado pianista a principios del siglo XX, pero con estos avances, el piano reclama ser el centro de atención”.

La Radio Disklavier es un servicio que eleva la radio al nivel de presentaciones en vivo. Cada estación incluye una alimentación por MIDI, permitiéndole al piano acústico Yamaha tocar en vivo, acompañado especialmente por ensambles grabados, para añadirle mayor realismo y precisión.

La primera gira del pequeño Mozart

La familia Mozart, siendo este apenas un niño, se decidió a realizar una gira de 3 años alrededor de Europa, la cual comenzó en Junio de 1763 cuando Wolfgang Amadeus Mozart tenía 7 años. Leopold Mozart deseaba presentar a sus hijos, Nannerl y Wolfgang, en las cortes de Europa. La gira completa duró hasta el 29 de Noviembre de 1766.

Leopold Mozart esperaba que el talento de sus hijos como prodigios fuera reconocido, recompensado, y tal vez, que se le confiriera el estatus que ellos merecían. Los puntos destacados de esta gira son los que siguen:

> El 9 de Junio de 1763, cuando el pequeño Wolfgang tenía 7 años, la familia Mozart partió de Salzburgo en un viaje alrededor de Europa. Pararon en Munich, Augsburgo, Ludwigsburgo, Schwetzingen, Mainz, Frankfurt, Coblenz, Aix-la-Chapelle, Bruselas, París y Versalles.
> El 18 de Noviembre de 1763, la familia Mozart llega a París. Fue este mismo año en el que Mozart comenzó a componer gran cantidad de sonatas para violín.

En 1764, Mozart tenía 8 años. La gira continuó con más presentaciones para la realeza: el Rey Louis XV de París y el Rey George III de Londres.

> El 1 de Enero los dos jóvenes Mozart fueron presentados durante la cena en la corte francesa. Madame de Pompadour (la amante del rey) permaneció un poco distante, a pesar de que el resto de la familia los trató muy amablemente. Leopold Mozart recibió 1200 libras, o cincuenta louis de oro, por el espectáculo.
> En Marzo, Mozart dedicó sus dos Sonatas Opus 1 a la Princesa Victoria, segunda hija del Rey de Francia.
> El 10 de Abril de ese mismo año, la familia deja París para partir rumbo a Londres, ciudad a la que llegaron el 23 de ese mes. Fue allí donde el joven Mozart conoció a J. Christian Bach (onceavo hijo de J. Sebastián Bach) y compuso su primera sinfonía.
> El 27 de Abril, Wolfgang y Nannerl tocaron ante el Rey George III y la Reina Charlotte, por lo cual su padre recibió 24 guineas. Los Mozart fueron recibidos nuevamente el 19 de Mayo y el 25 de Octubre.

Durante ese año Mozart compuso más sonatas para violín, pero también se hizo un tiempo para escribir su primera sinfonía, como ya hemos mencionado; fue en esta época también, cuando sus primeras piezas musicales comenzaron a ser publicadas.

El preludio y fuga en Do sostenido menor de Bach

La obra para clave de Bach posee notable puntos culminantes entre los que podemos hallar el preludio y fuda en Do sostenido menor que en esta ocasión interpreta el pianista Konstantin Soukhovetski.

Descubren un nuevo concierto para piano de Mozart

Un recientemente descubierto concierto para piano, el cual parece ser uno de los primeros trabajos de Wolfgang Amadeus Mozart, será interpretado por primera vez este mes en Salzburgo, la ciudad natal del compositor. Los expertos creen que la composición, titualada Allegro di Wolffgango Mozart, fue escrita por el niño prodigio en algún momento entre sus 6 y 10 años.

El manuscrito fue encontrado en un libro de música comprado por la arquidiócesis de Salzburgo. Éste contenía otras 118 composiciones, principalmente minuets, preludios y versets de Mozart y otros prominentes compositores.

Según Ernst Hintermeier, el director de los archivos de la arquidiócesis, quien fue el primero en establecer la autoría de dicho manuscrito, la pieza fue escrita por el compositor austriaco entre 1763 y 1766. Teniendo en cuenta que Mozart nació en el año 1756 en Salzburgo, y falleció en 1791 en Viena, comprobamos verdaderamente la presencia de un niño prodigio.

