Pianored música y pianos

Hemos preparado una selección de las grabaciones recomendadas del pianista Alfred Brendel, todas bajo el sello de Philips excepto donde esté indicado:

Beethoven: Sonatas para Piano (completas), 10 CDs. Lo mejor de sus tres grabaciones integrales; lecturas perceptivas e intensas que reflejan la dedicación y devoción del pianista.

Beethoven: Los cinco Conciertos para Piano, 3 CDs. Brendel hizo cuatro grabaciones de los conciertos de Beethoven, todos marcados por un rigor intelectual basado en la teoría. Pero el mas espontáneo es el concierto grabado en 1983, con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de James Levine.

Haydn: 11 sonatas de piano, 4 CDs. El cuidadoso estudio que Brendel aplicó a estas maravillosas piezas lo liberó a explorar sus caprichos, sus delicadezas y su riqueza y variedad artística.

Schubert: Sonatas para Piano, d. 784, 840, 894, 959, 960; 2 CDs. La mirada en constante renovación que siempre ha mantenido joven la forma de tocar de Brendel apunta a estas irresistibles interpretaciones.

Mozart: Conciertos para Piano (completos), 12 CDs. Mozart: Sonatas para Piano. El Mozart de Brendel alardea una claridad cristalina y un agudo final pianístico que confecciona a medida un fastidioso estilo de su elemento.

Schubert: “Winterreise” (Decca). Es uno de las pocas grabaciones de Brendel como líder acompañante, junto al esplendido barítono alemán Matthias Goerne, un colega de buena mente, espíritu y talento musical.

Schoenberg: Concierto para Piano (con los conciertos de violín de Schoenberg y Berg) (DG). Brendel introduce la enredada obra maestra del siglo XX en tres continentes, y la expone aquí con tremenda autoridad, elegantemente acompañada por Rafael Kubelik y la Sinfonia Bávara.

El músico de 41 años ha escrito y lanzado una venta internacional de su álbum y ha sido nombrado uno de los mejores artistas independientes del país. Pero todo esto comenzó menos de dos años atrás con un serio golpe en la cabeza. “Aún estoy fascinado con el proceso entero”, explicó Amato. “Aún no logro entenderlo del todo”. Antes del accidente, Amato estaba trabajando en “America corporativa”, y era dueño de unos pequeños negocios. Pero un viaje a su ciudad natal en Dakota del sur cambió su vida permanentemente.

Amato estaba nadando con unos pocos amigos y en cierto momento realizó un salto de cabeza. No recuerda mucho de lo que ocurrió después, excepto que golpeó su cabeza con el fondo de la pileta- muy fuerte. “Yo sabía que me había golpeado lo suficientemente fuerte como para que fuera considerado como golpe serio”, dijo. Durante las próximas dos semanas, Amato yació inconscientemente en una habitación de hospital con una tumefacción cerebral. Cuando despertó, se dio cuenta que había perdido parte de su memoria y un poco de audición. Pero se recuperó prontamente y a los pocos días salió del hospital. Aproximadamente unas dos semanas después, Amato fue de visita a la casa de un amigo. Allí, se sentó al piano de su amigo simplemente por el hecho de hacer algo. En ese momento, Amato comenzó a tocar una canción que estaba componiendo mientras tocaba. “Realmente no había evolución alguna en cuanto al modo de interpretación, este fue bastante fluido desde la primer nota en adelante”. Pero, lo increíble de esta anécdota es que Amato confesó nunca haber tocado un piano antes en su vida. “Realmente no sabíamos qué pensar de la situación,” dijo Amato, quien continuó tocando aquel día durante unas siete horas sin parar.

Posteriormente, cuando cogió una guitarra, se dio cuenta de que sus habilidades con otros instrumentos se habían incrementado también. Si bien el había estudiado guitarra en el pasado como pasatiempo, Amato dijo que sus nuevas habilidades le ayudaron “simplemente a tocar muy bien”. Sin otra explicación, Amato adjudicó sus nuevos talentos al golpe ocasionado en la pileta tan sólo unas semanas antes.

“Yo se que se ha aflojado un buen tornillo en mi cabeza—tal vez el tornillo correcto” dijo. “Y que ha desencadenado algo”. Incluso su novia, Jennifer Dyke, necesitó verlo para creerlo, según nos dijo. “Creí que era una broma. No le creí realmente”, dijo Dyke, quien ha tocado el piano desde los 4 años. “Y luego lo vi tocar, y toca mejor que lo hago yo luego de toda una vida de estudio”.

Sin ningún tipo de entrenamiento formal, Amato no lee o escribe música. En lugar de ello, dice que siente los tonos de la música para escribir y puede, generalmente, memorizar el tono de la nota para la próxima vez que toque. “Yo lo he visto tocar, y realmente, tiene todo memorizado”, nos contaba Dyke. “El puede tocar algo y luego recordarlo y tocarlo nuevamente.” En compañía de dicho talento, Amato decidió tomarse un descanso de la vida corporativa que llevaba para ver hacia dónde podía llevarlo el ámbito musical.

“Yo quería tocar música para ganarme la vida”, dijo. Inmediatamente, Amato comenzó a trabajar en su primer álbum instrumental llamado “Full Circle” (Círculo completo). Hacia comienzos del 2007, aproximadamente seis meses después de su lesión, Amato fue nombrado el “Artista independiente del Año” por la Asociación de Artistas Independientes de Los Ángeles. Ahora Amato tiene su propio manager personal y se encuentra finalizando su segundo álbum, que el describe como pop-rock cristiano, al igual que un tour a lo largo de la nación.

