Pianored música y pianos

Descubriendo la revolución musical y por qué los midi se han convertido en una alternativa para la industria y esenciales para muchos compositores y músicos.

Secuenciador MIDI
La primera cosa a entender acerca de los secuenciadores de MIDI es que estos no producen un sonido propio. Es cierto que algunas unidades de hardware mas nuevas vienen con sonidos dentro del secuenciador, pero cuando los secuenciadores de MIDI inicialmente llegaron al mercado eran una aplicación independiente (tanto de hardware como de unidades de software) y era necesario conectar la salida MIDI de la unidad a la entrada del modulo de sonido deseado (hay docenas de ellos; DX7 (teclado), TX7 (módulo) varias unidades de Roland (Sound Canvas, MT 32), Korg, y muchos otros.

El papel del secuenciador es captar, con precisión, los sonidos digitales MIDI producidos por un teclado o cualquier otro tipo de controlador MIDI, como una guitarra a convertidor de midi o EWI de Yamaha – un instrumento de viento MIDI. El instrumento envía datos en paquetes de 7 bits (7 bits permite contar a 128) y le dice a la unidad receptora qué tipo de datos están entrando, la activación de la nota, el número de nota a tocar, el canal midi en el que esta, la velocidad de la nota y, la desactivación de la nota.

En los últimos años se ha convertido mas común para los diseñadores usar la duración de la nota (en lugar de usar el protocolo de nota prendida/apagada), ya que esto ayuda a prevenir que se “atoren” las notas, una experiencia desafortunada, especialmente en una presentación en vivo, en donde el módulo de sonido no recibe la “desactivación de la nota” y sigue desempeñando uno o más sonidos.

Hay muchos secuenciadotes de MIDI disponibles de bajos y altos costos. Yo empecé con el Pro24 Steinberg hace muchos años usando computadoras Atari y continúe con la era Cubase hasta Cubase SX2. Tuve problemas con Cubase cuando pase a la plataforma PC y así comenzó una búsqueda de algo que funcionara para mí. Al final me encontré con SAWStudio y el Midi WorkShop y, después de probar estos por unos meses, descubrí que esta combinación era sólida como una roca en cuanto al bloqueo de audio a MIDI y viceversa.

Terminé usando una combinación de SAWStudio + MWS y me segui impresionando lo bien que funcionaba – también debo hacer mención de la calidad excelente calidad de sonido de SAWStudio, algo que hacia falta en mis experiencias anteriores. Con una instalación de tamaño de sólo 1,4 megas – un entorno de trabajo completo se puede almacenar en una memoria USB. El uso de recursos de computadora de SAWStudio es tan bajo que he podido utilizar un ordenador equipado Celeron 400 para ejecutar un espectáculo de teatro en un restaurante con música y efectos de sonido, además de ejecutar las luces con 3 controladores de luz siguiendo comandos del Midi WorkShop .

Los estudios se dividen en tres categorías básicas, estudios para el hogar, estudios para proyectos y estudios comerciales. Es bastante obvio lo que un estudio para el hogar es. Muchas personas que trabajan en la industria de la música, e incluso de la televisión y del cine, tienen sus propios estudios en casa. Los meten en una habitación libre, en el garaje, en el sótano – a veces incluso en la esquina de una habitación. Y no hay razón para que un estudio de grabación en casa no produzca grabaciones que desafíen instalaciones comerciales. Obviamente, en un estudio comercial el personal de ayuda hará que todo sea más fácil para usted haga su mejor trabajo, el equipo y la acústica serán de primera clase, y probablemente usted estará trabajando con los mejores músicos también – ¡estos estudios incluso pueden tener un restaurante o un bar! Por supuesto, estos estudios siempre van a ser un poco mejores – pero en realidad es sólo un poco. Usted puede hacer trabajo profesional en un dormitorio. A veces la simplicidad vende, y no siempre se necesita un estudio de 24 pistas para hacer una canción o una banda sonora para un documental.

