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¡Aumente su repertorio de piano fácilmente!

Sí, usted puede aumentar su repertorio de piano con el mínimo esfuerzo. No sólo puede aprender muchas canciones, sino también tocarlas bien si sabe como practicar. A lo largo de mi carrera como docente, he visto a muchos estudiantes sentirse frustrados ya que sólo pueden tocar un par de canciones a pesar de que han aprendido 10, 30, 50 o más piezas, ya sea si están tomando clases para principiantes o avanzados.


Si usted está en esta situación, hay una solución fácil a su problema… ¡Hay que organizarse!

Estoy dispuesto a apostar, que cuando usted toca para sus amigos o su familia, las canciones que probablemente recuerda son las últimas que ha aprendido. La razón por la que sólo puede tocar pocas canciones, es porque no las trata de la misma forma, y por consiguiente, su repertorio de piano es muy pequeño.

He aquí un método simple que funciona para mis estudiantes, y le servirá a usted si lo aplica correctamente:

o Haga una lista de las canciones que ha aprendido (sobre todo las que realmente le gusten), y enumérelas.

o Divídalas en grupos de 5. Es más fácil apuntar a grupos de 5 que a grupos de 50 o 100 canciones.

o Comenzando con el primer grupo de su lista, practique una canción cada día, o cada dos días.

o Continúe con el segundo grupo de la misma manera, luego con el tercero y así sucesivamente.

o Cuando termine el último grupo, comience de nuevo con el primer grupo.

A medida que continúe añadiendo más canciones a su repertorio de piano, le llevará más tiempo pasar por el ciclo. Para entonces, usted puede hacer algunos cambios a este método. Ahora, las primeras canciones son cada vez más fáciles de tocar porque se han practicado varias veces. Ahora puede pasar más tiempo con las más nuevas.

Por ejemplo, digamos que con el tiempo usted puede llegar a tocar 50 canciones. Vaya a través de todos sus grupos, y cuando llegue a la última canción en el último grupo, vuelva a la canción número 31 y vuelva a empezar desde allí. La próxima vez, comience a partir de la canción numero uno, y en la siguiente ronda, comience a partir de la número 31.

La razón por la cual este método funciona, es porque uno está tratando todas las piezas en su repertorio por igual. Está gastando la misma cantidad de tiempo practicando cada canción, independientemente de las clases de piano. Ahora usted podrá tocar más canciones, y disfrutar tocándolas bien.

¿Es fácil tocar el piano?

¿Alguna vez alguien te ha dicho cuán fácil es tocar el piano? ¿Alguna vez has tenido alguien que te transmita la idea de que para tocar el piano requieres muy pocas habilidades? Tales opiniones sólo muestran que cualquiera que las sostenga conoce muy poco al respecto. Hasta que nos ponemos a pensar, muy pocas personas se dan cuenta cuán complicado es en realidad, tocar hasta una simple melodía en el piano.

Primero que nada, tenemos que leer notas en dos claves: sol y fa. El mismo signo, ubicado en el mismo lugar, es por ejemplo, Sol en la clave de fa (grave) y Mi en la clave de sol. Por lo tanto, debemos saber siempre si estamos leyendo una nota grave o aguda. Varios signos de formas diferentes denotan diferentes longitudes de tiempo que deben ser interpretadas correctamente al momento de tocar. Otros signos denotan periodos de silencio entre las notas, también deberán ser de duración exacta. Debemos ser capaces de ubicar el dedo correcto sobre la tecla que representa una nota en particular, con el estilo correcto de digitación (si es ligado, staccato, etc.), y en el momento indicado. Debemos leer no sólo una nota a la vez, sino acordes de tres, cuatro e incluso diez notas al mismo tiempo. Debemos utilizar el dedo indicado, con una técnica específica de la mano, muñeca y del brazo, y tocar, al mismo tiempo, con movimientos que son completamente diferentes, uno con cada mano. Debemos siempre mantener en mente la armadura de clave apropiada y estar preparados para todos los accidentes, y para cambiar de clave en cualquier momento.

Y, para añadir algo más, debemos observar todas las marcas de expresión, matices, fraseo y tiempo, utilizar los pedales apropiadamente, y finalmente interpretar el estilo y el espíritu de la pieza de modo tal que se expresen correctamente la idea del compositor. Cuando esbozamos lo que un intérprete debe hacer realmente, podemos ver fácilmente que tocar el piano no es algo sencillo de hacer, ni siquiera si se trata de una pieza que no presente complejidades. De cualquier manera, estas dificultades deben ser tomadas como un desafío adicional.

Siéntate de modo tal que tus codos queden justo por debajo del nivel de las teclas

Para mejorar la posición de nuestro cuerpo al tocar el piano, la altura es también extremadamente importante. La mayoría de las personas se sientan demasiado altas o demasiado bajas en relación con el teclado. En realidad, debemos ser más respetuosos con nuestro natural tipo de cuerpo. ¿Tienes piernas largas o torso largo? Por lo general, las mujeres tienen piernas largas y torso pequeño, y los hombres al revés. El problema es que la altura de los bancos estándar de los pianos es para personas de torso pequeño. ¿Pero, por qué es esto una desventaja? Esto significa que los codos se posicionarán por encima del nivel del teclado cuando en realidad, como dijimos anteriormente, deberían estar posicionados ligeramente más abajo. La razón por la cual la mano, la muñeca y el antebrazo deben estar todos en una línea recta, es para permitir una menor fricción en los tendones de los antebrazos, los cuales, en realidad, controlan los dedos.

Por otro lado, las personas que se sientan demasiado arriba, o demasiado abajo, o que poseen una muñeca baja o una muñeca alta, por lo general padecen dolor y, en última instancia, tendinitis, o síndrome del tunel carpiano. ¡Esto es realmente tan innecesario! La solución se encuentra en conseguir un banco ajustable o sentarse sobre una silla, mediante lo cual es posible corregir la distancia al teclado. También, si vas a tocar sentado, ajusta el ángulo del teclado para mantener el ángulo óptimo, de modo que la mano, la muñeca y el antebrazo permanezcan en una línea recta.