“Mi meta es tocar a tantas personas como pueda mientras dure”, dijo nuestro músico, quien espera iniciar actos nacionales. “Puesto que tal vez me levante mañana y ya no posea este don”. Los doctores no han podido explicar exactamente lo que ocurrió en el accidente que desencadenó en este milagro musical, dijo Amato. Pero mirando hacia atrás, él no lamenta su dolorosa caída. “Dios decidió darme un don a los 40 años”, dijo posteriormente, y añadió: “Simplemente no quiero volverme a golpear la cabeza nuevamente para comprobar si perderé o no mi don.”

Ningún nuevo talento podría estar jamás a la altura ni ser comparado con Mozart. Pero Miroslav Kultyshev, un ruso de 22 años, ha dado brillantes conciertos sobre el escenario, que merecerían ser comparados. El 14 de Marzo pasadp, la Filarmónica Nacional de Lituania presentará a este pianista ruso, quien interpretará los complicados “Doce Estudios Trascendentales” de Franz Liszt, los cuales forman parte de las piezas más difíciles conocidas para piano. Seguidamente lo vemos interpretando el Allegro Opus 9 de Schumman.

Varios años después de escritos y publicados alrededor del año 1850, Robert Schumann, pianista contemporáneo a Liszt, declaró que “como mucho, diez o doce pianistas en todo el mundo” podrían interpretar los estudios.

El año pasado, Kultyshev ganó la treceava Competencia Internacional de Tchaikovsky, un evento prestigioso realizado en Moscú cada cuatro años. Recibió extáticas felicitaciones e instantáneas invitaciones para tocar en distintos teatros prestigiosos de concierto alrededor del mundo. Ahora, el joven pianista es una sensación en la música clásica. Sus interpretaciones atraparon los oídos más inquietos y recibieron las mejores críticas musicales.

Es por esto que podríamos considerar las comparaciones con Mozart. Kultyshev comenzó con el piano muy temprano, desde los seis años, y realizó su debut como solista a los diez años junto con la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo. La excepcional musicalidad del chico provocó que sea posible compararlo con el genio austríaco del siglo XVIII.

Kultyshev tiene una forma distintiva de tocar, utilizando una energía y sensibilidad muy particular. Los críticos notan su amplio bagaje musical y la atención del público al escucharlo. “Puede hacer que su corazón se acelere y decaiga”; es un comentario frecuente luego de un concierto de Kultyshev.

Su éxito en la competencia de Tchaikovsky del 2007 fue un importante hito en la carrera del pianista. Nikolai Petrov, quien empezó piano a los tres años de edad, afirmo que “Kultyshev tiene un talento magistral”. El periódico Wiener Zeitung, de Viena, fundado en 1703 y reconocido mundialmente por sus criticas musicales, escribió una vez que “al escuchar los Estudios Trascendentales de Liszt, se llega a la cima del virtuosismo”.

Los lituanos amantes de la música clásica disfrutaran la experiencia. Dichos estudios requieren el nivel más alto de maestría artística. Los oyentes de espe pianista tendrán una excelente oportunidad para escuchar como estos estudios son interpretados por un pianista sensacional.

Kultyshev se ha convertido en el pianista mas codiciado de los salones de concierto del mundo. Solamente en el 2007, tuvo la oportunidad de tocar en diferentes salones de Viena, Suiza, Moscú, San Petersburgo, entre otros. Luego de tocar en Lituania, el inalcanzable pianista llevará a cabo una extensa gira por Corea del Sur y Japón, entre otros países.

Cuando mi tía me ofreció su piano Baldwin vertical recientemente, no lo acepté inmediatamente. Tal vez debería haberlo hecho ya que no tengo un piano acústico desde la escuela secundaria, y quería uno. En la universidad, tocaba los pianos en habitaciones de práctica, completamente insonorizadas. Desde entonces, usé un piano Kurzweil electrónico; un impresionante teclado que parece y se siente parte del estudio del pianista. A pesar de que normalmente lo uso con el altavoz, a veces le conecto los auriculares.

En un departamento pequeño, cada sesión de práctica es algo como un recital, y no siempre quiero que los chicos de arriba y de abajo (y también a mi derecha e izquierda) escuchen. También me preocupa molestar a los vecinos. Me gusta tocar tarde, y no quiero mantener a nadie despierto.
El Baldwin vertical que mi tía me estaba ofreciendo no tiene ficha de micrófono. Pero lo tomé, calculando que iba a luchar por tocar alto. Dos semanas después de que me entregaran el piano nuevo (el tiempo suficiente para que se adapte a su entorno, me dijeron) ya lo tenía afinado. El afinador me contó un truco que dijo que sus últimos clientes, músicos de jazz ellos, estaban insertando un trozo de tela entre los martillos y las cuerdas. La tela reduce el sonido, lo que significa que puedes tocar y no generar sonidos como si estuvieses tocando en un concierto.

Tenía un par de cortinas de mi último departamento que estaba tratando de encontrar para utulizarlas. El afinador tomó una de estas, la dobló en dos, luego cortó la tela un par de veces para ayudar a que encaje mejor. La aseguramos con un poco de cinta adhesiva, y voilá: no importa cuan duro toque, tengo un sonido amortiguado. Al final, decidí que era demasiado amortiguado, e hice uno nuevo. Ahora el sonido está justo en un tono de volumen medio. Casi tan bueno como estar tocando con auriculares.

