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Violines: Instrumentos de cuerda frotada

Cuando escuchamos una pieza de Yehudi Menuhin, el famoso violinista Americano, nos transportamos a otro mundo gracias a su música. Yehudi, como muchos otros, comenzó a tocar el violín desde los tres años, y se convirtió en una los violinistas y directores mas importantes de la musica. La forma en que fluyen las notas, y el sonido de los violines es suficiente para que una persona se vuelva adicta a este instrumento. Los violines también son instrumentos de cuerda, muy similares a la viola y al cello, excepto que son más pequeños en tamaño y llegan a tonos más altos. Estos han existido por décadas, balanceando a las personas de todo el mundo con sus sonidos suaves. Se dice que los instrumentos de arco son originarios de Asia, y que luego se extendieron a las otras partes del mundo. El tipo de música que es emitido por un violín depende en gran medida de su forma y de la madera que se ha utilizado en su fabricación. El barniz que recubre la parte superior y la madera, se dice que mejoran con la antigüedad, y es por esto que los violines antiguos son mas caros que los nuevos.


Algunos violines son admirados por su capacidad de reproducir música, mientras que otros por sus apariencias. Lo que antes era originalmente utilizado principalmente en la música clásica hoy en día a pasado a ser parte de bandas de rock e incluso de composiciones de música jazz. Un buen ejemplo de esto es “The Corrs”, una banda que se basa principalmente en su primer violinista para darle a la canción su calor y sentimiento. Por ejemplo, cuando escuchamos “Devil’s Trill” de Vanessa Mae, sentimos la fuerza del instrumento y la forma en que se tocan las diferentes notas. Y si uno ve el video, puede disfrutar de la belleza del instrumento y las diferentes formas, tamaños y colores en el que esta hecho. Trata de mostrar que la gente se siente cómoda utilizando diferentes tipos de violines y que las palabras ya no importan tanto cuando el instrumento es lo suficientemente potente como para cautivar al oyente. El violín es capaz de ayudar a una persona a relajarse o a levantarse y bailar, dependiendo de la forma en que se toque.

Otra banda popular que ha hecho famosos a los violines es el cuarteto australiano llamado Bond, que utilizan los violines como base para todas sus canciones. La mayoría de los violines se hacen con las mejores maderas europeas, y están disponibles en diferentes tamaños para satisfacer las necesidades de uno. Así pues, si usted está interesado en tomar clases o en comprarse un buen violín, puede echar un vistazo a Stringworks para comprender la forma en que estos están hechos. Si usted está buscando violines que produzcan sonidos ricos y un aspecto inteligente, puede probar los de Artist Collection. Estos sitios Web no sólo venden y alquilan violines, sino que también tiene foros en donde las personas pueden consultar o debatir sobre temas relacionados con los violines”.

Musica Clásica para principiantes

De vez en cuando, la gente me pide consejos sobre dónde empezar en el mundo de la musica clásica. Han oído algún que otro pedazo de alguna canción, son curiosos, y se imagina que probablemente lo disfrutaran una vez que se involucren, pero, no saben donde buscar si ingresan en – perdón, quiero decir si inician sesión en eMusic.com. Mi estrategia es ofrecerles siempre a un puñado de sugerencias, en la mayor variedad posible. “Pruebe con estos”, les digo. “Vea que los atrapa, y desde ahí vemos”

Musica Clásica

Esa es la idea detrás de esta docena. Aquí hay 12 piezas seleccionadas para atraer a las personas que han tenido poca exposición a la música clásica, pero que saben que quieren más. Cuidadosamente he ideado una lista que cubre una amplia gama de colores y estilos, instrumentos y modos, formas y tamaños. Algunas piezas son ligeras, otras pesadas, algunas encantadoras, imponentes, dramáticas, meditativas, románticas, trágicas, nobles, tontas, etc. En conjunto, las selecciones abarcan 1.200 años de historia de la música – y todas han sido elegidas para hacer una buena primera impresión y estimular su apetito. Son “puertas de entrada”, si se quiere. Me sorprendería si alguien no puede encontrar algo en esta lista que no lo complació o intrigo. Piense en la lista como una muestra, un menú de tapas: si no quiere las aceitunas rellenas / misas renacentistas, pruebe el camarón al ajo/ cuarteto de cuerda del siglo 20.

¿Son estas las mejores doce grandes obras? No, aunque algunas de ellas podrían reclamar un lugar en esa lista. La mayoría de estas son obras que realmente han complacido a la gente, y que han recibido una respuesta favorable. Otras han captado la atención de los novatos en formas que nunca hubiera esperado. Otras son sólo algunas de mis favoritas que me gustan compartir.

Canto gregoriano para Semana Santa
Artista: Capella Antiqua, Munich
Fecha de publicación: 2006

La historia de musica “clásica” en la tradición de “arte” occidental (muchos de estos términos son tan problemáticos) comienza en la época medieval, con la música compuesta para la iglesia – textos sagrados en latín para los coros cantando al unísono, una nota a la vez. La serenidad del canto gregoriano (llamado así por el Papa Gregorio, 540-604, quien inicio la practica, según la leyenda) se ha hecho popular en los últimos años, usualmente utilizado como muisca de fondo para yoga o cualquier relajación. Hay un montón de CDs de canto, algunos más rítmicos, pero aun así estas actuaciones de las voces masculinas de Capella Antiqua de Munich, son realmente imponentes y magníficas.

El importante papel de la Música Clásica en Nuestras Vidas

Puede haber distintas opiniones respecto a la música, pero hay un hecho que no se puede ignorar y es que tiene un gran efecto en nuestras emociones. Cuando un niño nace, empieza a reaccionar a los diferentes sonidos de su entorno, tales como juguetes, la voz humana y otros. A veces, cuando usted ve a alguien gritando o gritar de alegría, simultáneamente lo afecta a usted también y lo llena de alegrías.

La música clasica y su importacia

Ahora, los científicos han demostrado que la música también afecta el desarrollo del cerebro humano. Cuando un bebé nace, tiene millones de células cerebrales, las cuales crecen cada vez más fuertes. Se ha demostrado que los niños que crecen escuchando música tienen fuertes conexiones con la misma. Afecta también la forma de su pensamiento, por ejemplo, escuchar música clásica mejora el razonamiento espacial y el aprendizaje de la misma a través de un instrumento, tiene efectos sobre ciertas destrezas del pensamiento.

¿Es cierto que la música hace a uno más inteligente?
No en todas las ocasiones, ya que la musica controla algunas de las celulasa del cerebro dando una forma particular de pensar. Después de escuchar música clásica, uno puede realizar algunas actividades espaciales rápidamente, como por ejemplo, los adultos pueden resolver rompecabezas rápidamente. Esto se debe a que las vías de la música clásica son similares a las vías utilizadas en el razonamiento espacial. Escuchando música clásica, estas vías se “encienden” y están listas para ser utilizadas. Así es como se puede resolver un rompecabezas rápidamente, pero el efecto dura poco tiempo después de escuchar la música. Tocar un instrumento también mejora las habilidades espaciales; la investigación ha demostrado que el entrenamiento musical crea nuevas vías en el cerebro.