Seguimos con el tema lesiones: los teclados electrónicos

Siguiendo con el tema de las lesiones de quienes tocan el piano, muchas lesiones son específicas de aquellas personas que tocan teclados electrónicos. Uno pensaría que gracias a ese mecanismo más liviano del teclado sería más sencillo tocar, pero de hecho, resulta mucho más difícil. Esto se debe a que la mayoría de las personas tienen una tendencia a presionarlos con mayor firmeza que como lo harían con las teclas normales (que pesan más), para compensar la escasez de resistencia. También, nos dejamos engañar por los niveles artificiales de sonido. A causa de los aspectos electrónicos del instrumento, nos hemos vuelto dependientes del volumen actual, en contraposición del volumen percibido. Por ejemplo, si estamos grabando el último nivel de dinámicos probablemente sea muy alto, pero para nosotros intérpretes, en nuestro monitor, tal vez parezcan muy suaves. Por lo cual, instintivamente, tratamos de tocarlos con mayor potencia para crear un sonido más fuerte, cuando en verdad no necesita ser reforzado. Mientras tanto, cuando más fuerte toquemos, tanto más se nos tensarán los dedos. Cuanto más rígidos estén nuestros dedos entonces, más lento tocaremos y más presión ejerceremos. Cuanta más presión ejerzamos sobre las teclas, más dolor nos causaremos. Por lo cual, la solución aquí es recordar en nuestra mente mientras tocamos que “suave es igual a rápido”. De este modo mantendremos nuestro sistema muscular mucho más relajado.

Para un técnica de tocar el piano libre de dolores

Algunos especialistas sostienen que realizar cambios simples en la técnica de ejecución de los pianistas les evitarán muchos dolores y hasta incluso lesiones en las articulaciones de sus manos. Si tu modo de ejecución o práctica del piano no se encuentra libre de dolores, ni se realiza sin dolores en forma constante, automática y sin esfuerzo, significa que estás haciendo algo mal en tu técnica. Estos datos explican cómo mejorar la eficiencia biomecánica, la relajación y cómo evitar las tensiones, realizando tan sólo unos pequeños cambios en tu técnica. Dichas sugerencias proveen el soporte necesario de retensión del dolor llevado a cabo por tratamientos medicinales que aseguran que el dolor no regresará. Una técnica libre de dolor debe permitirte tocar sin dolor en forma constante, automática y no debe requerir esfuerzo alguno. Desafortunadamente, según el modo tradicional como se enseña a tocar el piano, una ejecución libre de dolor se torna rara, deliberada y difícil. Existen muchas razones por las cuales sucede esto. La distancia del banco o taburete al piano es lo primero que debes considerar.

La importancia del La 440 en la afinación de un piano

¿Pero, por qué tanto alboroto por una onda sonora cuya frecuencia, además, resulta tan difícil de contar y de percibir para la gente no especializada? Después de todo, un piano puede ser afinado considerablemente por encima o por debajo del La 440, proporcionando notas que están todas en correcta proporción las unas con las otras. Y el porcentaje de personas, incluso músicos, quienes poseen ese místico regalo del “tono perfecto” y que pueden decir si realmente el La está a 440, es muy, muy bajo. Entonces, ¿por qué tanto interés por este tema? Aquí te presentamos numerosas respuestas que la mayoría de los buenos músicos deberían transmitir:

Diapasón de La 440 Hz

Primero, el instrumento fue diseñado para ser afinado en sus notas musicales según el tono estándar o patrón, y darán su máximo potencial si se encuentran afinados según dicho tono. Aunque también es cierto que muchos pianos antiguos fueron diseñados para tener un tono patrón de afinación de menor frucuencia, tales como La 435. Pero incluso el La 435 está tan cerca del La 440 que resultaría casi imperceptible al oído común. Los afinadores de pianos, rutinariamente, encuentran el La, en aquellos pianos que han pasado tiempo sin ser afinados, por debajo de su frecuencia normal que es de 440 herzt, y deben utilizar su llave de afinar pianos para corregirlo.

Segundo, se ha aceptado internacionalmente al La 440 como el tono patrón estándar de afinación de todos los intrumentos musicales. De este modo, toda la música que se oye en radio, TV, y grabaciones y videos musicales, al igual que el tono estándar utilizado en los instrumentos electrónicos, están afinados según el La 440. Entonces como dice la famosa frase: si no puedes contra ellos, úneteles.

Tercero, siempre que se esta llevando a cabo cualquier seria instrucción o estudio de piano, el tono estándar o patrón es extremadamente importante para un apropiado entrenamiento auditivo. Eso resulta crucial con los niños, cuyos dones naturales pueden ir más allá de lo que el niño puede interpretar en realidad. De este modo se podrá percibir, en caso de poseerlo, si el niño ha sido consagrado con el don del “tono perfecto” u “oído absoluto“, lo cual no es más que una memoria tonal extraordinaria. Y por otro lado, muchos niños se sienten sumamente confundidos, y se distraen con mayor facilidad cuando un piano se encuentra afinado por debajo del tono estándar. ¡Enfrentémoslo, un piano afinado según un tono que no sea el La 440 simplemente no se encuentra afinado!

Cuarto
, no ocuparse de que la afinación del piano permanezca según el La 440 es riesgoso para su instrumento. Ello podría acabar en serios problemas, especialmente cuando el dueño intenta que el piano vuelva a ser afinado nuevamente en el tono correcto. Estos problemas incluyen: ruptura de cuerdas (aunque sean una o dos, resultan bastante costosas a la hora de reemplazarlas); grietas en la caja armónica, puentes o incluso en el arpa de metal debido a los cambios de tensión de las cuerdas; y el altísimo costo de las múltiples afinaciones frecuentes necesarias para lograr que el piano vuelva a establecer su tono.