La Fundación Dranoff International Two Piano anunció hoy en público a los pianistas para las semifinales de diez países que compiten por más de 55,000 dólares en premios en efectivo y con oportunidades de tocar en la 11º Dranoff International Two Piano Competition, del 10 al 16 de marzo del 2008 en Miami.

Se seleccionaron diez equipos semifinalistas para la competencia del 2008 de un impresionante campo de candidatos que representan a más de 18 países. Abierto a pianistas de entre los 21 y 33 años, la Dranoff International Two Piano Competition es el único concurso internacional dedicado exclusivamente al dúo de piano. El evento bienal cuenta con un prestigioso panel de jueces, incluyendo a pianistas renombrados a nivel mundial, profesores y críticos, para las rondas de la semifinal y la final en Miami, que están abiertas al público.

Los semifinalistas para la competencia del 2008 son:
Cara Hesse y Laura Pauna (Sudáfrica) : Cara Hesse y Laura Pauna es el primer equipo de dúo de piano de Sudáfrica en obtener una Licenciatura de Música y una licenciatura de Performance de la Universidad de Cape Town y de la Universidad de Sudáfrica, respectivamente. Sus premios recientes de competencia incluyen al “IBLA Grand Prize” en el 2006 y el tercer premio en el “Valentino Bucchi” competencia de dúo de piano en Roma en el 2007.

Susan y Sarah Wang (Estados Unidos): Las gemelas Susan y Sarah Wang mantienen licenciaturas en piano de la Universidad de Michigan y maestrías de la Escuela de Música de Manhattan, y actualmente son estudiantes de Hans-Peter y de Volker Stentzl en la Hochschule fur Musik und Theater Rostock. El dúo ganó el segundo lugar en la “2003 Ellis National Duo Competition” y el primer lugar en la “Concerto Competition in 2004” de la Universidad de Michigan.

Dúo de piano Longford-Brown (Reino Unido): James Longford y Lindy Tennent-Brown tocan juntos desde el 2002, cuando se encontraron como “Legal & General Junior Fellows” en el Colegio Real de Música en Londres. El dúo ganó el tercer lugar en la 14º “International Schubert Competition for Piano Duos in 2005” y recibió el segundo premio como también el Premio Rachmaninoff en la “IBLA Grand Prize Competition in 2007”.

Dúo de Piano LP (Serbia): Sonja Loncar y Pavlovic Andrija actualmente están cursando estudios de posgrado en la “Hochschule fur Musik und Theater Rostock”, así como también estudian música contemporánea de dos pianos en la “Universidad de la música” en Belgrado. En el 2006, el dúo obtuvo el segundo premio en la categoría de dos pianos y el tercer premio en la categoría de dúo de piano en el “Concurso internacional de música” en Roma.

Duo Stephanie Ho y Saar Ahuvia (China/Israel): Stephanie Ho y Saar Ahuvia recibieron “Graduate Performance Diplomas” en el “Peabody Institute” de la Universidad John Hopkins, en donde estudiaron bajo León Fleisher, y también completaron una “Performing Artist Residency” en el “Banff Centre” en Canadá. Además de sus carreras de pianistas, ambas artistas actualmente atienden en el Conservatorio de Música de la Facultad de Concordia en Nueva York.

Dúo de Piano Vis-a-vis (Rusia): Polina Grigoryeva y Yulia Yurchenko están actualmente cursando estudios de postgrado en la “Hochschule fur Musik und Theater Rostock”. El dúo tocó como parte del Festival Internacional de Dúos “Baltic Piano Duo” en el 2006 y 2007 y en el Festival Internacional de Música Moderna “Primavera musical” y “Noches de espera” en el 2005 y 2006.

Dúo de Piano Duo Yoshie y Takashi (Japón): Yoshie Shiramizu-Fujii y Takashi Fujii estudiaron con el Profesor Paul Dan y con el Profesor Robert Benz en el “Staatliche Hochschule fur Musik und Darstellende Kunst Mannheim” en Alemania, donde eran escolares del Servicio Alemán de Intercambio Académico de 2005 a 2006. En 2005. El dúo ganó el primer premio en la Competencia Internacional de Música de Londres y el “Best Performance of a Commissioned Work” en la 10ª “Dranoff International Two Piano Competition”.

Irina Silivanova y Maxim Puryzhinskiy (Rusia): Irina Silivanova y Maxim Puryzhinskiy han estado tocando como un dúo de piano desde el año 1998 y estudiaron con Elena Richter y el Profesor Alexander Bonduriansky. En el 2005, el dúo recibió el tercer premio en la 54ª Competición Internacional ARD en Munich y el primer premio, así como también el premio especial del jurado por el mejor toque de una obra de Schubert en la 14ª Competencia Internacional de Schubert en la República Checa.

Dúo de Piano Humburger (Alemania): Los gemelos Richard y Valentin Humburger están estudiando actualmente bajo Yaara Tal y Andreas Groethuysen en la University of Music and Performing Arts en Munich. Sus premios de Competencia incluyen el primer premio en la Competencia Internacional de Schubert en la República Checa y en el “Torneo International Music Competition” en Italia.