El uso de la música clásica
La estructura de la música clásica es mucho más compleja en comparación con el rock, el jazz o el pop. Un niño que escucha música clásica fácilmente descifra la estructura y reconoce cualquier música clásica que ha escuchado antes. Por lo tanto, escuchar música clásica tiene un efecto diferente en comparación con otras formas de música.

¿Cómo nutrir su niño con la música?
Usted puede ayudar a su hijo a construir el amor por la música ya sea tocándole música, cantándole a su bebé, mandarlo a clases de música, o ayudarlo a aprender de la educación musical que se le otorga en la escuela.

¿Tiene lo que hay que tener para aprender a leer música?

Probablemente recuerde esas terroríficas pruebas de aptitud de la escuela. Ya sabe, esos exámenes que revelaban sus habilidades para realizar ciertas tareas.

Bueno, es tiempo de dejar de soñar y de poner a prueba su deseo de aprender música. El deseo por la música está dentro suyo, pero, ¿Tiene lo que hay que tener para aprender a leer música? Descubra sus capacidades musicales a continuación.

Talento musical o no – ¿Es importante?
Puede que no sea capaz de leer música en este momento. Probablemente no pueda agarrar una flauta, una guitarra o un violín y tocar una melodía hermosa. Sin embargo, todas las personas a su alrededor no pueden paran de hablar del talento musical que usted posee.

Quizás pueda memorizar melodías solo de escucharlas, crear una canción original en su mente o incluso tocar uno o dos instrumentos sin saber leer música. Esos son indicadores de que posee un natural talento para la música. Pero, ¿Posee el potencial de realizar plenamente ese talento? Incluso si no tiene ninguna de las habilidades musicales mencionadas previamente podrá aprender a leer música.

A falta de “talento natural”, buenas son las habilidades musicales adquiridas, para crear música hermosa. El amor por las melodías y el deseo de aprender y de crear música es lo que va a hacer la diferencia, tenga talento natural o no. Piense en su actual carrera. Si se dedicó a aquello que ama, seguramente haya adquirido sus habilidades aprendiendo, ¿no es cierto? Si usted es mecanógrafo, tuve que aprender a mecanografiar. Si es enfermero, tuvo que haber ido a la escuela de enfermería… Si es mecánico, seguramente haya ido a una escuela técnica para lograr esto. Para leer música también hay que aprender.

Pregunta #1: ¿Ama a la música lo suficiente como para aprender a leer y a tocar un instrumento musical?

Aprendiendo a leer música, para adultos.
Si se perdía en las lecciones de música de niño, o simplemente se olvidó lo aprendido, no es demasiado tarde para desarrollar sus habilidades musicales. Los adultos pueden aprender a leer música. A decir verdad, una persona con deseos reales de aprender puede lograr más que un niño que está siendo obligado a hacerlo.

¿Por qué? Como adulto, puede entender mejor el gran potencial que implica poseer esta habilidad. Poseer una pasión por la música hará que practique seguido y desarrolle las habilidades rápidamente. ¡Solamente aquellos adultos o niños que posean el deseo de continuar van a desarrollar esta habilidad de por vida!

Pregunta #2: ¿Está dispuesto a aprender música y dedicarte a practicar en esta etapa de su vida?

Una meta para sus habilidades musicales
Otro factor determinante para aprender a leer música es la razón por la cual usted está aprendiendo. Debería tener una meta que lo ayude a desarrollar la habilidad. Ya sea tocar un instrumento en la iglesia, en eventos especiales, o desarrollar una carrera de músico, siempre debe haber una meta. La existencia de una meta lo va a empujar a estudiar, incluso cuando no tenga muchas ganas de asistir a la lección. Esto es similar a asistir a la universidad. Uno asiste a las clases porque debe, si es que quiere desarrollar una carrera exitosa en ese campo.

Pregunta #3: ¿Posee una verdadera meta o razón para aprender a leer música?
Si la respuesta a ambas preguntas es “Sí”, entonces lea a continuación.

¿Qué instrumento quiere tocar?
Si ningún profesor de música talentoso está disponible, ¿está dispuesto a aprender por su cuenta a través de cursos y entrenamientos online?
Cuando sus estudios de música comiencen, ¿puede dedicarse por lo menos 15 o 30 minutos por día a practicar?

Si ha respondido “Sí” a todas estas preguntas, entonces se encuentra listo para comenzar sus estudios de música. ¡Comience a desarrollar sus habilidades musicales hoy mismo y descubrirá un tesoro que dura toda la vida!

¿Es fácil tocar el piano?

¿Alguna vez alguien te ha dicho cuán fácil es tocar el piano? ¿Alguna vez has tenido alguien que te transmita la idea de que para tocar el piano requieres muy pocas habilidades? Tales opiniones sólo muestran que cualquiera que las sostenga conoce muy poco al respecto. Hasta que nos ponemos a pensar, muy pocas personas se dan cuenta cuán complicado es en realidad, tocar hasta una simple melodía en el piano.

Primero que nada, tenemos que leer notas en dos claves: sol y fa. El mismo signo, ubicado en el mismo lugar, es por ejemplo, Sol en la clave de fa (grave) y Mi en la clave de sol. Por lo tanto, debemos saber siempre si estamos leyendo una nota grave o aguda. Varios signos de formas diferentes denotan diferentes longitudes de tiempo que deben ser interpretadas correctamente al momento de tocar. Otros signos denotan periodos de silencio entre las notas, también deberán ser de duración exacta. Debemos ser capaces de ubicar el dedo correcto sobre la tecla que representa una nota en particular, con el estilo correcto de digitación (si es ligado, staccato, etc.), y en el momento indicado. Debemos leer no sólo una nota a la vez, sino acordes de tres, cuatro e incluso diez notas al mismo tiempo. Debemos utilizar el dedo indicado, con una técnica específica de la mano, muñeca y del brazo, y tocar, al mismo tiempo, con movimientos que son completamente diferentes, uno con cada mano. Debemos siempre mantener en mente la armadura de clave apropiada y estar preparados para todos los accidentes, y para cambiar de clave en cualquier momento.

Y, para añadir algo más, debemos observar todas las marcas de expresión, matices, fraseo y tiempo, utilizar los pedales apropiadamente, y finalmente interpretar el estilo y el espíritu de la pieza de modo tal que se expresen correctamente la idea del compositor. Cuando esbozamos lo que un intérprete debe hacer realmente, podemos ver fácilmente que tocar el piano no es algo sencillo de hacer, ni siquiera si se trata de una pieza que no presente complejidades. De cualquier manera, estas dificultades deben ser tomadas como un desafío adicional.