Conclusión: Si su piano no está en 440, llame al afinador de pianos para que lo afine y lo ponga en tono.

Consejos para asegurarnos un buen resultado en un exámen de piano

Ya sea si eres un pianista profesional o un amateur, los exámenes pueden ser una tarea agotadora y desalentadora. Cada examen tiene sus desafíos. Sin embargo, prepararse correctamente marcará la diferencia entre la aprobación y la desaprobación de dicho examen.

Tres meses antes del examen

En este momento deberás estar practicando aproximadamente una hora de práctica neta por día, cinco días a la semana. Es imprescindible que, por lo menos, toques todas las notas correctas de la pieza que has elegido, y eso te lo dará la práctica diaria. Es ahora el momento de dejar de tocar simplemente una serie de notas melódicas para convertir la pieza musical en una verdadera obra maestra del piano. Deberás concentrarte en la expresión, los dinámicos y el tiempo. Además es importante que añadas un poco de sentimiento y emoción a tus interpretaciones.

Por otro lado, deberás estudiar incansablemente toda la teoría y las escalas musicales. Con gran frecuencia, durante el período de preparación para los exámenes, las escalas y la teoría son dejadas a un lado y sólo se les da un rápido repaso antes del examen, lo cual es un error terrible. Recuerda que cuanto más estudies ahora, más tiempo retendrás esta información, así tendrás una mejor oportunidad durante el examen para recordar el conocimiento requerido.

Un mes antes del examen

Ahora deberás aumentar tus horas de estudio a dos horas por día, seis días a la semana. Es tiempo de pulir todas las imperfecciones en tus melodías y aprender de oído. Practica cosas como, hacer que el difícil triplete tenga un sonido más fluido y asegúrate de tocar el Fa sostenido con el cuarto dedo en lugar del quinto. Estas pueden ser cuestiones menores, pero te ayudarán enormemente en el examen.

Intenta practicar sin la partitura en frente de ti y evalúa que tan bien lo haces. Durante la prueba si dependes demasiado de la partitura, te puedo asegurar que te cerrarás demasiado y tu música no tendrá demasiado sentimiento. También, asegúrate que el examen se convierta en tu prioridad número uno. No te distraigas con otras cosas. De lo contrario terminarás estresado y muy cansado, y no demostrarás todo tu potencial.

Una semana antes del examen
Ahora es tiempo de practicar, practicar y practicar. Te recomiendo estudiar de dos a tres horas por día. Ya deberías poseer todo el conocimiento requerido para dar el examen. Ahora es simplemente una cuestión de revisarlo. Mientras estés trabajando y estudiando duro, tendrás que permanecer relajado. Ponlo en perspectiva; es sólo un examen. No hay necesidad de preocuparse las 24 horas del día, los 7 días de la semana.

El día antes del examen
Muchas personas durante la noche anterior practican entre 5 y 6 horas, estudiando hasta bien entrada la mañana. Esto es algo poco conveniente. Lo máximo que deberías tocar tus piezas es tres veces. Lo que me gusta hacer a mí es pretender que ya estoy sentado dando el examen. Entonces hago primero mis escalas, y luego las piezas en orden, posteriormente un poco de lectura a primera vista. No intentes hacer ninguna revisión de último minuto. La realidad es que sólo te presionarás innecesariamente. No te distraigas con ninguna otra situación de tu vida cotidiana. Tu examen de piano es mañana—cualquier otra cosa puede esperar otro día más.

Lo más importante, RELÁJATE! Es esencial que tengas una buena noche de sueño, preferiblemente intenta dormir de 8 a 10 horas, para poder enfrentar la tensión.

La mañana del examen

No realices ningún trabajo, ya sea relacionado con el piano o no. Has algo divertido que no requiera ninguna exigencia mental: mira una película, juega a la pelota, haz lo que más te agrade. Intenta tener un desayuno saludable. Sin embargo, si sufres de “mariposas en el estómago”, lo cual a mí también suele pasarme, no intentes comer nada a la fuerza. De caso contrario todo lo que no desee tu estómago lo devolverá, ¡créeme!

Siéntate y relájate. Intenta no pensar en el examen. No pienses ni en la teoría, o escalas, ni en la digitación, no pienses en absolutamente nada de eso. Tampoco evalúes que has estudiado correctamente y que no, todo esto tan sólo te generará agotamiento y aumentará tus tensiones durante el examen.

Treinta minutos antes del examen

En este momento deberías estar en el lugar en donde se tomarán los exámenes. Revisa un poco rápidamente la teoría, y todo lo demás. Ojea tus partituras y visualízate tocando como si leyeras las notas. Toca un poco de “piano al aire”, y practica con un par de preguntas teóricas.

Bajo ninguna circunstancia hables con otra persona acerca del examen. No hagas preguntas teóricas a otros estudiantes, no discutas tus piezas, no hables de exámenes previos o examinadores. Eso no es más que un estorbo innecesario. Respira profundamente, relájate y concéntrate en el examen.

Cinco minutos antes del examen
Cierra los libros por un momento. Respira profundamente unas tres veces y concéntrate. Piensa que esta es como cualquier otra sesión de práctica. Ve a dar el examen con pensamientos positivos. Si te has preparado para el examen como te he indicado, o no, realmente no importa ahora. Todo lo que puedes hacer es concentrarte en el examen que estarás por dar.

La pasión de Glen Gould por su propio piano

Es difícil pensar que un objeto de casi tres metros de longitud, negro, que pesa una tonelada y media pueda ser el centro de atención de un escenario y no ser notado. Todos reconocemos a un gran piano de concierto cuando lo vemos, pero la atención se posa siempre en aquel que está tocando sobre ese magnífico piano.