Víctor y Luis del Valle (España): Los hermanos Víctor y Luis del Valle actualmente están estudiando en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, y anteriormente estudiaron con en el profesor Dmitri Bashkirov en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. El dúo obtuvo el segundo lugar, así como el Premio Especial del Público en la 54 Concurso Internacional de Música del ARD de Munich, y ganaron la Medalla de Plata en el “Primer Palau Programme” en Barcelona.

Entre ayudar a sus dos hijos con la tarea, y llevarlos a la escuela, los deportes, las clases de música y las actividades de la iglesia, no siempre es fácil para Marlo Verette encontrar tiempo para sí misma. Por lo tanto, cuando el residente de Stillwater decidió volver a aprender piano, ella no sabía qué hacer. Finalmente dio con Mark Miller, un instructor de piano de Illinois que les enseña a los estudiantes a través del teléfono.

“Creo que la gente espera a un profesor que este ahí”, dijo Verette. “Para mí es realmente por el tiempo, tanto como con los hijos en la escuela y un sinnúmero de cosas para hacer en la casa. No tengo que subir a mi auto y perder tiempo en la carretera. Acabo de tener mi auricular disponible”.

Miller llama a Verette cada semana mientras que usa un auricular en el teléfono y por una hora le enseña piano de jazz basado en partituras enviadas a través del e-mail. Aunque Miller no está físicamente en la misma sala, está en condiciones de detectar errores, dice Verette.

Dice Miller: “Mis oidos son mis ojos ya que puedo escuchar lo que están tocando. Tengo que utilizar una concentración mucho mayor por teléfono”. Miller comenzó a instruir piano hace 25 años, pero comenzó a enseñar por teléfono en el año 2000, durante un intervalo en la hora de la comida en Chicago. Todavía les enseña a los estudiantes en persona y toca regularmente en el área de Chicago. “Durante el horario del almuerzo de cada día pensaba: ¿Me pregunto si puedo utilizar el tiempo para enseñarle a alguien?” Dijo Miller.

Comenzó a instruirle a su sobrino en Las Vegas por teléfono, y después de trabajar en sus errores, comenzó a ofrecer su experiencia en el piano a través de Internet. Él paga la llamada a larga distancia. Miller encontró una empresa que cobra solamente $ 1,09 por hora para las llamadas de larga distancia. En la actualidad les enseña a 35 estudiantes de todo el mundo, incluyendo a estudiantes en California, Inglaterra, Hong Kong, Australia, Suiza, Irlanda y Portugal.

“Mucha gente no tiene tiempo para llegar en el coche”, dijo Miller.

Además, algunos de sus alumnos no son capaces de conducir o de viajar hasta la casa del profesor. Miller también le enseña a estudiantes con deficiencias visuales. Un estudiante perdió el uso de su mano izquierda a través de un derrame cerebral y Miller escribió partituras para el estudiante que solo se tocan con la mano derecha. Comparó el proceso telefónico con muchos colegios y universidades que ofrecen cursos en línea.

“Estamos llegando al punto en donde un educador puede salir y llegar a las masas, y cada ves importara menos en donde vivas”, dice Miller.

Verette encontro la página web de Miller buscando al profesor de piano de jazz que este más cerca de Minneápolis. En lugar de aprender la forma clásica de piano “nota por nota”, que Verette estudió cuando era joven, Miller enseña la forma basada en progresiones de acordes de piano de jazz. Miller dijo que esto permite un “sonido más completo”, causado por los estudiantes tocando con el número de notas de cada mano.

“En cuatro o cinco meses, están tocando 3 notas en cada mano”, dijo. “Ellos nunca podrían llegar a esto en dos años de piano clásico”.

“Se trata de comprender la razón por la que se está tocando de esa manera”, agregó. “Nunca entendí los fundamentos de la progresión de acordes. Creo que ese es el motivo por el cual aprender piano de jazz es divertido”.

Aún así, aprender piano le da a Verette algo de tiempo para sí misma, incluso si no tiene que ir muy lejos para hacerlo.

“Para cuando termine de hacer mis cosas, esto es realmente mi terapia”, dijo. “Mis hijos son buenos con esto, saben que es mi tiempo y que realmente me gusta”.

Cada piano tiene su propio sonido o “voz”. En muchos sentidos, la voz de un piano indica la forma en que fue construido y define su personalidad. Pero con el tiempo, cuanto más se toque un piano, más se sentirá que el martillo que golpea las cuerdas se gasta y se comprime. Este endurecimiento puede hacer que el tono se vuelva demasiado duro o brillante, y va a ser difícil producir una gama alta de expresiones, sin importar que intentes mejorar tu estilo de toque. En otras situaciones, el piano puede parecer demasiado aburrido o completamente sin vida. La velocidad de repetición o la calidad del tono producido cuando se presiona una tecla dos veces puede ser muy lento.

De cualquier manera, un técnico de pianos puede corregir los martillos de diferentes maneras: a través de la alineación, la formación, y varias otras técnicas llamadas de “entonación” o “voicing”, a fin de obtener el tono exacto que se está buscando. Sin embargo, tenga en cuenta que un piano tiene que ser regulado y finamente afinado antes de ser tocado.

Otro aspecto a tener en cuenta es que el sonido del piano puede ser modificado mediante alguna técnica de entonación aunque el piano no se encuentre muy usado o incluso en pianos nuevos. Debemos comprender que el sonido característico de un piano no es algo rígido sino que es algo que puede modificarse dentro de un cierto rango.

‘No me hago problema por la tecnica cuando toco’.