Realmente no hay ninguna diferencia entre un estudio en casa y un estudio denominado de proyecto. Un estudio en casa es un estudio de proyecto, pero en su casa. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre un estudio de proyecto y un estudio comercial? Un estudio comercial está a disposición de todos los interesados .Haga una reserva, haga lo que tenga que hacer en el estudio, pague la factura y recoja la cinta. Un estudio de proyectos es algo que le pertenece a una persona, o tal vez a una asociación, en donde el propietario o propietarios trabajan en sus propios proyectos. El titular puede ser un músico trabajando en un CD, o un compositor trabajando en una canción para un programa de televisión. Generalmente no se realizan reservas comerciales en un estudio de proyecto, porque a) le quita tiempo al propietario para usar su estudio, y b)si comienza a alquilar su estudio a terceros debe considerar las obligaciones legales de seguridad e higiene y seguros, los cuales harán que sus costos se vayan muy arriba

Lo qué la gente hace en su estudio de proyecto es, por supuesto su propio asunto. He identificado al menos cinco categorías distintas de estudio del proyecto. Eche un vistazo a lo que puede lograr, si se tiene cabeza para hacerlo…

Si usted es una de esas personas que aman la música y también posee una computadora, entonces los MP3 seguramente hayan transformado su manera de escucharla. Si es nuevo en los temas del audio en PC y se está preguntando sobre todo esto, entonces primero deberá saber qué es exactamente un MP3 y por qué es tan popular.

Para guardar música en una computadora sin compresión se requiere gran cantidad de memoria; un minuto de un CD de audio sin comprimir ocupa alrededor de 10 megabytes del espacio de su disco rígido. El MP3 fue diseñado para ahorrar espacio sin perder calidad de sonido, y lo cierto es que hace un gran trabajo, comprimiendo la música a un décimo o menos de su tamaño original, sin perder prácticamente calidad. Para lograr esto, el MP3 deshecha algunas partes de la señal de audio que son imperceptibles para el oído humano. Para algunas personas, existe una ligera degradación como resultado de esta tan efectiva compresión. A partir de la invención del MP3, una computadora puede contener muchas canciones en un solo lugar para poder escucharla cuando uno quiera.

Al MP3 se le suman competidores
Hoy en día, el MP3 ya no es el única opción a la hora de comprimir música, y existen varios formatos como el AAC (Codificación de Audio Avanzada) y WMA (Windows Media Audio). Ambas alternativas también poseen esquemas de codificación perceptual como el MP3 para desechar aquella información de audio que considera de menor importancia para la calidad del sonido. Varias personas incluso sostienen que estos nuevos formatos son superiores al MP3.

El Mercado actual está lleno de reproductores portátiles de MP3; todos ellos pueden reproducir archivos MP3. La mayoría de ellos también pueden reproducir WMA y algunos de ellos incluso AAC. Estos reproductores también decodifican y reproducen todos los archivos directamente en sus formatos originales, aunque algunos traen otro sistema que primero tiene que transcodificar los archivos a un formato separado. En cualquier caso, la calidad del sonido que alcanza sus oídos dependerá de varias cosas, pero la más importante será el formato en el que decida almacenar la música.

Los fanáticos de los Beatles ahora pueden tocar los pianos de Abbey Road en su propio comedor. Los ingenieros han tomado los instrumentos originales, las mezclas y los micrófonos utilizados por la banda y han creado un programa para su computadora. La réplica del estudio dos de Abbey Road permite a los fanáticos hacer su música de la misma manera que se hacía en los 60. Se han usado docenas de micrófonos para grabar distintas versiones de cada nota de un rango de instrumentos utilizados por los Beatles. Así se ha creado una “librería” de sonidos que pueden ser tocados con la ayuda de un programa de computadora.

Los usuarios pueden tocar estos instrumentos enchufando un teclado a su computadora, y disparando una muestra de la librería desde cada tecla. Hasta pueden controlar la mesa de mezcla original y demás equipo técnico utilizado por los ingenieros del estudio original. “Para conseguir un sonido correcto se ha llevado a cabo bastante investigación, y hasta hemos hablado con los ingenieros originales para que nos den consejos”, dijo Timothy Self de Propellerheads, la compañía detrás del programa.