Aquellos de nosotros sentados en la audiencia, o escuchando un CD, tal vez demos al instrumento por sentado, pero puede hacer o destruir la presentación de un artista. Especialmente en el caso de la leyenda canadiense del piano Glenn Gould, quien falleció en el año 1982. La búsqueda de toda su vida era encontrar y luego obsesivamente mantener con Su piano, todas las cualidades de un apasionado amor.

Glenn Gould

Es una gran semilla para la periodista norteamericana Katie Hafner, quien ha llevado este lado poco conocido de la vida artística de Gould a un libro: “Un romance sobre tres piernas: La búsqueda obsesiva de Glenn Gould del Piano Perfecto” (editorial McClelland & Stewart). Hafner ha transformado toda esta investigación y recolección —tanto sobre Gould como de diversas personas que le conocieron y todos los pianos que pasaron por sus manos—, en una historia, mezclada con anécdotas y mucha perspicacia, sobre un canadiense cuyo nombre es reconocido en todo el mundo.

“Sabemos tanto acerca de Gould, pero tan poco sobre su piano”, dice Hafner dueño actual del gran piano Steinway que el pianista descubrió en las alas del Auditorio Eaton en el año 1960, que se convirtió en su compañero constante de innumerables conciertos y grabaciones. Gould demandaba trasladar el piano con él a las salas de concierto al igual que a los estudios de grabación de Nueva York y Toronto.


Era una relación de ensueño, hasta que los que realizaban las mudanzas accidentalmente estropearon el piano. Ni la fábrica Steinway ni el técnico de piano que trabajaba para Gould, Vern Edquist, pudieron reparar el daño. Edquist, uno de los técnicos de piano más populares de la ciudad antes de su retiro y de esto ya hacía varios años atrás, afinaba para Liberace, Victor Borge y un gran plantel de músicos importantes. Pero ninguno era como Gould en sus demandas. “Él tenía esa cosa de no querer gastar energía extra”, dice Edquist mientras intenta describir la respuesta relampagueante que el pianista buscaba.

¿Cómo componer su primer trabajo para piano?

Componer. Todo pianista ha oído la palabra y sabe que significa, pero tan sólo unos pocos pueden hacerlo bien. Algunos intentan durante toda su vida ser capaces de componer una única pieza musical, y otros parecen ser capaces de arrancar del instrumento bellísimas composiciones en cualquier momento. Y aunque parece ser natural en algunos ¿cómo es que constantemente producen magníficas melodías que pueden transportarnos lejos?

Estos músicos dotados tienen un modo seguro por el cual crean sus composiciones para piano y utilizan este método para cada obra que crean. Ninguno puede decirte la fórmula específica para crear una buena pieza musical dado que hay muchos pasos diferentes y áreas en las que pensar cuando estas dispuesto a componer. Para ayudarte a encontrar tu método aquí te presentamos los principales componentes de una composición junto con una breve descripción de cada uno para mostrarte exactamente qué involucra cada área de la composición.

Tema.
¿De qué se trata tu composición? ¿Qué estás tratando de expresarle al oyente? ¿Una primavera, una tormenta eléctrica, otro país, amor, tristeza? Hay millones de temas diferentes y emociones que la música puede evocar en cualquier oyente, y tú deberías tener una idea general acerca de lo que tratará tu composición. Una vez que hayas resuelto esto descubrirás que el proceso entero resulta mucho más sencillo. Mientras estés creando en otras áreas de tu partitura mantén el tema en tu mente para que no te apartes de él. Escríbelo en una hoja de papel y colócala frente a ti, como si fuera la meta que estás tratando de alcanzar con tu composición. El tema es la vida de tu obra por lo cual deberías mantenerlo siempre cercano a tu corazón, y a tus dedos, mientras trabajas.

Melodía.
Cuando decidiste componer una pieza de música probablemente ya tenías unas pocas notas revoloteando por tu cabeza. Ese sonido es tu melodía y debería ser el punto central de tu composición. Fue probablemente ese sonido que te llevó a definir el tema, o viceversa, y ambos debería estar trabajando siempre codo con codo. Por ejemplo, si tu tema es el amor, entonces una cacofonía de percusión y notas estridentes no son el mejor modo de transmitir ese sentimiento de amor al oyente. Pero maravillosas melodías que derriten el corazón con dulces y cálidos vientos y un suave piano detrás se adecua muchísimo mejor para crear una atmósfera de amor. Una vez que haz alineado tema y melodía el resto de tu composición será mucho más fácil de crear. Utiliza tu base melódica y expándete sobre ella a lo largo de la pieza, permitiéndole crecer y moverse hacia donde quieras que vaya. Tu melodía te guiará en la parte de los estribillos, el cual será el siguiente foco de tu composición.

Estribillo. Es el fragmento musical que será repetido al menos dos veces a lo largo de la obra. Puede ser tan simple como unas pequeñas líneas de música, o tan complejo como una página entera, todo depende de la longitud y del tema de tu composición. El estribillo es esa parte que todo oyente reconocerá la segunda vez que la oiga y sabrá que es justamente el estribillo. Es también el punto en el que se encuentran impecablemente el tema y la melodía y permite al oyente ver la tormenta eléctrica, oír esas aves que cantan en primavera, o visualizar aquellas olas rompiendo en la playa. El estribillo es lo que unirá a tu composición y te dará una base para trabajar con las partes restantes de la pieza musical.

Introducción. Algunos compositores no pueden crear una sola pieza sin su introducción mientras que a otros no les preocupa en absoluto. Esta sección puede ayudarte a introducir al oyente en la obra musical y a establecer la atmósfera global de la pieza. Las tormentas eléctricas comienzan generalmente con una lluvia ligera, por lo que puedes utilizarla como una introducción para establecer la atmósfera y anticipar la tormenta. Pero, también pueden surgir de repente, con un estruendo sorprendente por lo que puedes representar eso en la introducción y posicionar luego al oyente en el ojo mismo de la tormenta. Sea como sea la introducción depende del compositor y debe hacer que el oyente se meta en tu composición.