“Este es un descubrimiento maravilloso y una contribución impresionante para el ámbito de investigación de la vida del compositor. Yo lo compré en nombre de los archivos de arquidiócesis a unos dueños privados, quienes no tenían conocimiento alguno de su valor. Luego de una cuidadosa investigación del manuscrito se volvió aparente que contenía una obra entera y desconocida por completo, del joven Amadeus Mozart”, comentó el Dr. Hintermeier al Times. “Fue realmente un descubrimiento emocionante”.

¿Qué hacer estando solos, en casa y aburridos? Componer música!

Los ejemplos de edición de audio y video para crear música cada vez nos sorprenden mas. Ahora es el caso de un muchacho que, estando solo en su casa (y aburrido), se decide ha componer música con la mayoría de los objetos que tiene a la mano. Digno de ver!

Radiohead permite a sus fans elegir el precio de su nuevo disco

En un movimiento con escasos precedentes dentro de la industria discográfica, el grupo de rock Radiohead ha lanzado recientemente su nuevo disco el cual se encuentra solamente en venta a través de su sitio web. La novedad es que, además de las dos versiones en que puede adquirirse (para descarga o en versión tradicional de disco compacto), los mismos usuarios son los que deciden cuanto pagarán por el disco.

El nuevo disco de RadioHead

Esto significa que, a nuestra manera de ver y como adelantara su líder Thom Yorke hace un tiempo, el disco se ofrece a cambio de una donación voluntaria del comprador, llevando el concepto colaborativo de la web 2.0 al corazón de la industria discográfica. Es decir, ya no son los pequeños productores de contenidos los que colocan sus creaciones bajo normas de “Creative Commons” sino que las grandes bandas de rock estan comenzando a hacerlo pues este es un claro ejemplo de un disco al cual se puede acceder a cambio de una donación a sus autores.

Pensar que paises como España y muchos otros latinos se debaten tratando de inventar la manera de cobrar canones abusivos a las personas que desean acceder a la música y a otros medios audiovisuales. ¡Qué lejos estamos de la avanzada mundial tecnológica!

Un edificio con forma de piano (y violín)

La facinación con los pianos en China no tiene límites. El edificio que se muestra en la fotografía que sigue tiene la perfecta forma de un piano de cola y se encuentra acompañado por un violín. El mismo se ubica en la ciudad de Huinan, al norte de China.

El edificio con piano

La sonata Appassionata de Beethoven por Rubinstein

Hemos hallado una interesante versión de la sonata de Beethoven para piano número 23 llamada Appassionata interpretada por el maestro Arthur Rubinstein. La interpretación del genial pianista es verdaderamente admirable. Seguidamente el primer movimiento, tal vez el mas conocido de los tres que componen la obra.


El segundo movimiento, mucho mas lento que el primero, no deja de ofrecer interesantes desafíos técnicos. Con un tempo indicado en la partitura como “Andante con moto” es, a nuestra manera de ver, una de las composiciones mas bellas dentro de las piezas para piano de Beethoven. A continuación la interpretación del mismo.

El “Allegro ma non troppo” del movimiento final encuentra una resolución formidable a estra magnifica obra para piano, considerada por muchos como una de las mas grandes sonatas para piano de Beethoven de todos los tiempos.

Creemos que esta representación por parte de Rubinstein deja lugar para el debate, tanto por el lado de la particular interpretación de este ganial músico, como así también por las cualidades y desafiós técnicos que propone la misma. Por ende, esperamos vuestros comentarios, críticas, sujerencias y todo lo que les venga en mente.

Continúa la leyenda beethoveniana

Esta es la segunda parte de la leyenda sobre la sonata Claro de Luna de Beethoven.

Lágrimas cayeron de los ojos de la muchacha al momento en que ella reconoció la música, y luego con una voz trémula, le preguntó a él si era posible que fuera el gran Maestro en persona. “Si” respondió Beethoven; “tocaré para ti”. Luego de unos momentos, mientras tocaba una de sus composiciones más viejas, la vela parpadeó, y se apagó. La interrupción pareció romper el tren de su memoria. Beethoven se levantó, fue hacia la ventana, y la abrió, inundando la habitación con la luz de la luna. Luego de meditar unos momentos, se volvió y dijo: “Improvisaré una sonata a la luz de la luna”. Luego siguió la maravillosa composición que conocemos tan bien.