Lang Lang, de 25 años, es de Shenyang, China. Va a desempeñar un recital solista en The Bridgewater Hall en Manchester el 21 de Enero as como parte de una serie de conciertos internacionales. La siguiente breve entrevista nos brinda algunas claves sobre el pianista.

Si no estuviese hablando con vos ahora, estaría…
Durmiendo.

Una frase que uso bastante seguido es…
“Ve por eso!”. Molesta a mucha gente a mí alrededor.

Ojala toda la gente tome más noticias de los…
Niños. Cuando termine mi carrera, tengo el deseo de enseñar piano a los niños pequeños. Son muy importantes.

La cosa mas sorprendente que me paso fue…
Un tiempo atrás recibí una llamada telefónica de la Orquesta Sinfónica de Chicago diciendo que me necesitaban para reemplazar a uno de sus pianistas. La actuación era tan pronto luego de la llamada que no estaba preparado para la misma.

Una percepción errónea de mi es…
Mucha gente escucha mi música y asume que debo tener una buena técnica. Pero no le doy mucha importancia a la técnica cuando toco. Pienso que la música esta primero, y una vez que tenes la habilidad de tocar, no te tenes que preocupar por la técnica.

No soy político pero…
Los niños deberían ser definitivamente una prioridad principal para los políticos. Los niños son el futuro, después de todo. Creo fuertemente en esto.

Soy bueno en…
El Piano, obviamente. Pero pienso que soy un buen comunicador. Puedo contar historias y hablarles a los niños. También creo que me puedo comunicar a través de la música.

Soy muy malo en…
Matemáticas. Odio todo lo que tenga formula o una respuesta. Me gusta ser liberal en todo lo que hago, que es el motivo por el cual amo a la música – es muy expresiva.

La salida nocturna ideal es…
Ir al cine. Me gustan las noches tranquilas.

En momentos de debilidad me…
Enojo.

Me conoces como músico, pero en la vida real fui…
Un jugador de ping-pong.

La mejor edad es…
La edad que tengo ahora. Soy un buen tipo. Soy un joven pero maduro, fresco y energético y curioso sobre el mundo.

En pocas palabras, mi filosofía es…
Tener un balance en la vida.

En el video que sigue lo vemos tocando a Mozart. ¿Se animan nuestros lectores a decir que pieza de Mozart se encuentra tocando Lang Lang?

1. Dominio: Escalas, tríadas, acordes y arpegios no son ejercicios autónomos sino que son los ladrillos de construcción para crear música, aunque ningún compositor te diría eso. Saber cómo tocar dichos “ladrillos musicales” simplificará el proceso de aprendizaje y comprensión de cualquier melodía con que te encuentres. Por ejemplo: ese pasaje de escala en la sonata de Beethoven te será mucho más fácil de incorporar a tu interpretación si ya has aprendido y dominado la escala relevante y su digitación.

2. Claridad: ¿Haz oído últimamente un arpegio de 4 octavas perfectamente ejecutado? Cada vez se vuelven menos y menos frecuentes. Pasar tiempo practicando estos ejercicios técnicos te podrá enseñar a escuchar al detalle para desarrollar un agudo sentido de conciencia que te permitirá “estar” el momento en que vayas a interpretar algo, es decir te permitirá estar consciente del lugar en el que estás y qué es lo que estás haciendo.

3. Comodidad: La técnica del piano no es sólo un juego de precisión, sino que también se basa en la incorporación y unificación de un gran número de conceptos físicos. ¿Te sientes cómodo cuando tocas? ¿Dónde se encuentra la tensión? ¿Algo te duele? El trabajar con tu maestro en resolver estos problemas por medio de la técnica puede resultarte muy útil para el resto de tu carrera.

4. Creatividad: El mito más común de aprender cualquier técnica del piano es que es aburrida. En realidad, parte del trabajo del maestro es introducir una dosis diaria de diversión en la práctica del alumno para que ésta le resulte gratificante, y no al revés. ¿Por qué no combinar los básicos ejercicios técnicos con el aprendizaje de conceptos musicales? A continuación presentamos algunas ideas para el maestro desorientado:

• Variar los dinámicos, de pp a ff, jugando con el crescendo y el diminuendo.
• Modificar las articulaciones: pruebe que su alumno intente tocar escalas con diferentes articulaciones y combinaciones de las mismas.
• Cambiar el orden: acomode el orden de los ejercicios según el tipo (por ej: escalas de octavas, tríadas, etc), clave. Haga que su alumno las toque todas y anote las dificultades; trabaje sólo en aquellas dificultades que se repitan con frecuencia.

5. Confianza: Es la noche de la presentación y estás esperando detrás del escenario. Entonces te preguntas: ¿He hecho mi trabajo? Si tu respuesta es no, probablemente experimentes el miedo genuino asociado con la ansiedad escénica y ello no es muy divertido. Por lo tanto es esencial que tengas confianza en lo que has podido aprender hasta el momento para que puedas salir al escenario y dar todo de ti sin que el miedo te lo impida.

Un servicio fúnebre privado para la leyenda del jazz Oscar Peterson el viernes atrajo a cientos de parientes y amigos cercanos, entre ellos el ex primer ministro Bob Rae y al Alcalde de Mississauga, Hazel McCallion. En un homenaje al ganador de ocho Grammys, algunas de sus canciones mas celebradas sirvieron como música de fondo para la ceremonia de la noche, que tuvo lugar en Mississauga, Ontario, justo al oeste de Toronto.