Entre los instrumentos incluidos se encuentran el Mellotron, una versión en cinta del sampler utilizado en Strawberry Fields Forever, y las campanas tubulares utilizadas en When I’m 64. La más famosa, sin embargo, es el piano “Mrs Mills” utilizado en Lady Madonna. El piano, construido en 1905, obtuvo su nombre al ser usado en docenas de grabaciones con la artista de los años 60, Mrs. Mills, quien compartía su estudio con los Beatles.

El sonido único de este piano se ha logrado a través de dos procedimientos. Primero, por pedido del ingeniero pop de Abbey Road, Stuart Etham; un técnico de Steinway ha tratado los martillos del instrumento con laca, dándole un sonido más suave y percusivo. Segundo, se ha desafinado deliberadamente “como un piano de un bar, sólo que mejor”. “Aquí se encuentran algunos de los instrumentos más famosos del mundo, y ha sido maravilloso trabajar con ellos”, dijo el señor Self. “Tienen una verdadera alma que esperamos poder capturar”. “Sin embargo, tuvimos que tener mucho cuidado. Cuando llegamos pedimos afinar de vuelta el piano de Mrs. Mills, y nos dijeron que no se podía porque se suponía que tenía que sonar de esa manera”.

Hasta ahora, el programa sólo había estado disponible para los músicos profesionales. Sin embargo, esta semana la compañía Propellerheads empezará a venderlo en una versión casera a 180 libras esterlinas. Los Beatles grabaron 90% de sus discos y simples en Abbey Road desde 1962 hasta 1970. Entre ellos se incluyen Revolver, Help y Abbey Road.

Grabación por Maurizio Pollini y la Orquesta Filarmónica de Viena. Editado por Deutsche Grammophon.

Aunque esta grabación de Mozart no es específicamente y únicamente un concierto para piano, como la prensa nos quiere hacer creer, solo lo es el segundo disco Mozart de Maurizio Pollini (grabó algunos conciertos con Karl Böhm, también en el sello DG, así como un lanzamiento en el 2006, dirigiendo igualmente la Orquesta Filarmónica de Viena desde el piano), es cierto que el compositor no aparece mucho en su discografía. Esto es sorprendente dado que las interpretaciones de Pollini sobre Chopin son elogios constantes para su aplomo clásico, y sus técnicas de tocar el teclado soberanas y aristocráticas funcionaron extremadamente bien en Mozart. El lanzamiento de los conciertos del 2006 fue extremadamente bien recibido, y este nuevo disco, destacando los Nos. 12 y 24 (K. 414 en A y K.491 en Do menor), también es de gran calidad.

La primer cosa que notamos fue la transparencia y el detalle del toque de la Orquesta Filarmónica de Viena. En la exposición del primer movimiento del concierto en La mayor, quedamos impresionados en particular por la forma en que Pollini, como director, alentó a los músicos de la orquesta a tocar algunos detalles y fraseos de las partes interiores, lo que a menudo pasa inadvertido. También, en todo el disco, los músicos de viento de la orquesta son excelentes, y, bajo la dirección de Pollini, siempre están en primer plano. En el trabajo en Do menor, puntuados con un complemento mayor de instrumentos de viento –incluyendo clarinetes y flautas– uno mismo es impelido a reflexionar constantemente de cuánto material musical esencial se le encomienda a estos instrumentos. Aún así, todos los músicos tocan sus líneas maravillosamente, cada uno de los instrumentos con su propio carácter. Seguidamente, una antigua grabación de Pollini, tocando el concierto número 23 de Mozart.

La Orquesta Filarmónica de Viena, descripta en el material publicitario como “la orquesta más detallista y especializada en Mozart en todo el mundo”, es famosa por su fuerte voluntad, por lo que es difícil de decir el papel importante que tuvo Pollini en la forma del desempeño de la parte orquestal. Sin embargo, los pianistas y la orquesta son definitivamente uno, y el propio toque de Pollini refleja perfectamente el aplomo y la gran calidad de su orquesta.