Otras obras clásicas que debemos escuchar

Nessun Dorma de Turandot, de Puccini
Nessun Dorma, una aria hermosa, es conocida por millones de personas, pero si les pedimos que la canten, no pueden. ¿Por qué? Debido a que muchos no ponen el nombre con la canción. Nessun Dorma se convirtió en una canción muy conocida, posiblemente a causa del enorme éxito y la comercialización de los tres tenores (José Carreras, Luciano Pavarotti y Plácido Domingo), así como también se reproduce en muchas bandas sonoras de películas.


Movimiento 2 de la Sinfonía N º 7 de Beethoven
El segundo movimiento de la sinfonia Nº 7 de Beethoven es una pieza muy memorable. Su línea melódica etérea, repetida a traves del movimiento entero, le da escalofríos a sus oyentes a medida que avanza. Este movimiento es el más popular de la sinfonía Nº 7 de Beethoven. Terminada en 1812, ha encantado al público desde entonces. Escucha el Movimiento 2 de la Sinfonía N º 7 de Beethoven en la película Amada inmortal.

Ride of the Valkyries de Die Walküre, de Wagner

Destacada en dibujos animados y películas, los adultos y los niños están muy familiarizados con esta pieza. Para muchos, Ride of the Valkyries representa el estereotipo femenino de gran ópera llena de trenzas, cascos con cuernos, corazas de metal y lanzas en mano. Aunque es una pieza maravillosa, Ride of the Valkyries perdió algo de magia entre toda esta cultura pop.

Peer Gynt Suite Nº 1, ‘La Mañana’, de Grieg

Sinónimo del sol naciente, ‘La Mañana’ de la Suite N º 1 de Grieg es conocida por todos. Los niños se familiarizan con los principios de esta pieza, ya que se toca en muchos dibujos animados. Lamentablemente, el titulo de la canción no se acredita en los créditos finales, y aunque la acreditasen, ¿Se darían cuenta los niños? Lo dudo.

12 consejos para una práctica del piano efectiva

1. Nunca pases un día sin practicar el piano, si puedes hacerlo ayudará mucho a tu perfeccionamiento. Pero si ocurre que tu tiempo es limitado, practica por lo menos diariamente sólo tus ejercicios técnicos.
2. Si no puedes arreglártelas para avanzar con el estudio de un trabajo asignado, infórmale a tu profesor antes de comenzar la lección. Unos pocos compases practicados minuciosamente son mejor ejercicio que una pieza estudiada superficialmente.
3. Nunca gastes tiempo rasgueando el piano, mejor entrena tu oído. Cuanto más practiques conscientemente, tanto más pronto serás capaz de tocar cualquier cosa que desees. Cinco o diez minutos diarios bien aplicados influirán enormemente en el desarrollo de una mejor técnica. Sin embargo, nunca practiques sin sentarte adecuadamente y sin poner completa atención en tu trabajo.
4. Nunca comiences una práctica antes de haberte establecido y dejarte en claro a ti mismo todos los detalles de las claves, el tiempo, el ritmo y el fraseo de la pieza que vas a estudiar. Piensa previamente cada compás y determina el mejor modo de tocarlo.
5. Cuando inicies un ejercicio nuevo, cúbrete cuidadosamente contra el primer error en tu interpretación. Recuerda: “Prevenir es mejor que curar”; siempre es más fácil evitar un error que corregirlo. Los dedos están demasiado adaptados a repetir los errores una vez cometidos, y así se acostumbran a los malos hábitos.
6. Cada dificultad técnica debe ser superada y dominada mediante la aplicación de un ejercicio especial. De modo similar, cada pasaje o cada parte de un movimiento debe ser practicado hasta que pueda ser tocado con la precisión de un reloj. Cada detalle de una pieza debe ser estudiado y dominado por separado, hasta que puedas reensamblar toda la melodía de un modo artístico.
7. No es útil tocar una pieza repetidas veces desde el principio al final, incluso si cada mano toca partes separadas; la mente y la memoria deben, antes que nada, haberse familiarizado con cada detalle, y los dedos deben ser entrenados, hasta que se acostumbren a superar cada dificultad con perfección y facilidad.
8. Comienza practicando lentamente, al principio, de modo tal que nunca te veas obligado a detenerte. Intenta siempre tocar estrictamente en tiempo: el ritmo y el tiempo son factores que nunca deben ser descuidados, ni por falta de paciencia, ni de energía. Los sonidos sin ritmo no tienen mayor significado que unas simples letras del alfabeto.
9. Durante las pausas, no remuevas las manos del teclado, sino que intenta utilizar el tiempo, si es necesario, avanzando a la siguiente posición. Mientras una mano se encuentra tocando, es muy fácil preparar la otra para la parte que le toca, sólo si tienes bien en claro qué es lo que ésta debe hacer. Por lo tanto, las partes que requieren un cambio en la posición de la mano deben ser practicadas por separado, hasta que la mano haya aprendido a asumir la posición adecuada y realice su trabajo de manera inconsciente.
10. Apunta siempre a lo más alto, como para alcanzar algo que valga la pena conseguirlo. Supera todos los miedos o aversiones de los ejercicios dactilares. Convéncete a ti mismo de que son tan absolutamente indispensables como las palabras y las reglas de gramática, que deben ser aprendidas primero por el corazón antes de que se pueda adquirir el conocimiento de un lenguaje extranjero.
11. Se paciente y perseverante. Esto te ayudará a superar los obstáculos y las dificultades más grandes.
12. Estate contento, si puedes, brinda a otros el placer que te produce tocar el piano. Pero no busques sobresalir por una técnica brillante, pues ésta nunca es el objeto del verdadero artista, cuyo propósito debe ser más bien la adquisición de una minuciosa educación musical.

Introducciones y finales en el piano para acompañar melodías cantadas

Seguimos respondiendo las preguntas que nos hacen llegar nuestros usuarios:

P: He visto varias veces en las partituras para piano las siglas 8va y 8vb. ¿Qué significan?
R: Dichas siglas simplemente quieren decir, “una octava arriba” y “una octava abajo”. Consecuentemente, las siglas 16va y 16vb significan “dos octavas arriba” y “dos octavas abajo.”

P: ¿Cómo puedo tocar una introducción y un final en el piano para un cantante o un coro?
R: Hay muchos modos de hacer eso. La idea des dar al cantante o los cantantes el tiempo y el ritmo de la canción, y ambientar la escena para la audiencia. Para cualquier cosa que toques, si logras hacer lo antedicho estarás en el buen camino. Déjate guiar por la persona o el grupo para el cual estés tocando. Si ellos se van desarrollando con confianza cuando se supone que lo hagan, entonces sabrás que tu introducción es buena. Una introducción común sería la última frase de la melodía, la cual es, generalmente de cuatro u ocho compases. Esto funciona especialmente bien con las canciones que están hechas de estrofas, por ejemplo, los villancicos de navidad. Si la canción tiene mucho ritmo, podrás tocar unos pocos compases de la progresión de acordes para marcar el pulso a los cantantes. Para los finales, la idea principal es culminar la pieza de un modo estéticamente agradable. Probablemente toques la introducción nuevamente y acabes en el acorde de tónica. Ése es una opción bastante común. También puedes repetir la última frase que el o los cantantes canten. Incluso puedes finalizar la canción en la última nota que se cante, y simplemente mantener el acorde unos pocos pulsos más. Yo diría que se tiene mayor flexibilidad con el final que con la introducción desde que los cantantes terminan de cantar, y usualmente todos saben que la canción está por terminar.