La cantante de jazz Diana Krall, a quien Peterson cita como a una de sus mayores inspiraciones, tocó el piano y cantó canciones como “When Summer Comes”, las cuales compuso Peterson. El inimitable pianista y compositor, conocido por su estilo de swing demostrado en mas de cien grabaciones, sucumbió a la falla de un riñón y tuvo complicaciones en su casa de fin de semana en Mississauga. Tenía 82 años. Su página web dice que pronto se celebraran sus memorias en público.

“Fue hermoso”, dijo McCallion acerca de los servicios privados. “No fue triste. Él nunca quiso que nada sea triste”. Amigos y familiares del músico célebre volaron desde Europa y desde los Estados Unidos para asistir al servicio, dijo McCallion.

A principios de esa semana, la hija menor de Peterson, Celine, de 16 años, dijo que estaba shockeada por la pérdida. El día en el que su padre murió, ella escribió en su página de myspace: “Es muy difícil para mí expresar cómo me siento acerca de la pérdida de mi papá, cuando la gente a mi alrededor me habla sobre como una leyenda, un tesoro nacional, un dios virtuoso del piano falleció. … Mi papá es el mejor padre que jamás haya existido”.

Aleksander Kudajczyk, un joven empleado de limpieza de la Universidad de Glasgow, usualmente se sentaba a tocar el piano de concierto que se encontraba en la capilla de dicha universidad durante los momentos de descanso durante sus tareas de limpieza. Por casualidad fue escuchado por un grupo de alumnos de dicha casa de estudios los cuales hicieron correr la noticia sobre las excelentes dotes interpretativas de Aleksander.

Por consiguiente, su fama fue creciendo entre alumnos y profesores quienes pedian al joven conserje que brinde conciertos en sus tiempos libres. El rector de la universidad le invitó a que toque en fiestas y reuniones, además de serle ofrecida una beca para dedicarse solamente al estudio de la música y del piano. En el artículo original, el pianista indica que ya ha abandonado su trabajo como conserje y agente de limpieza de la universidad y se encuentra dedicado al estudio y perfeccionamiento de su técnica pianística y de la teoria musical, poseyendo un interesante futuro como pianista de concierto.

A las 10:57 a.m del jueves pasado, una mujer completó 70 horas continuas de cosquillear marfiles, rompiendo el Record Guinness Mundial de mayor cantidad de horas consecutivas tocando el piano. Luego de gastar los 5 minutos de descanso permitidos por cada hora y un descanso de 30 segundos entre cada canción, Pat Jones había cronometrado 35 horas, pasando el antiguo récord de 64. Los registros y los videos de la proeza serán compilados y presentados a la organización Guinness para que pueda ser oficialmente reconocida.

Jones comenzó la sesión de maratón el lunes pasado al mediodía. Originalmente ella planeaba llegar a las 72 horas, pero decidió que estaba demasiado cansada como para continuar. “Disfrutaré la gloria que mi hazaña conlleva”, comentó Jones al Canal 4 luego de bombardearla a preguntas. “Estoy contenta con lo que pude hacer”. Mientras se levantaba del piano, ella dijo que iba a “tomar una ducha y encontrarse con la almohada”.

Durante casi la mitad de la maratón Jones interpretó la canción “I Shall Not Be Moved”. Se observó siempre a un grupo de apoyo durante las 65 horas, incluso a las 10 p.m. El martes por la noche, una pequeña multitud se le unió cantando y vitoreándola mientras ella se esforzaba por romper el récord. Jones dijo en los días posteriores a la maratón que ella utilizó bolas antistress para fortalecer sus dedos. Y durante la sesión había recibido un masaje de hombros para impedir que sus músculos se tensaran. Realmente una gran proeza que esperamos se convierta en el nuevo récord mundial.

Un hombre sin alma, si puede ser concebido, sería un tipo de criatura irresponsable, sin color y sin ningún tipo de influencia en el mundo. La música sin alma es igual de despreciable. La música sin profundidad de sentimientos no es música, es meramente ritmo y ruido.

Una espina dentro del maestro de música es el alumno que nunca infunde ninguna emoción a su interpretación, incluso a la más hermosa de las composiciones. Lo bueno es que cualquier estudiante puede superar tal defecto. Tocar con sentimiento o con “alma” puede ser cultivado. Suponga que ha dominado las características técnicas de una obra, o de varias, y aún su interpretación es aburrida y gris. Le falta la pasión o el fuego que mueve a las personas. Si has fallado es porque no te has adentrado en la música, no le has impregnado parte de ti. Si no entras al espíritu de la melodía, es porque tu imaginación ha estado inactivada mientras tus manos estaban ocupadas; la música no otorga nada pues no has puesto nada en ella.

Cultivar esto es vital para “vivir la música” o “bailar la música“: Si estás tocando una pieza rápida, una marcha por ejemplo, intenta perderte a ti mismo en el espíritu de la melodía. ¿Puedes ver la a la banda, con sus uniformes resplandecientes, marchando orgullosamente sobre la calle? Únete a la multitud en la acera y escucha la melodía.

Cuando hayas terminado y “regresado a la tierra”, descubrirás que te habrás emocionado; y tus oyentes también habrán sentido la diferencia. Sin embargo, esto es simplemente una ilustración. Puedes intentar el mismo ejercicio tocando hermosas serenatas, y encontrarte a ti mismo vagando en una noche de luna, escuchando las guitarras sonar y susurrando votos de amor.