Aunque, sentimos que el desempeño del concierto posterior en Do menor fue más satisfactorio que el trabajo anterior en La mayor. En el que le siguió, hubo momentos en el que Pollini se cruzó con una falta de inspiración, particularmente con algunos de los ornamentos que parecían forzados innecesariamente. La actuación fue grabada en vivo y el toque de Pollini comenzó un poco pesado, pero no tardó mucho en acomodarse, con los acordes suaves y cuidadosamente controlados, siempre respetuosos de la escritura musical. Mientras algunos se podrían haber perdido el brillo extra, es refrescante no escuchar a este Mozart sobrecargado con guiños en sus notas musicales. Su manera de tocar en el Andante es simple y en el Rondeau –iniciado por un estamento de alerta maravilloso del tema por las cuerdas de Vienna– es deliciosa. Aquí, a veces, hay una tensión entre el toque e interpretación de la orquesta y las contribuciones iniciales de Pollini; sin embargo, para el final del movimiento, su toque también se ha destacado.

Si hice reservas acerca del K.414, el enfoque de Pollini está perfectamente adecuado en el concierto en Do menor. Aunque no hay nada hecho para oscurecer los momentos soleados, la oscuridad reacciona bien a la integridad de la lectura. Los movimientos exteriores tienen la gravedad necesaria, dentro de los límites de Mozart, mientras que el Larghetto central está tocado con un control exquisito. Nuestra única crítica podría ser que Pollini falla en traer algún sentido de improvisación a las impecables cadenzas de Salvatore Sciarrino que usa.

Entonces, en suma, es un gran lanzamiento de Deutsche Grammophon. Pollini y la Orquesta Filarmónica de Viena parece que sienten que Mozart no necesita ningún truco ni reinterpretación especial y estas actuaciones se destacan simplemente debido a su maestría musical impecable y a su instrumental virtuoso.

Nuestro veredicto: Altamente recomendable.

Hemos preparado una selección de las grabaciones recomendadas del pianista Alfred Brendel, todas bajo el sello de Philips excepto donde esté indicado:

Beethoven: Sonatas para Piano (completas), 10 CDs. Lo mejor de sus tres grabaciones integrales; lecturas perceptivas e intensas que reflejan la dedicación y devoción del pianista.

Beethoven: Los cinco Conciertos para Piano, 3 CDs. Brendel hizo cuatro grabaciones de los conciertos de Beethoven, todos marcados por un rigor intelectual basado en la teoría. Pero el mas espontáneo es el concierto grabado en 1983, con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de James Levine.

Haydn: 11 sonatas de piano, 4 CDs. El cuidadoso estudio que Brendel aplicó a estas maravillosas piezas lo liberó a explorar sus caprichos, sus delicadezas y su riqueza y variedad artística.

Schubert: Sonatas para Piano, d. 784, 840, 894, 959, 960; 2 CDs. La mirada en constante renovación que siempre ha mantenido joven la forma de tocar de Brendel apunta a estas irresistibles interpretaciones.

Mozart: Conciertos para Piano (completos), 12 CDs. Mozart: Sonatas para Piano. El Mozart de Brendel alardea una claridad cristalina y un agudo final pianístico que confecciona a medida un fastidioso estilo de su elemento.

Schubert: “Winterreise” (Decca). Es uno de las pocas grabaciones de Brendel como líder acompañante, junto al esplendido barítono alemán Matthias Goerne, un colega de buena mente, espíritu y talento musical.

Schoenberg: Concierto para Piano (con los conciertos de violín de Schoenberg y Berg) (DG). Brendel introduce la enredada obra maestra del siglo XX en tres continentes, y la expone aquí con tremenda autoridad, elegantemente acompañada por Rafael Kubelik y la Sinfonia Bávara.

¿Recuerdan el piano Borgato de dos teclados, o mejor, de dos pianos? Bueno, aquí nos han avisado desde Italia que han subido algunos videos. En el siguiente podemos ver a la pianista Patrizia Cavinato interpretando el preludio número 6 de Bach.

En el siguiente podemos ver al pianista Mirco Bruson interpretar de Robert Schumann, la pieza opus 56 número 1.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827) ocupa un lugar especial en la historia de la música. Sólo Bach o Mozart podrían ser comparados con su popularidad hoy en día. Su música es ampliamente conocida, incluso por aquellos que no son considerados aficionados a la música clásica. Recordemos que hace poco hablamos de las variaciones Diabelli. Uno de sus trabajos más grandes y más conocido es su Novena Sinfonía, comparable a la sinfonía Eroica, que contiene su melodía popular conocida como “Oda a la alegría”. Este impresionante trabajo marca el final de la escritura sinfónica de Beethoven; ¿o no? ¿Escribió Beethoven en verdad diez sinfonías?