Sin embargo, para introducir un frío y desagradable aspecto a este relato tan poético, debemos saber que debido el método de escritura de Beethoven y a su hábito de retocar, revisar y pulir una y otra vez sus manuscritos, es probable que la improvisación de aquella noche fuera mucho más aburrida que el trabajo final. El primer movimiento de la sonata “Claro de Luna” es lento, majestuoso y sombrío, como un hermoso y formal jardín que yace ilusionado en la oscuridad de la noche. Luego aparece silenciosamente escabulléndose bajo la sombra del acompañamiento, una triste e infinitamente amorosa melodía, que impregna todo el movimiento, hasta que el completo significado de su espeluznante y mística belleza es revelado; incluso mientras la luna naciente gradualmente baña nuestro oscuro jardín en un esplendor plateado.

Luego de una pausa sin respiros, comienza el segundo movimiento, y nuestro jardín se llena de repente con espíritus danzantes, etéreos y delicados, como sabemos que deben ser los espíritus, pero moviéndose con un abandono de ritmo que lo lleva lejos en un remolino de placer. Un corte repentino, otro silencio de suspenso, y comienza el tercer movimiento: como una ráfaga de viento que azota los árboles y envía a los espíritus a refugiarse a toda prisa, las notas caen apresuradamente, arremolinándose, como suele hacerlo el viento. Las nubes corren deprisa por el cielo, pero incluso ahora y entonces por entre los claros, se ve la luna cabalgando majestuosamente, inundando el tortuoso jardín con dulces y serenas melodías de luz.

La leyenda de la sonata Claro de Luna

La sonata de Beethoven, que ha sido conocida como “Claro de Luna”, fue escrita hacia finales de la vida de su compositor, luego de que su poder hubiera alcanzado la cima, y junto con la “Patética”, y otras dos, marcan el punto más alto en la literatura pianística de la clásica escuela. Hay una vieja historia relacionada con la composición de esta sonata. Si bien ha sido desacreditada por muchos, ya es parte de la tradición de la sonata, y es muy interesante su lectura.

Se cuenta que una noche, Beethoven y un amigo estaban caminando por las calles de Bon, y, al pasar por uno de los barrios más pobres, se sorprendieron de oír música, bien interpretada, proveniente de una de las casas. Beethoven, con su usual intrepidez, cruzó la calle, abrió la puerta de un empujón, e ingresó a la casa sin anunciarse. La habitación era precaria, y estaba iluminada por una débil vela. Un hombre joven se encontraba trabajando sobre un banco de zapatero en un rincón. Una joven mujer, aún casi una niña, estaba sentada a un viejo piano cuadrado. Ambos se sobresaltaron por la intromisión, pero su sorpresa no fue mayor que la de Beethoven y su amigo al enterarse que la joven era ciega.

Beethoven, un tanto confundido, se apresuró para disculparse, y explicó que había quedado tan impresionado con la calidad de ejecución de la joven, que había apresurado por averiguar quien era que estaba tocando en ese mismo momento esa noche y en ese barrio de la ciudad. Luego, preguntó amablemente a la muchacha dónde había aprendido a tocar, a lo cual ella respondió que una vez habían vivido al lado de una mujer que estudiaba música, y quien pasaba gran parte de su tiempo practicando las obras del gran Maestro, Beethoven. Ella había aprendido a tocar muchas de las piezas del Mestro tan sólo oyendo practicar a su vecina. El hermano de la joven los interrumpió en ese momento para saber quienes eran los intrusos, y que seguramente habían notado la pobre interpretación de su hermana. ¡Escucha! Dijo Beethoven, mientras caminaba hacia el piano, luego se sentó y tocó los acordes iniciales de su Sonata Claro de Luna.

Continua aquí.

Aprendiendo teoría de la música y composición

Hemos desarrollado un segmento de nuestro portal orientado al aprendizaje de la teoría musical que se compone de un conjunto de lecciones ordenadas desde los mas elemental hacia lo mas complejo. Entre las primeras lecciones encontramos aquellas que se ocupan de las claves musicales, la duración de las notas y los diferentes tipos de compaces.

Las lecciones siguientes tratan temas tales como los silencios, las ligaduras entre notas, las escalas mayores y las menores. Esperamos que el mismo sea de vuestro agrado.

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