Puente. El puente es la parte de tu composición que conecta dos secciones musicales que no podrían relacionarse de otra manera. En la mayoría de los trabajos musicales el puente es utilizado como pausa para ayudar al oyente a reflexionar sobre las secciones previas de la melodía. Se lo emplea entre la melodía y el estribillo, y suele estar comprendida por unos breves pentagramas.

Instrumentos. Un buen compositor conoce sus instrumentos, sus registros, sus sonidos y sus tonos. No importa si estás componiendo una pieza sólo para piano o para una orquesta entera, conocer los instrumentos y sus capacidades te ayudarán a crear grandes arreglos musicales o variaciones de la misma obra. Junto con el instrumento viene su intérprete, y deberías considerar también quién interpretará tu composición a medida que la vas creando. Si estás escribiendo para piano, no necesitas considerar cosas como longitud de la inspiración, pero en lugar de ello deberás pensar en las habilidades del intérprete promedio, posición de las notas en las teclas, y su resistencia para interpretar largas y complejas melodías. Conocer los instrumentos y sus intérpretes te ayudará a convertirte en un mejor compositor.

Cambios. Una vez que haz desarrollado una melodía, el tema, y así sucesivamente comenzarás a ubicar estos ítems en tu composición. Pero crear una pieza musical que se basa en patrones que se repiten constantemente se torna un poco aburrido por lo cual necesitarás realizar algunos pequeños cambios. Al hacer esto lograrás que el oyente escuche verdaderamente tu trabajo y se concentre en el. Puedes crear una segunda melodía para complementar a la primera e insertarla en la melodía original sin temor a crear cambios en el sonido general. O también puedes añadir un estribillo completamente diferente o un puente, que te ayude a realizar una transición entre dos estilos distintos dentro de la misma melodía.

Una vez que tienes aseguradas estas secciones básicas de la melodía podrás trabajar en otras tales como tu estilo personal—el cual tomará un papel muy importante en el sonido final de toda la composición, puesto que es completamente diferente de un compositor a otro, y nadie puede decirte como crear tu propio estilo individual. Con tu propio estilo encontrarás el patrón que más prefieras como ser: melodía, estribillo, puente, melodía estribillo, puente, final, o cualquier otro totalmente al azar y diferente. Simplemente sentándote al piano con un grabador, lápiz y papel estarás asumiendo el primer paso en completar una obra maestra para piano de la cual estarás orgulloso el resto de tu vida.

Razones para aprender música de oído

Escuchar música es divertido; tocar música es más divertido aún; pero tocar música de oído es lo más divertido de todo. Si el intérprete está tocando algo que recuerda haber escuchado alguna vez, está tocando de oído. Pero la mayoría de los intérpretes que han aprendido a tocar con el método tradicional de leer notas en una hoja y luego tocan las notas en su instrumento, no han aprendido a confiar en sus oídos para decirles qué viene luego. En lugar de ello, recuerdan las notas por su nombre o por el nombre del acorde, o incluso tienen memoria visual de cómo lucen las notas en el pentagrama, o utilizan algún otro tipo sistema de memoria no musical. Naturalmente, esto voltea la atención del sonido de la melodía hacia el hábito de leer la partitura, y aleja al estudiante de la música en sí misma.

Practicar un instrumento no es siempre divertido. Eso dicen la mayoría de los niños que toman clases y muchos de los adultos que alguna vez han tomado clases pero “no querían practicar”. Pero la práctica es algo totalmente divertido para muchos otros niños. Escuchar música es divertido; y cuando escuchar música es la actividad principal en la práctica, entonces ésta se vuelve divertida. Esto mismo ocurre incluso con mayor certeza en los adultos que en los niños; los niños encuentran placer en el ejercicio físico e intelectual que involucra la práctica. Sin embargo, esto resulta divertido siempre y cuando se practique la música, y no los mecanismos de ejecución de la misma.

Las personas que tocan de oído son consideradas generalmente como poseedoras de un talento especial. Esto es una completa ficción. Ellos no tocan de oído porque son talentosos; en realidad ellos son talentosos porque tocan de oído. Estas personas utilizan sus oídos de modo tal que les dicen qué nota es la correcta y cuál no, y esta actividad constante desarrolla su habilidad para manipular los sonidos musicales.

Marc yu, nuevo prodigio de 9 años

Marc Yu, de 9 años, se sentó en su pequeño piano de cola y tocó para 100 jóvenes, padres y profesores de piano de Mobile-Baldwin. Estaba vestido de jeans, zapatillas y una campera sobre una camisa amarilla. Si hubiese estado nervioso, lo ocultó muy bien. En el siguiente video se lo ve tocando con Lang Lang.


Nos sentamos en la sala de ensayos del segundo piso en el Centro de Música Larkins en una calurosa mañana del sábado. Marc y su madre, Chloe, están en Mobile para un programa presentado por la Orquesta Sinfónica Mobile. El evento fue financiado en parte por una subvención de la Federación “Southern” en colaboración con la “National Endowment for the Arts” y el “Alabama State Council on the Arts”. En el siguiente video, un fragmento del concierto para piano número 1 de Beethoven.

También asistieron Scott Speck, director musical de los MSO, y Sarah Wright, directora de educación. Luego de unos minutos con Wright, Marc tomó su asiento y comenzó a tocar un Nocturno de Chopin controlado por la pasión de un viejo maestro. Sus manos se movieron con habilidad a lo largo del teclado, siendo cada movimiento observado por la admiración del público.