Pon tu alma en la música, plasmando tu sentir a través de la teoria musical que has aprendido simplemente dejando que tu imaginación vuele libre y acompañe el sentimiento de la melodía.

Un estudio llamado fMRI (Resonancia magnética funcional), que escanea el fluir de la sangre en el cerebro, demostró que la exposición de una persona a varios intervalos musiales basados en las proporciones pitagóricas, influiría enormemente en las distintas regiones del cerebro.

Una rápida revisión de las reglas proporcionales de Pitágoras: los intervalos musicales pueden ser descriptos como proporciones de las frecuencias de dos tonos. Dichas proporciones son las más simples (2:1, 3:2, 4:3, etc) y corresponden con los intervalos que la civilización occidental ha juzgado como los más agradables (intervalo de octava, quinta justa o cuarta justa), mientras que los intervalos disonantes para nuestra cultura (séptima mayor, segunda menor, cuarta aumentada o quinta disminuida) tienen proporciones más complejas (243:128, 16:15, 45:32, etc). Las pruebas de fMRI descubrieron que en los músicos bien entrenados, se observan en actividad cinco áreas del cerebro al interpretar dichos intervalos, mostrando mayor actividad cuando dichos intervalos progresan de consonancias perfectas a consonancias imperfectas para acabar en disonancias. Estas cinco áreas del cerebro son: la circunvolución frontal inferior, la circunvolución temporal superior (donde se encuentra la corteza auditiva primaria), la circunvolución frontal media, el lóbulo parietal inferior y el surco anterior (que se cree domina el conocimiento racional). En los “no músicos” (ese término horrible utilizado en conocimiento musical para describir a aquella población de oyentes que no han tenido entrenamiento musical) se observa que tan sólo un área de su cerebro se activa bajo los mismos patrones de consonancia/disonancia: la circunvolución derecha frontal inferior.

Aún no hemos tenido la oportunidad de leer el artículo completo para ver si los intervalos fueron en realidad interpretados en la entonación justa, cuántos intervalos se tocaron y con cuántos participantes se realizó el estudio (los estudios fMRI, por lo general, tienen pequeños números de debido al costo del tiempo MRI). Si los intervalos fueron interpretados en un temperamento constante eso iría en contra de la interpretación de todas las reglas proporcionales de Pitágoras, lo cual significaría una gran falla en la totalidad del estudio.

El piano realmente alcanzó su apogeo durante el 1800. Si bien Cristofori había inventado el pianoforte a inicios del 1700, la revolución industrial hizo que la producción de pianos fuera mucho más sencilla entrado el siglo XIX, y las mejoras en el mecanismo del instrumento incrementaron las capacidades sonoras del mismo. Por ejemplo, la invención del pedal introdujo sustento resonante a la paleta artística (y cualquiera familiarizado con Chopin comprende la importancia del pedal en sus composiciones). Una larga lista de compositores, tales como Schubert, Chopin, Schumann y Beethoven expandieron enormemente la literatura pianística, mientras que otros como Listz, se volvieron famosos por su deslumbrante virtuosidad técnica con el instrumento. Probablemente debido a que los modelos Barrocos y Clásicos del teclado eran incapaces de un sustento prolongado, la preferencia por las largas líneas líricas destacó a muchas piezas románticas.

Durante el siglo XX, un interés retornó en las capacidades de percusión del piano. Bartok utilizó el piano rítmicamente. Otros tales como Cage o Cowell exploraron métodos alternativos de obtener sonidos inusuales de instrumentos comunes. Por ejemplo, ambos compositores experimentaron producir sonido al golpear cuerdas que tuvieran diferentes objetos entre ellas.

Emanuel Ax: Este pianista nacido en Polonia, y establecido en Canadá, viaja actualmente alrededor del mundo. Comenzó con su último CD de Brahms (una colección de dos conciertos para piano, Op. 15 y 83, dos rapsodias, Op 79, y dos sets de tres intermexxos, Op. 117 y 119). También posee un álbum de trabajos de Chopin, interpretados en un piano histórico. Aquellos que desean música más contemporánea pueden experimentar con su álbum de Shostakovich o escuchar Century Rolls.

Andre Previn: No solamente un pianista talentoso, Previn ha compuesto también para películas y óperas, incluyendo una puesta en escena operística de “A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo)” de Tennessee Williams. Entre sus interpretaciones pianísticas se incluyen tríos de Mozart y colaboraciones con la violinista Anne-Sophie Mutter. Con un ávido interés en la música jazz, Previn ha grabado también varios álbumes de Gershwin, Duke Ellington, y otros grandes del jazz.

Wilhelm Kempff: Tajante y elocuente, Kempff exhuda un enfoque erudito en sus interpretaciones. Si deseas una introducción al set completo de las sonatas de Beethoven, deberías comenzar con las grabaciones de Kempff. También son de una inmensa calidad sus interpretaciones de las sonatas de Schubert y las variaciones Goldberg de Bach.

A comienzos del siglo XX, cuando la radio reemplazó al pianista como la fuente dominante de entretenimiento, la era de la música de salón llegó a un brusco final. Ahora, el pianista se toma la revancha. La introducción del nuevo modelo del Yamaha Disklavier, el reproductor de piano más avanzado del mundo, resucitó el interés en los pianos. Ahora, con el reciente lanzamiento del Disklavier 2.0, Yamaha introdujo la Radio Disklavier y la Tienda de Música Disklavier. Ambos servicios combinan los mejores aspectos de la interpretación en vivo con la nueva tecnología de Internet para ofrecer una experiencia de entretenimiento casero que ninguna radio puede lograr.