P: ¿Cómo tocas tres pentagramas de una partitura para piano, si los dos primeros están en clave de sol y el tercero en clave de fa?
R: Nunca he visto una partitura como la que describes. Si estás seguro de que es realmente música para piano y no música para tres instrumentos melódicos (es decir una partitura para un trío), como dos violines y un chelo, entonces intentaría tocar los dos primeros con la mano derecha y el inferior con la izquierda.

Gustav Mahler en la historia y procedencia familiar

Mahler fue el segundo de catorce hermanos, de los cuales seis fallecieron durante la infancia. Su padre, Bernhard, era propietario de una taberna y su madre, Marie, era hija de un fabricante de jabones. Poco tiempo después de que Mahler naciera, él y sus padres se mudaron a Iglau, Moravia. Su padre fue capaz de abrir una exitosa taberna y una fábrica de cervezas, lo cual le permitió respaldar las ambiciones musicales de Mahler.

Niñez:
Mahler vivía cerca de la plaza del pueblo en donde se celebraban conciertos muy frecuentemente por la banda militar, esta fue la razón por la cual desarrolló el gusto por la música desde una edad muy temprana. Fue discípulo de Anton Bruckner. Aprendió varias canciones en pentagramas de aquellos amigos que asistían a escuelas católicas y recibió lecciones de música por parte de músicos locales. No pasó mucho tiempo después de que su padre le compró un piano en que Mahler se volvió un intérprete muy hábil.

Gustav Mahler

Adolescencia:
Como resultado de las “no tan buenas” notas escolares del joven Mahler, su padre lo envió a una audición al Conservatorio de Viena. Fue aceptado en 1875 bajo la instrucción de Julius Epstein, su profesor de piano. Estando en la escuela de música, Mahler rápidamente optó por composición como estudio principal. En 1877, se alistó para la Universidad de Viena donde se interesó profundamente en grandes trabajos literarios y en la filosofía.

Primeros años de adultez:
A los 21 años, Mahler recibió la dirección de un trabajo en el teatro Landes de Liabach. Allí dirigió más de 50 piezas, incluyendo su primera ópera, la cual resultó ser nada más ni nada menos que “Il Trovatore”. En el año 1883, Mahler se mudó a Kassel, firmó un contrato, y trabajó por varios años como “RDirector coral y musical”. Este podrá haber sido un título de fantasía, pero aún tenía que reportarlo al Kapellmeister residente. De 1885 a 1891, Mahler trabajó en Liepzig, Praga y Budapest.


Adultez media:
En marzo de 1891, Mahler se convirtió en director principal del teatro Stadt de Hamburgo. Mientras tanto, en esa misma ciudad Mahler culminó su segunda sinfonía, por el año 1895. También, en ese mismo año, se suicidó su hermano menor. Desde el fallecimiento de sus padres, varios años atrás, Mahler se convirtió en la cabeza del hogar. Para proteger a sus hermanas menores, las trasladó a su vivienda en Hamburgo.

Adultez tardía:
Mahler se mudó a Viena y se convirtió en el Kapellmeister de la aclamada Filarmónica de Viena. Varios meses después fue promovido a director. Como nuevo director del teatro Hofoper, sus osadas, provocativas, y controversiales presentaciones atrajeron a gran número de personas al teatro y muchas reseñas por parte de la prensa. En 1907 y 1910, Mahler condujo la Filarmónica y la Orquesta Sinfónica de Nueva York. Un año después, luego de regresar a Viena, falleció de una endocarditis bacterial.

La importancia del La 440 en la afinación de un piano

¿Pero, por qué tanto alboroto por una onda sonora cuya frecuencia, además, resulta tan difícil de contar y de percibir para la gente no especializada? Después de todo, un piano puede ser afinado considerablemente por encima o por debajo del La 440, proporcionando notas que están todas en correcta proporción las unas con las otras. Y el porcentaje de personas, incluso músicos, quienes poseen ese místico regalo del “tono perfecto” y que pueden decir si realmente el La está a 440, es muy, muy bajo. Entonces, ¿por qué tanto interés por este tema? Aquí te presentamos numerosas respuestas que la mayoría de los buenos músicos deberían transmitir:

Diapasón de La 440 Hz

Primero, el instrumento fue diseñado para ser afinado en sus notas musicales según el tono estándar o patrón, y darán su máximo potencial si se encuentran afinados según dicho tono. Aunque también es cierto que muchos pianos antiguos fueron diseñados para tener un tono patrón de afinación de menor frucuencia, tales como La 435. Pero incluso el La 435 está tan cerca del La 440 que resultaría casi imperceptible al oído común. Los afinadores de pianos, rutinariamente, encuentran el La, en aquellos pianos que han pasado tiempo sin ser afinados, por debajo de su frecuencia normal que es de 440 herzt, y deben utilizar su llave de afinar pianos para corregirlo.

Segundo, se ha aceptado internacionalmente al La 440 como el tono patrón estándar de afinación de todos los intrumentos musicales. De este modo, toda la música que se oye en radio, TV, y grabaciones y videos musicales, al igual que el tono estándar utilizado en los instrumentos electrónicos, están afinados según el La 440. Entonces como dice la famosa frase: si no puedes contra ellos, úneteles.

Tercero, siempre que se esta llevando a cabo cualquier seria instrucción o estudio de piano, el tono estándar o patrón es extremadamente importante para un apropiado entrenamiento auditivo. Eso resulta crucial con los niños, cuyos dones naturales pueden ir más allá de lo que el niño puede interpretar en realidad. De este modo se podrá percibir, en caso de poseerlo, si el niño ha sido consagrado con el don del “tono perfecto” u “oído absoluto“, lo cual no es más que una memoria tonal extraordinaria. Y por otro lado, muchos niños se sienten sumamente confundidos, y se distraen con mayor facilidad cuando un piano se encuentra afinado por debajo del tono estándar. ¡Enfrentémoslo, un piano afinado según un tono que no sea el La 440 simplemente no se encuentra afinado!

Cuarto
, no ocuparse de que la afinación del piano permanezca según el La 440 es riesgoso para su instrumento. Ello podría acabar en serios problemas, especialmente cuando el dueño intenta que el piano vuelva a ser afinado nuevamente en el tono correcto. Estos problemas incluyen: ruptura de cuerdas (aunque sean una o dos, resultan bastante costosas a la hora de reemplazarlas); grietas en la caja armónica, puentes o incluso en el arpa de metal debido a los cambios de tensión de las cuerdas; y el altísimo costo de las múltiples afinaciones frecuentes necesarias para lograr que el piano vuelva a establecer su tono.