Datos para recordar cuando quieras tocar el piano

Tal vez el piano sea el instrumento musical más caro de todos. Sólo quienes realmente aman tocarlo y son capaces de pagarlo pueden tener uno en sus casas. Sin embargo, es también el instrumento musical más placentero que genera un sonido suave y delicioso; si bien es caro sigue siendo uno de los instrumentos que las personas más desean tocar. Sin embargo, el piano es diferente a otros instrumentos debido a su costo y a su sensible mecanismo sonoro razón por la cual necesita un gran mantenimiento y cuidado extra.

Si tu piano es nuevo durante los primeros tres años no deberás preocuparte puesto que la mayoría de las fábricas tienen garantía por cada piano que venden. Pero luego del período de garantía es tu trabajo asegurarte de que el piano brinde su máximo potencial y que sea valuable en el mercado. El mantenimiento incluye el ambiente en el cual se encuentra—el cual tiene que ser seguro y limpio—y la afinación, que es un factor muy importante para el cuidado del instrumento.

La razón más importante por la cual un piano debe ser afinado constantemente es debido al mecanismo dentro del mismo. Hay muchas partes pequeñas y cuerdas en un piano; estas últimas se encuentran sujetas a una tensión importante a lo largo del armazón del piano. El principio de afinar estas cuerdas, por lo tanto, es ajustar el grado de tensión de las mismas, teniendo en cuenta que dicho nivel no debe ser excesivo ni tampoco demasiado bajo.

Sin embargo, también es importante la frecuencia con la que afinas tu piano. Por lo general cualquier piano debe ser afinado dos veces al año. Aunque este número también depende de cuanto ha sido utilizado el instrumento durante ese periodo de tiempo.

Lang Lang en las olimpiadas

Los críticos lo adoran, y su corte de pelo junto con su encanto hacen que las chicas se vuelvan locas. El tiene hasta sus propios zapatos Adidas. No, él no es un chico de una banda de rock, ni tampoco es famoso por jugar con una pelota. Lang Lang es un pianista clásico de 26 años que toca las teclas con una habilidad formidable.

El pianista Lang Lang

El público de todo el mundo va a poder echarle un vistazo a su talento en las olimpiadas del verano del 2008, en donde se espera que toque en el escenario de la ceremonia de inauguración. La actuación va a tener una serie de conciertos que incluyen presentaciones en Hamburgo con la Orquesta Sinfónica “Swedish Radio” y en Central Park con la Philharmonic de Nueva York. “A veces tienes que tocar por las reglas, por la tradición”, dijo Lang, quien creció en Shenyang, China, e, inspirado por un dibujito de Tom y Jerry, comenzó a tocar el piano a los 3 años. “Pero, la cosa más importante es extender lo que está en tu mente y corazón. Todos los colores, personajes, experiencias de vida y sueños necesitan salir afuera. En la vida, es la misma cosa”.

Lang Lang revela las dificultades de llegar a la fama en su autobiografía reciente “Viaje de mil millas” (Spiegel & Grau, u$u24.95). Entre todos los temas que explora, destaca su relación turbulenta con su padre, un músico cuyos sueños se vieron destruidos bajo el régimen comunista. “Me emociono muy fácilmente”, admitió Lang, señalando que él solía “bombardear el piano con melodías disgustantes” cuando estaba triste. “En mi libro, expresé varias cosas, como por ejemplo, que no estaba feliz con mis padres, particularmente con mi papá. Sus padres se vieron devastados [luego de la revolución cultural] porque nunca cumplieron sus sueños. Ellos pusieron todas estas presiones sobre sus hijos. Yo no los culpo, pero muchas cosas fueron bastante feas”.

A pesar de que pagó sus cuotas del Conservatorio Central de Música de Beijing y del Instituto de Música Curtis de Filadelfia, Lang no terminó de aprender. Raramente se toma más de unos días libres a la vez (incluso luego, estudia). Tiene casas en Beijing y en Nueva York, y de vez en cuando visita a Kanye West y a Britney Spears. El tenis de mesa también lo entusiasma como las largas caminatas en el parque.

Leonard Pennario fue el pianista americano con más grabaciones vendidas

El pianista Leonard Pennario, uno de los artistas con más discos vendidos, que hizo su concierto debut con la Orquesta sinfónica de Dallas cuando tenía 12 años antes de aprender las notas musicales del Concierto para Piano de Grieg en una semana para poder tocarlo de memoria, ha muerto. Tenía 83 años. Pennario murió el miércoles pasadp en su casa de La Jolla luego de una larga enfermedad. El había estado luchando contra el mal de Parkinson.

“Tocar y compartir con este músico ha sido una de las alegrías de mi vida,” dijo una vez el director griego Dimitri Mitropoulos sobre Pennario. “Él tenía técnica una gran técnica para tocar acordes, pero tenía algo más importante, un alma.” Escribiendo para un diario de Londres en 1952, el crítico Andrew Porter dijo, “El toque de Pennario no conoce ningún límite. La técnica es magnífica e inquebrantable.”

Leonard Pennario

Pennario era uno de solo dos pianistas nombrados permanentemente miembros del jurado de la Competencia Internacional de Piano Van Cliburn. (El otro era el pianista Húngaro Lili Krauss, quien murió en 1986.) Nació en Buffalo el 9 de Julio de 1924, y cuando tenía 10 años se trasladó a Los Angeles con su familia, en donde vivió hasta que se retiró en 2005 y se trasladó a La Jolla.

Estudió piano en USC con Guy Maier y Isabelle Vengerova y composición con Ernst Toch. En 1939, cuando tenía 14 años, hizo su debut en la Filarmónica de Los Angeles tocando el Concierto de Grieg bajo la batuta de Otto Klemperer. Luego, el continuaría tocando con la orquesta más de 70 veces. Dominaba las partituras de música de los más distintos autores.