“Durante 20 años, la línea de pianos reproductores Yamaha Disklavier ha definido la vanguardia de la música tecnológica”, señaló Bill Brandom, manager de marketing de Disklavier. “Con la introducción de la Radio y la Tienda de Música Disklavier, nos encontramos haciendo historia nuevamente. Ahora, los dueños de Yamaha Disklavier pueden tomar ventaja de la conexión a Internet y sus descargas para acceder instantáneamente a una vasta selección de música de Disklavier incorporando MIDI para obtener un realismo máximo en cuanto a calidad sonora. La radio probablemente haya superado pianista a principios del siglo XX, pero con estos avances, el piano reclama ser el centro de atención”.

La Radio Disklavier es un servicio que eleva la radio al nivel de presentaciones en vivo. Cada estación incluye una alimentación por MIDI, permitiéndole al piano acústico Yamaha tocar en vivo, acompañado especialmente por ensambles grabados, para añadirle mayor realismo y precisión.

La obra para clave de Bach posee notable puntos culminantes entre los que podemos hallar el preludio y fuda en Do sostenido menor que en esta ocasión interpreta el pianista Konstantin Soukhovetski.

Un recientemente descubierto concierto para piano, el cual parece ser uno de los primeros trabajos de Wolfgang Amadeus Mozart, será interpretado por primera vez este mes en Salzburgo, la ciudad natal del compositor. Los expertos creen que la composición, titualada Allegro di Wolffgango Mozart, fue escrita por el niño prodigio en algún momento entre sus 6 y 10 años.

El manuscrito fue encontrado en un libro de música comprado por la arquidiócesis de Salzburgo. Éste contenía otras 118 composiciones, principalmente minuets, preludios y versets de Mozart y otros prominentes compositores.

Según Ernst Hintermeier, el director de los archivos de la arquidiócesis, quien fue el primero en establecer la autoría de dicho manuscrito, la pieza fue escrita por el compositor austriaco entre 1763 y 1766. Teniendo en cuenta que Mozart nació en el año 1756 en Salzburgo, y falleció en 1791 en Viena, comprobamos verdaderamente la presencia de un niño prodigio.

“Este es un descubrimiento maravilloso y una contribución impresionante para el ámbito de investigación de la vida del compositor. Yo lo compré en nombre de los archivos de arquidiócesis a unos dueños privados, quienes no tenían conocimiento alguno de su valor. Luego de una cuidadosa investigación del manuscrito se volvió aparente que contenía una obra entera y desconocida por completo, del joven Amadeus Mozart”, comentó el Dr. Hintermeier al Times. “Fue realmente un descubrimiento emocionante”.

1. Primero que nada, no espere ansiosamente que sus niños progresen rápidamente en sus estudios musicales, recuerde que el estudiante que es más avanzado a los 8 o 10 años no necesariamente lo será a los 15.

2. Es importante no dejarse llevar y contratar a un maestro o profesor de piano por el simple hecho de que es un intérprete maravilloso, ya que no siempre son estos los sujetos que tengan mayor paciencia para enseñar a un niño.

3. Por otro lado, no olvide que, si bien es un gran error seleccionar a un maestro porque cobra barato, es así mismo un grave error elegirlo porque sus honorarios son elevados. Cuánto cobre el maestro no nos indica si es un buen profesor o no.

4. No se precipite a despedir al nuevo profesor tan sólo porque su hijo ha expresado su disgusto hacia él o ella. Es probable que el sentimiento sea temporario, y desaparezca al poco tiempo; pero por otro lado tampoco insista a que su hijo estudie con una persona que le causa rechazo permanente.

5. No hable a la ligera delante de sus niños de aquella persona en quien ha puesto su educación musical. Si tiene alguna crítica para hacer, no sólo será más justo, sino también más efectivo, llevarlas directamente al maestro mismo.

6. No deje de cooperar con el profesor; él necesitará su ayuda y su niño se llevará los beneficios de dicha cooperación. Nunca dude en ayudar al maestro, si no siente la suficiente confianza como para hacerlo es aconsejable que contrate a otro instructor.

7. No espere que el maestro brinde un trato especial a su hijo por el simple hecho de que usted lo considere un pequeño genio. Si el niño tiene dones excepcionales, no dude en que el maestro será el primero en darse cuenta y sabrá cómo actuar al respecto. Tenga también en cuenta los consejos ya dados para ayudar a instroducir a los niños a la música.

8. No le haga sentir al niño que usted vigila ansiosamente su progreso durante su práctica de piano. Los jóvenes tienden a ofenderse por tales actitudes. Por otro lado, no deje de manifestar un interés amable en el trabajo de su hijo. Una palabra de aliento, una sugerencia amistosa, algún elogio, siempre y cuando sea juiciosamente administrado, será útil y estimulante.

¿Tienes algún consejo para agregar a la lista que desearías hacerle llegar a los padres de quienes estudian piano? Coméntalo a continuación.

La facinación con los pianos en China no tiene límites. El edificio que se muestra en la fotografía que sigue tiene la perfecta forma de un piano de cola y se encuentra acompañado por un violín. El mismo se ubica en la ciudad de Huinan, al norte de China.