Conclusión: Si su piano no está en 440, llame al afinador de pianos para que lo afine y lo ponga en tono.

El piano y el cerebro

Para ilustrar la maleabilidad del cerebro humano, Greenfield cita a un extraordinario estudio médico de la universidad de Harvard que involucra voluntarios que no podían tocar el piano. En dicho estudio, los participantes fueron divididos en tres grupos: al primero le dieron clases de piano intensivas durante cinco días, al segundo lo llevaron a una habitación idéntica con un piano idéntico pero no tenían nada que hacer con él, y al tercero lo colocaron en una habitación idéntica con un piano idéntico también, y simplemente les dijeron que imaginaran que estaban practicando ejercicios de piano durante los siguientes cinco días. Al parecer, la música es sanadora. Veamos.

Los escáner de cerebro resultaron extraordinarios. Como se esperaba, los cerebros de aquellos que sólo se sentaron en la habitación con el piano y sin hacer nada, no habían cambiado en absoluto. Poco sorprendentes fueron también los resultados de aquellos que habían practicado los ejercicios de piano presentaban cambios estructurales bien marcados en el área del cerebro asociada con el movimiento dactilar.

Pero lo que fue realmente llamativo fue que el grupo que se había imaginado tocando el piano presentó del mismo modo cambios notables en la estructura del cerebro que eran casi tan pronunciados como aquellos que verdaderamente habían practicado en el piano.

“El poder de la imaginación parece ser algo más que una metáfora; es real, y posee una base física en nuestro cerebro”, dijo Greenfield. Desafortunadamente, los neurocientíficos aún no han explicado cómo los cambios reportados en el nivel micro celular se traducen en cambios de personalidad, comportamiento o carácter. Pero según Greenfield no necesitamos saber eso para darnos cuenta de que los cambios en la estructura cerebral y nuestros pensamientos y sentimientos más elevados se encuentran indudablemente conectados.

¿Un piano dentro de un quirófano?: Se comprueba el efecto sanador de la música

El sonido de la música de un piano dentro de un quirófano fue la primera señal de que algo inusual estaba sucediendo. Había, ciertamente, un piano de verdad allí. Mientras que el cirujano estimulaba al paciente a prestar atención a la música que él tocaba en el piano, fue sedado y preparado para la cirugía. Con el paciente y el equipo listos, la música finalmente se detuvo y el cirujano se puso de pie para comenzar su día de trabajo.

Este experimento en Hawaii estaba tratando de comprobar si la música tiene algún efecto sobre la salud, los dolores y sobre los signos vitales, tales como la presión sanguínea, la respiración o los niveles de hormonas y anticuerpos. Mientras tanto, un segundo equipo de investigadores encontraron que la música tiene un efecto poderoso sobre el sistema inmunológico, mejorando los compuestos que defienden al cuerpo contra las infecciones.

Un piano dentro de un quirófano

La evidencia es cada vez mayor de que la música puede tener efectos beneficiarios para los pacientes. Los investigadores han estado buscando efectos sobre condiciones varias, como derrames cerebrales, autismos, problemas de corazón, salud mental, depresiones, dolores, extremidades fracturadas, Alzheimer y enfermedades pulmonares. La música de flauta se utilizó también para aliviar la ansiedad antes de las operaciones, y la música de arpa para reducir el dolor luego de la cirugía; algunas investigaciones dicen que puede ser tan efectiva como un Valium.

Escuchar música se considera que ayuda a recuperarse luego de un derrame cerebral o de un ataque al corazón. Un estudio de 60 hombres y mujeres en la Universidad de Helsinki encontró que los pacientes que escucharon música, luego de tener un derrame cerebral, se recuperaron mejor. Tres meses luego del derrame, la memoria mejoró un 60% en aquellos que escucharon música, comparado al 29% que estuvieron en un grupo de control. La concentración, el estado de ánimo y la atención al detalle también mejoraron en el grupo que escuchó música en un 17%, comparado con ningún cambio en el otro.

Se encontró que la música ayuda a aliviar el dolor agudo. Una investigación en la Universidad Dongsan de Korea sobre 40 pacientes con piernas fracturadas demostró que 30 a 60 minutos de música al día, ayudó a reducir los niveles de dolor y de presión arterial, y también mejoró las tasas de respiración. La inmunidad también se beneficia. Investigadores Sudafricanos usaron exitosamente el “Magnificat de Bach” para mejorar el estado de ánimo, reforzar el sistema inmunológico y disminuir las hormonas de estrés en las personas sometidas a la fisioterapia por una enfermedad pulmonar infecciosa.

Escuchar regularmente música también puede reducir la presión arterial alta. Los pacientes que escucharon 25 minutos de música al día durante cuatro semanas, redujeron su presión arterial, mientras que un grupo de control que no escuchó música no tuvo ningún cambio en su condición. Luego de 4 semanas, el descenso medio para el grupo de música en la presión arterial sistólica fue de 11.8 mmHg y para la diastólica, de 4.7 mmHg. No hubo cambios significantes en el grupo de control. “La terapia musical puede ser un tratamiento alternativo para la hipertensión”, dijeron los investigadores de la Universidad de Hong Kong.

Algunas investigaciones dicen que no toda la música es efectiva. Los tonos y el tempo parecen ser más importantes que la melodía, el ritmo, la armonía o el timbre. Los ritmos vigorosos de música demostraron tener un efecto contrario, dando lugar a emociones negativas. ¿Cómo deriva exactamente el cuerpo en beneficios de salud a través de la música? Por un lado, puede trabajar simplemente como una distracción, alejando a la mente del dolor. Cuando se expone a personas sanas a un dolor experimental, como fueron expuestos en la investigación de la Universidad Glasgow Caledonian, lo toleraron en mayor medida cuando estaban escuchando a su música favorita.

Pero la distracción no es la única manera en que los síntomas se alivian. Un estudio de recuperación por un derrame cerebro vascular encontró que la música es procesada y manipulada por partes diferentes del cerebro, y una sugerencia es que al mantener la atención del paciente, estimula las células nerviosas que atraviesan la región dañada por el derrame. Una teoría es que funciona a través de los circuitos emocionales del cerebro, los cuales tienen efecto en la producción de hormonas clave, las cuales a su vez tienen impacto en las funciones del cuerpo, desde reparar nervios hasta aliviar el dolor.

Las investigaciones más recientes, realizadas por el Instituto “Max Planck” para Ciencias Cognitivas y del Cerebro en Leipzig y por la Universidad de Sussex, proporcionaron nuevas pruebas de como estimula la música al sistema inmunológico. Los investigadores llevaron a cabo dos estudios mirando a los efectos de la música en las hormonas del estrés. Luego de exponer alrededor de 300 personas a música dance, los investigadores midieron los niveles de inmunoglobulina A o IgA y de las hormonas incluyendo a las crisol y a la adrenocorticotropa.