Hizo su debut con la Filarmónica de New York en 1943, tocando el Primer Concierto para Piano de Liszt mientras todavía estaba uniformado como un miembro del ejército privado. Luego, tocó con las otras “Cinco Grandes” orquestas, La Sinfónica de Chicago, la orquesta de Philadelphia, la Sinfónica de Boston y la Orquesta de Cleveland, así como también muchas otras alrededor del país y en Europa (con la sinfónica de Berlin y la de Londres) y Asia. Seguidamente podemos escuchar el audio de un concierto de Liszt tocado por Pennario.


La lista de directores de orquesta famosos en todo el mundo con la que tocó incluye a Eugene Ormandy, Sir Georg Solti, Zubin Mehta, Fritz Reiner, Leopold Stokowski y a Sir John Barbirolli, entre muchos otros.

Pennario también era famoso por sus actuaciones de música de cámara, como reemplazo de Arthur Rubinstein, en un trió con el violinista Jascha Heifetz y el chelista Gregor Piatigorsky. “Grabar con ellos y prepararse con ellos fue la mejor sensación de mi vida”, le dijo a Goldman en una entrevista de Buffalo News el año pasado.

En 1959, el New York Times y la revista Musical América nombraron a Pennario el pianista clásico Americano con más ventas. Entre 1950 y 1960, él era el único pianista clásico para la marca Capitol e hizo más de 40 grabaciones. Continuó para hacer más de 20 otras para los sellos Angel, Seraphim, RCA, Columbia, Vox y Pantheon.

A pesar de eso, algunos fans estaban descontentos cuando pareció estar demasiado involucrado con Hollywood, grabando algunos discos como el “Concerto bajo las estrellas” y componiendo “Midnight on the Cliffs” para la película “Julie” de 1956.

Lang Lang haciendo locuras

El genial pianista Lang Lang grabó una breve toma en su casa donde toca el piano con una naranja en la mano.

Un gastroenterólogo gana el primer concurso de piano Van Cliburn de YouTube

El Dr. Christopher Shih, un gastroenterólogo, quien también encontró su camino alrededor de las obras de Chopin y Bach, ganó el primer concurso de Youtube de la Fundación Van Cliburn para amateurs de 35 años en adelante, según dijo la organización ayer.

El video ganador de Shih, posteado en el sitio Youtube, era un video de su actuación solista en el piano interpretando “Los Requiebros” del compositor español Enrique Granados. Shih recibió 701 votos de un total de 2.389, según dijo la fundación Fort Worth. Hubo 41 participantes en el concurso.


El video fue grabado el año pasado en el concurso Internacional de Boston para Amateurs Excepcionales, en donde Shih ganó el primer premio. “Me sentí muy complacido al escuchar que gané”, dijo Shih, de 35 años, especialista en el Maryland Digestive Disease Center, en una entrevista telefónica. “Trato de tocar en el nivel más alto posible porque esta música es maravillosa, es literatura compleja compuesta por genios”.

La Fundación Van Cliburn es conocida por sus competencias para pianistas profesionales que comenzaron a realizarse en 1962 para encontrar y crear a músicos clásicos jóvenes. La Competencia Internacional de Piano de la fundación para Amateurs comenzó en 1999 y se lleva a cabo cada cuatro años. La victoria de Shih asegura su entrada automática para la próxima competencia en el 2011.

Dr. Christopher Shih

El concurso de YouTube se lanzó en Febrero para permitirle a los pianistas no profesionales competir más regularmente, dijo Sevan Melikyan, un portavoz de la fundación, en una entrevista telefónica. Shih, nativo de Chicago y quien ahora vive en Ellicott City, Maryland, a tan solo 20 minutos de Baltimore, comenzó a tocar el piano cuando tenía 5 años. Se graduó en el Colegio de Harvard en 1993, asistió a una escuela de medicina en la Universidad Johns Hopkins y fue a la Universidad de Pennsylvania para una residencia en medicina interna. Luego de sus estudios de medicina, se apartó del piano por una década debido a su riguroso calendario de entrenamiento.

Shih, padre de dos hijas, dijo que no tiene tiempo para practicar varias horas al día, pero que cuando se acerca una competencia o actuación, aumenta su entrenamiento. Actualmente, planea tocar de 2 a 3 veces al año y podría llegar a tocar en La Sorbonne, Paris en Octubre. Por ahora, Shih no está listo para dejar de lado sus instrumentos médicos para convertirse en un músico de tiempo completo.

“Siempre voy a ser un doctor”, dijo Shih. “Los pianistas tienen un tiempo difícil para encontrar trabajos profesionales, y yo estoy limitado a lo que puedo aceptar”.

Creando interés en el pianista principiante

Un joven alumno pianista principiante es, en gran medida, un objeto de estudio, al igual que un niño pequeño que debe ser educado. Para un maestro concienzudo, un alumno que recién se inicia en el piano es realmente un problema. Con el fin de desarrollar la habilidad del joven, el maestro debe primero estudiar qué método adoptará para llevar a cabo este desarrollo de la manera más adecuada.

Lo primero que intentará hacer es ganar el interés de su alumno. Al hacerlo, el maestro ha generado una “chispa” que será avivada en una pequeña llama de entusiasmo; y esto sucesivamente será el “poder” que anime el esfuerzo del alumno. Y será este esfuerzo del joven mediante el cual se conseguirán los tan deseados resultados del desarrollo.