Los resultados demostraron que los niveles de cortisol se redujeron significativamente, mientras que los niveles de IgA aumentaron considerablemente en los que se expusieron a la música por alrededor de 50 minutos. Entre los efectos implicados se vio afectada también la inflamación y el comportamiento; y el estado de ánimo mejoró notablemente en los expuestos a la música. Estos descubrimientos proporcionan pistas para entender el rol de la música en la salud. La Cortisol es una hormona producida en respuesta al estrés e incrementa la presión sanguínea y los niveles de azúcar en la sangre, y debilita al sistema inmunológico. La reducción de los niveles de la hormona en respuesta a la música podría explicar la reducción en la presión arterial y en el riesgo de infecciones encontrados por otros investigadores.

El aumento en la IgA también es un descubrimiento importante porque es un anticuerpo que juega un papel esencial en la protección del cuerpo contra las infecciones y las alergias. En algunos casos, la música fue efectiva como terapia contra la droga. En el hospital Mutua de Terrassa, en Barcelona, los doctores compararon la efectividad de la música con el Valium en reducir la ansiedad antes de una cirugía en 207 pacientes. Un grupo tomó el Valium, mientras que el otro escuchó música durante el día de la cirugía. Después de la operación, se testeó la presión sanguínea y no hubo diferencia entre los dos grupos.

De regreso a la Universidad de Hawaii, los pacientes sometidos a la cirugía oftálmica fueron llevados antes de ser sedados, y el cirujano, un pianista entrenado, tocó algunas canciones, cada una tocada en tiempos medios bajos. La presión arterial y la frecuencia respiratoria mejoraron en el grupo de pacientes que escuchó música comparados con el grupo de control.

“Este es el primer estudio sobre el efecto de la música clásica de piano sobre los signos vitales de los pacientes”, dijeron los doctores de la Universidad de Hawaii, quienes señalaron que la presencia inusual de un piano en el teatro de operaciones quirúrgico no le dio lugar a efectos adversos en los pacientes.

Reconstruyendo un piano

Un piano, por toda su apariencia externa, es un ingenioso pero simple mecanismo, cuando es medido contra los criterios modernos. Es decir, cuando es comparado con avanzados mecanismos electrónicos, por ejemplo, parece de estructura simple. Sin embargo, sus ocultas complejidades se encuentran en cómo es construido. La caja armónica, por ejemplo, es simplemente una gran pieza de madera que se encuentra debajo de las cuerdas y vibra con el fin de amplificar su sonido. Sin embargo, la calidad del sonido producido es increíblemente complejo, y puede ser influenciada por el tipo de madera con la cual se encuentra hecho el instrumento (por ejemplo: no sólo madera de abeto, sino qué tipo del mismo, de dónde proviene, su edad, su veteado, y así en más), por el modo en que fue moldeada e instalada la madera, por la presión que ejercen las cuerdas sobre la madera, y muchos otros factores.

Es en esos factores que la construcción de pianos modernos ha perdido su camino. Primero, las finas maderas nobles necesarias para la construcción de pianos se han vuelto mucho más escasas. Las cajas armónicas, por ejemplo, requieren madera de abeto bastante añeja, la cual ha comenzado a escasear con más facilidad debido a las restricciones de tala indiscriminada. Por esta razón, los mejores materiales resultan ser extremadamente caros. Por lo tanto, la tentación es reducir las curvas comprando materiales de inferior calidad—después de todo, nadie verá la diferencia.

Hay un mejor modo. Contrario a un gran número de mitos que aún prevalecen en el mercado, muchos instrumentos viejos, especialmente aquellos construidos durante la era dorada, aún están en buenas condiciones estructurales para que ameriten una reconstrucción. La reconstrucción de pianos ofrece al consumidor el camino más fácil de adquirir un instrumento de alta calidad a un precio mucho más accesible. Debido a que los costos de fabricación del pasado eran mucho más bajos que los de hoy en día, es menos costoso comenzar con una vieja estructura en buen estado y reconstruir ciertas porciones del instrumento, que realizar toda la estructura a los altísimos costos actuales. En muchos casos sólo es necesaria una reconstrucción parcial para producir un piano que sonará mejor, que se mantendrá afinado por más tiempo, que será más sensible al tacto del pianista, y aún proporcionará muchos años de fiel servicio.

La compra de un piano requiere tomar decisiones clave

Para muchas personas, la compra de un piano se resume a dos preguntas básicas: ¿Cuánto dinero dispones para gastar? Y, ¿Cuánto espacio tenes? “Lo mejor es comprar el piano acústico más grande que puedas y tener una habitación para el mismo”, dijo al respecto recientemente un especialista.

Esto es porque cuanto más largo o alto sea un piano, tendrá cuerdas más grandes y una caja acústica de mayor tamaño, dos factores clave que establecen la calidad del tono de un piano. Por lo general, el precio de un piano es directamente proporcional a su tamaño y a su calidad del tono. Hay dos tipos principales de piano: los pianos verticales y los pianos de cola.

Los pianos de cola son horizontales y generalmente tienen cuerdas más largas que los pianos verticales, dándoles así un tono superior. Tienen además un valor histórico. Sus teclas también son más sensibles, haciéndolo un mejor piano para los pianistas profesionales que buscan tocar trabajos rápidos y complejos. Sin embargo, un piano vertical podría funcionar mejor para personas que no tengan mucho espacio extra. Mientras que los pianos verticales no suenan tan bien como los pianos de cola, su calidad está bastante cerca.

Dependiendo del tamaño, el tipo y en donde fue usado el instrumento o si es nuevo, un piano puede costar de $2,000 dólares a $70,000 o más. Los pianos hechos a mano son más caros que los producidos en masa. Pero, antes de comprar un piano producido en masa para ahorrar dinero, se recomienda considerar comprar un piano usado o refabricado hecho a mano. Otra opción, por supuesto, es comprar un teclado.

“Por lo general, los pianos producidos en masa suenan todos iguales, lo que no es necesariamente una cosa mala”. “Pero la cosa realmente interesante de un piano hecho a mano es que todos tienen personalidad diferente.”

Consejos para asegurarnos un buen resultado en un exámen de piano

Ya sea si eres un pianista profesional o un amateur, los exámenes pueden ser una tarea agotadora y desalentadora. Cada examen tiene sus desafíos. Sin embargo, prepararse correctamente marcará la diferencia entre la aprobación y la desaprobación de dicho examen.

Tres meses antes del examen

En este momento deberás estar practicando aproximadamente una hora de práctica neta por día, cinco días a la semana. Es imprescindible que, por lo menos, toques todas las notas correctas de la pieza que has elegido, y eso te lo dará la práctica diaria. Es ahora el momento de dejar de tocar simplemente una serie de notas melódicas para convertir la pieza musical en una verdadera obra maestra del piano. Deberás concentrarte en la expresión, los dinámicos y el tiempo. Además es importante que añadas un poco de sentimiento y emoción a tus interpretaciones.

Por otro lado, deberás estudiar incansablemente toda la teoría y las escalas musicales. Con gran frecuencia, durante el período de preparación para los exámenes, las escalas y la teoría son dejadas a un lado y sólo se les da un rápido repaso antes del examen, lo cual es un error terrible. Recuerda que cuanto más estudies ahora, más tiempo retendrás esta información, así tendrás una mejor oportunidad durante el examen para recordar el conocimiento requerido.

Un mes antes del examen

Ahora deberás aumentar tus horas de estudio a dos horas por día, seis días a la semana. Es tiempo de pulir todas las imperfecciones en tus melodías y aprender de oído. Practica cosas como, hacer que el difícil triplete tenga un sonido más fluido y asegúrate de tocar el Fa sostenido con el cuarto dedo en lugar del quinto. Estas pueden ser cuestiones menores, pero te ayudarán enormemente en el examen.

Intenta practicar sin la partitura en frente de ti y evalúa que tan bien lo haces. Durante la prueba si dependes demasiado de la partitura, te puedo asegurar que te cerrarás demasiado y tu música no tendrá demasiado sentimiento. También, asegúrate que el examen se convierta en tu prioridad número uno. No te distraigas con otras cosas. De lo contrario terminarás estresado y muy cansado, y no demostrarás todo tu potencial.

Una semana antes del examen
Ahora es tiempo de practicar, practicar y practicar. Te recomiendo estudiar de dos a tres horas por día. Ya deberías poseer todo el conocimiento requerido para dar el examen. Ahora es simplemente una cuestión de revisarlo. Mientras estés trabajando y estudiando duro, tendrás que permanecer relajado. Ponlo en perspectiva; es sólo un examen. No hay necesidad de preocuparse las 24 horas del día, los 7 días de la semana.

El día antes del examen
Muchas personas durante la noche anterior practican entre 5 y 6 horas, estudiando hasta bien entrada la mañana. Esto es algo poco conveniente. Lo máximo que deberías tocar tus piezas es tres veces. Lo que me gusta hacer a mí es pretender que ya estoy sentado dando el examen. Entonces hago primero mis escalas, y luego las piezas en orden, posteriormente un poco de lectura a primera vista. No intentes hacer ninguna revisión de último minuto. La realidad es que sólo te presionarás innecesariamente. No te distraigas con ninguna otra situación de tu vida cotidiana. Tu examen de piano es mañana—cualquier otra cosa puede esperar otro día más.

Lo más importante, RELÁJATE! Es esencial que tengas una buena noche de sueño, preferiblemente intenta dormir de 8 a 10 horas, para poder enfrentar la tensión.

La mañana del examen

No realices ningún trabajo, ya sea relacionado con el piano o no. Has algo divertido que no requiera ninguna exigencia mental: mira una película, juega a la pelota, haz lo que más te agrade. Intenta tener un desayuno saludable. Sin embargo, si sufres de “mariposas en el estómago”, lo cual a mí también suele pasarme, no intentes comer nada a la fuerza. De caso contrario todo lo que no desee tu estómago lo devolverá, ¡créeme!

Siéntate y relájate. Intenta no pensar en el examen. No pienses ni en la teoría, o escalas, ni en la digitación, no pienses en absolutamente nada de eso. Tampoco evalúes que has estudiado correctamente y que no, todo esto tan sólo te generará agotamiento y aumentará tus tensiones durante el examen.

Treinta minutos antes del examen

En este momento deberías estar en el lugar en donde se tomarán los exámenes. Revisa un poco rápidamente la teoría, y todo lo demás. Ojea tus partituras y visualízate tocando como si leyeras las notas. Toca un poco de “piano al aire”, y practica con un par de preguntas teóricas.

Bajo ninguna circunstancia hables con otra persona acerca del examen. No hagas preguntas teóricas a otros estudiantes, no discutas tus piezas, no hables de exámenes previos o examinadores. Eso no es más que un estorbo innecesario. Respira profundamente, relájate y concéntrate en el examen.

Cinco minutos antes del examen
Cierra los libros por un momento. Respira profundamente unas tres veces y concéntrate. Piensa que esta es como cualquier otra sesión de práctica. Ve a dar el examen con pensamientos positivos. Si te has preparado para el examen como te he indicado, o no, realmente no importa ahora. Todo lo que puedes hacer es concentrarte en el examen que estarás por dar.

La pasión de Glen Gould por su propio piano

Es difícil pensar que un objeto de casi tres metros de longitud, negro, que pesa una tonelada y media pueda ser el centro de atención de un escenario y no ser notado. Todos reconocemos a un gran piano de concierto cuando lo vemos, pero la atención se posa siempre en aquel que está tocando sobre ese magnífico piano.

Aquellos de nosotros sentados en la audiencia, o escuchando un CD, tal vez demos al instrumento por sentado, pero puede hacer o destruir la presentación de un artista. Especialmente en el caso de la leyenda canadiense del piano Glenn Gould, quien falleció en el año 1982. La búsqueda de toda su vida era encontrar y luego obsesivamente mantener con Su piano, todas las cualidades de un apasionado amor.

Glenn Gould

Es una gran semilla para la periodista norteamericana Katie Hafner, quien ha llevado este lado poco conocido de la vida artística de Gould a un libro: “Un romance sobre tres piernas: La búsqueda obsesiva de Glenn Gould del Piano Perfecto” (editorial McClelland & Stewart). Hafner ha transformado toda esta investigación y recolección —tanto sobre Gould como de diversas personas que le conocieron y todos los pianos que pasaron por sus manos—, en una historia, mezclada con anécdotas y mucha perspicacia, sobre un canadiense cuyo nombre es reconocido en todo el mundo.

“Sabemos tanto acerca de Gould, pero tan poco sobre su piano”, dice Hafner dueño actual del gran piano Steinway que el pianista descubrió en las alas del Auditorio Eaton en el año 1960, que se convirtió en su compañero constante de innumerables conciertos y grabaciones. Gould demandaba trasladar el piano con él a las salas de concierto al igual que a los estudios de grabación de Nueva York y Toronto.


Era una relación de ensueño, hasta que los que realizaban las mudanzas accidentalmente estropearon el piano. Ni la fábrica Steinway ni el técnico de piano que trabajaba para Gould, Vern Edquist, pudieron reparar el daño. Edquist, uno de los técnicos de piano más populares de la ciudad antes de su retiro y de esto ya hacía varios años atrás, afinaba para Liberace, Victor Borge y un gran plantel de músicos importantes. Pero ninguno era como Gould en sus demandas. “Él tenía esa cosa de no querer gastar energía extra”, dice Edquist mientras intenta describir la respuesta relampagueante que el pianista buscaba.

Introduciendo a los niños al piano

Puedes despertar el interés de tu pequeño hijo por la música desde el principio de su misma existencia. Escucha música clásica mientras está en la panza, y luego del nacimiento va a tener una temprana apreciación por el piano. Van a estar más interesados en tocar que si simplemente ignoras la música y después la introduces abruptamente para que toquen.