Para generar interés en un principiante, el profesor se servirá de muchos ingeniosos métodos. Pero el más confiable y sobre el cual se fundan todos los demás métodos es: el darle al estudiante aquel material que sea capaz de interpretar. Cuando él descubre que sus dedos pueden hacer esto fácilmente, entonces se sentirá con la suficiente confianza y se dará cuanta que puede tocar. Naturalmente, esta rápida realización crea interés en cualquier joven; y luego de haberlo hecho tan bien con su primer y pequeña pieza se sentirá ansioso y deseará tocar más. Pero, es justo en este momento durante el cual el maestro debe ser cuidadoso. Es importante que tenga en cuenta que ese momento tan sólo está presente la “chispa” y, por lo tanto, deberá avanzar con cautela y sencillez si no desea apagarla. Revisar siempre el nivel de dificultad de los acordes de piano que el alumno toca y enseñarle a oir su propia música, es esencial en esta etapa.

En su segundo movimiento el maestro debería estudiar el carácter del material aprendido recientemente por el alumno, y posteriormente seleccionar más piezas similares a la primera. Incluso si es casi igual a la pieza inicial, al alumno no le importará, pues tan sólo le interesa el haber recibido una pieza nueva. Incorporar paulatinamente nuevos temas de teoria musical, incluyendo el estudio de las claves, los silencios, la duración de las notas, las ligaduras y los compaces es de suma importancia.

Una vez que el alumno ya se haya familiarizado con el primer tipo de material, el profesor comenzará a discontinuarlo y, en su lugar, introducirá nuevas piezas que requerirán mayor esfuerzo por parte del joven. Es importante aclarar que este cambio debe hacerse con suma discreción. Se pueden incluir piezas, no ya clásicas, sino de música pop o rock que agraden al alumno.

Luego de un corto periodo, el maestro verá que el alumno progresa hacia piezas de mayor complejidad con una rapidez sorprendente y esto le dará la satisfacción de saber que es el resultado de sus propias y correctas instrucciones. En consecuencia el profesor se encontrará frente a un alumno interesado y muy entusiasta.

Alicia Keys: un estilo propio con piano

Alicia Keys no es solo una gran cantante sino que simplemente se puede decir que de sus dedos brota verdadera música. Actualmente, es una gran pianista y no va a permitir que nos olvidemos de esto ni por un simple segundo durante cualquiera de sus shows que coquetean con el rock y con el pop.

“Desde el principio, siempre hubo alguien tratando de decirme que fuera por más”, dijo Keys a la gente, el viernes pasado durante una gira llamada “Como soy”, en el Verizon Center de USA. “Pero yo quería hacer algo significativo, diferente, especial. Yo quería simplemente tocar mi piano”.

La bella Alicia Keys

Con el piano sobre su propio escenario, todo fluyó con suavidad. Durante la noche, otros pianos y teclados aparecieron inesperadamente desde abajo del escenario, un recordatorio constante de que Keys está en una liga diferente a la de Beyoncé, Britney Spears o Mariah Carey, y que puede hacer más que cantar o verse bien.

Keys (quien apareció con el ganador Jordin Sparks de la 6ta temporada de “American Idol” y con el cantautor escritor de canciones Ne-Yo), diseñó la gira como una exploración retrospectiva de su carrera y de sus cuatro discos. Como es de esperar, los puntos más altos de la vida y la carrera de ella fueron de alguna manera un poco duros. Por lo que, luego de una introducción que incluyó “Ghetto Story”, un dúo con la estrella de reggae Cham, y la chica inspirada en grupos de los 60s “Teenage Love Affair” y “You Don’t Know My Name,” Keys se sentó sobre el taburete de su piano y comenzó su negocio.

Tocó su renombrada versión de “¿Por qué no me llamas mas?” de Prince, así como también “No me verás de nuevo”, el cual fue su intento más decente de copiar a la leyenda del rock. “Superwoman”, un refuerzo de autoestima “Como soy yo”, seguida de la canción “Butterflyz” (de “Canciones en La menor”), mostrando el crecimiento de la cantante entre los discos primero y cuarto. Y solo de yapa, Alicia tocó las primeras notas de “Diario” al revés.

Si tocar el piano al derecho puede ser complejo

Hay algunos niños que tienen habilidades fuera de lo comun. El niños del video puede tocar el piano tanto al derecho como al revés. Tocar el piano de esta manera es un verdadero desafío.

Grabaciones recomendadas de Brendel

Hemos preparado una selección de las grabaciones recomendadas del pianista Alfred Brendel, todas bajo el sello de Philips excepto donde esté indicado:

Beethoven: Sonatas para Piano (completas), 10 CDs. Lo mejor de sus tres grabaciones integrales; lecturas perceptivas e intensas que reflejan la dedicación y devoción del pianista.


Beethoven: Los cinco Conciertos para Piano, 3 CDs. Brendel hizo cuatro grabaciones de los conciertos de Beethoven, todos marcados por un rigor intelectual basado en la teoría. Pero el mas espontáneo es el concierto grabado en 1983, con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de James Levine.

Haydn: 11 sonatas de piano, 4 CDs. El cuidadoso estudio que Brendel aplicó a estas maravillosas piezas lo liberó a explorar sus caprichos, sus delicadezas y su riqueza y variedad artística.


Schubert: Sonatas para Piano, d. 784, 840, 894, 959, 960; 2 CDs. La mirada en constante renovación que siempre ha mantenido joven la forma de tocar de Brendel apunta a estas irresistibles interpretaciones.

Mozart: Conciertos para Piano (completos), 12 CDs. Mozart: Sonatas para Piano. El Mozart de Brendel alardea una claridad cristalina y un agudo final pianístico que confecciona a medida un fastidioso estilo de su elemento.

Schubert: “Winterreise” (Decca). Es uno de las pocas grabaciones de Brendel como líder acompañante, junto al esplendido barítono alemán Matthias Goerne, un colega de buena mente, espíritu y talento musical.

Schoenberg: Concierto para Piano (con los conciertos de violín de Schoenberg y Berg) (DG). Brendel introduce la enredada obra maestra del siglo XX en tres continentes, y la expone aquí con tremenda autoridad, elegantemente acompañada por Rafael Kubelik y la Sinfonia Bávara.