Si ya has decidido que tu hijo comience clases de piano, el mismo debe ser atractivo y es muy importante encontrar al profesor correcto. Los chicos no pueden y no debe esperarse de ellos que se focalicen en una sola cosa durante un largo periodo de tiempo. Esto significa que las clases deberían ser reducidas a clases pequeñas y manejables. En la mayoría de los chicos de 3 o 4 años funcionan bien las clases de 15 minutos.

No puedes esperar de un niño de 3 años de edad que aprenda de la misma manera que un adolescente o un adulto, por lo que es vital tener a un profesor que comprenda la edad y que sepa como comunicarse efectivamente con el chico. Sin esto, vas a encontrarte con que tu hijo no aprende bien y se va a frustrar rápidamente con este instrumento. La idea es mantenerlo divertido y que lo disfrute, particularmente a esta edad.

Con una buena base, los chicos continuarán tocando piano por el resto de sus vidas y este regalo es algo que apreciaran en unos años. ¿Tú como haces para estimular a tus niños con el piano? Escríbenos a continuación.

La última pieza compuesta por Beethoven

¿Es este el último trabajo para piano de Beethoven? El musicólogo Peter McCallum de Sydney cree que lo es. Las 32 barras de la notación musical escrita le llamaron la atención cuando estaba estudiando el último libro de ensayos del compositor en Berlín, hace algunos años. Requirió un poco de trabajo de detective determinar qué fue lo que intentó decir el gran compositor, cuya escritura era caótica.

última partitura de Beethoven

“No sabía que era una pieza de piano hasta que me senté y trate de escribirla”, dijo McCallum. “Beethoven casi nunca utilizó claves o firmas, por lo que hay que pensar sobre ellas… pero una vez que descifras el código, es claro.” McCallum, quien es profesor de musicología en la Universidad de Sydney, cree que la pieza fue escrita en octubre de 1826, sólo unos meses antes de que el compositor muriera en marzo de 1827.

Beethoven siempre tenía ideas y era compulsivo”, dijo. “La cantidad de papel que utilizó en los últimos 3 años de su vida es sorprendente. Hay un montón de pequeñas ideas que no llevan a ningún lado. Pero esto era más que una pequeña idea. Tiene una parte derecha y una parte izquierda y marcas de frases en algunos lados. Por lo tanto, es claro que es una pieza completa.”

La pianista Stephanie McCallum utilizó la transcripción de su marido para hacer la primera grabación de la pieza. La Bagatella en Fa menor dura 54 segundos y es la pieza final de su CD Para Elisa, Bagatelles para Piano por Ludwig Van Beethoven. Aunque la mayoría de los libros de ensayos de Beethoven fueron estudiados en detalle, el último libro -alojado en la librería estatal de Berlín- atrajo muy poco la atención.

A pesar de que sus últimos trabajos a veces son vistos como espirituales, este fragmento tiene una calidad diferente, dice Peter McCallum. “Es un poco melancólico. Pero es una cosa placentera y es fácil de tocar. Lo que me gusta de ella es que un chico puede disfrutar tocándola. Podríamos darle a Fur Elise un descanso por un tiempo.”

Falleció Henry Steinway

Henry Steinway, el último integrante de la famosa familia que fundara la prestigiosa fábrica de pianos Steinway & Sons, acaba de fallecer a los 93 años. Si bien la empresa ya no era de la familia, dado que fue vendida a CBS en 1972 y luego pasó a manos de otras empresas, Henry seguía participando de las actividades del fabricante como personal contradado.

Henry Steinway

La conexión entre la matemática y la música: los niños

Cada vez más y más estudiantes son los que encuentran una fuerte conexión entre la música y las matemáticas. Parte de está conexión se encuentra en los patrones que existen entre el lenguaje, las matemáticas y la música. La música es una serie de notas que son tocadas según un patrón preestablecido. Las matemáticas trabajan del mismo modo. Si bien hay maneras de sumar, multiplicar, restar, y dividir números, la última combinación sigue siendo finita.

Lo mismo ocurre con la música. Las notas son combinadas en una serie de agrupaciones (casi una variedad sin fin), pero el número de sonidos creados es finito. Son los patrones y las combinaciones como éstas que hacen similares a la música y la matemática. Nuestro cerebro parece procesar la información musical y matemática de modo diferente que cuando calcula otro tipo de información.

Los bebés son atraídos primero por el discurso cuando éste suena rítmico y melódicamente. Sus padres, instintivamente le hablan al bebé en un tono melódico y mediante palabras de sonido bien marcado, en lugar de emplear su voz normal. Probablemente habrás notado que los bebés te prestan más atención cuando le hablas de modo poético y matemáticamente pausado, que cuando tus palabras son mundanas y empleas tu tono de voz normal.

Los niños pequeños aman escuchar música con patrones repetitivos. Esto sucede tal vez, porque su cerebro está calculando el mensaje musical de modo tal que captura su interés y los hace pensar. Por suerte, como resultado de los diferentes métodos de conexión del aprendizaje de los niños, éstos están más dispuestos a aprender y absorber.

Colócale a un niño cualquier cosa en su mano y comenzará a crear patrones musicales y ritmos. Toda la música que producen tiene un patrón y un ritmo definitivos. Los niños poseen la capacidad única de crear patrones fuera de sonidos aleatorios. Según cuán bien creen música y cuan afinados son se establecerán los poderes matemáticos del niño, que evolucionarán posteriormente en su vida adulta.

Mientras un niño crece es importante continuar inculcándole la música de modo tal que forme parte inalienable de sus vidas. Estudios recientes han demostrado que a aquellos niños que poseen una gran influencia musical, ya sea porque tocan un instrumento o escuchan una gran variedad de géneros musicales, les va muy bien en matemáticas. Esto se debe a que el cerebro se ha desarrollado de modo tal que ellos son capaces de discernir patrones y repeticiones entre las notas musicales.

La matemática es esencialmente el seguimiento de patrones conocidos para arribar a una conclusión. Una vez que conoces la fórmula para encontrar la respuesta, ya sea la simple fórmula de sumar o aquella más compleja de determinar los grados de un ángulo, sólo entonces serás capaz de utilizar dicho patrón para obtener la respuesta.

La conexión entre estas dos materias trabaja en dos sentidos: es común que un niño a quien le va bien en la clase de matemáticas sea extremadamente exitoso al momento de tocar un instrumento y leer notas musicales. La combinación de ambas habilidades, usualmente, lo llevará a un mejor rendimiento total dentro del ámbito escolar e intelectual. Lograr que la música sea una parte integral de nuestras vidas desde que nacemos nos coloca en la vía rápida y nos da una ventaja que no puede ser cuestionada. Cada vez más estudios han confirmado la relación entre las matemáticas y la música y los beneficios acumulados.

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