Beethoven fue conocido por su propensión de pasar por muchos borradores antes de producir un producto final. Una mirada a cualquiera de sus partituras originales nos mostrará numerosas notas tachadas y melodías re-escritas. Como resultado, existen muchos bocetos desde que murió en marzo de 1827, pero muy pocos de ellos fueron etiquetados, y ¿como podría uno encontrar una sinfonía que supuestamente no existe?

El Dr. Barry Cooper, un musicólogo y estudiante de Beethoven, se decidió a principios de 1980 para encontrar algunas pruebas de este trabajo sin precedentes. “Yo no estaba buscando un Décima Sinfonía. Yo estaba buscando una”, dijo. Leyendo una descripción del trabajo de Karl Holz, un amigo de Beethoven que había escuchado los inicios del trabajo tocado en el piano por el propio Beethoven, conocía el trabajo iniciado con una introducción en la clave Mi bemol y seguida por un Allegro en Do menor. Fiel a la descripción, Cooper encontró bocetos que coincidían con la misma!

Aunque se había hecho un descubrimiento emocionante, era sin dudas el descubrimiento de una obra incompleta. Sólo alrededor de 250 compaces para un primer movimiento podrían ser unidos entre sí, y sólo existieron ideas de lo que habría sido el resto de la obra. Además, no se pude establecer un orden claro, y trabajar con fragmentos de armonías es difícil. Aún así, el doctor Cooper unió los fragmentos disponibles para formar un primer movimiento. Usando a las técnicas de componer normales Beethoven, logró completar la sección inicial de la Décima Sinfonía. “El objetivo… era acercarse lo más posible a lo que el compositor pretendía, sin dejar de ser consciente de que el éxito completo fue inalcanzable”.

Esta fascinante pieza musical fue estrenada en 1988 por la “Royal Philharmonic Society”, el grupo al que Beethoven le había ofrecido su Décima Sinfonía sólo días antes de su muerte! Como era de esperar, los críticos se mostraron escépticos y la actuación en si misma recibió mucha exageración de los medios. Aún así, el doctor Cooper consideró a la actuación un éxito. Una grabación de la pieza está disponible en los clásicos IMP (PCD 911) con Wyn Morris conduciendo a los miembros de la “Orquesta sinfónica de Londres”.

El asombroso conjunto de “Piezas líricas” de Grieg, comprende diez volúmenes de miniaturas para piano escritas desde 1867 hasta 1901 y es único en el catálogo. Los primeros, Opus 12, son bastante fáciles como para familiarizarse con cada estudiante de piano que intente aprender el instrumento. Pero, a medida que los números de opus aumentan, se van volviendo mas difíciles, y sólo los virtuosos mas finos son capaces de negociar las demandas técnicas y musicales de los últimos volúmenes.

Rara vez la oímos completa, aunque varias discográficas como Naxos y BIS ofrecen la música completa de piano del compositor, y RCA publicó la completa de Grieg en siete CDs con Gerhard Oppitz por sólo $ 28 dólares, sin duda una ganga de enormes proporciones. Pero, curiosamente, es cuando los maestros reconocidos tocan esta música que los resultados son los más gratificantes.

No estoy seguro de que Hideyo Harada pueda ser colocada en esa categoría, aunque ella no es una pianista fácil de digerir, y sus credenciales de Griega son puestas en pantalla completa en este recital. Ella trató de organizar las piezas seleccionadas de todos los libros, en un orden dramático, teniendo en cuenta la forma y las transiciones en el mix seleccionado. ¿Esto funciona? Supongo que si a un punto, aunque yo no lo haría. Cualquier otro mix puede funcionar igual de bien, pero ella es suficientemente generosa como para darnos un tercio de las piezas, y su SACD (Super Audio CD) es espectacular en su realismo, haciendo plena utilización de los altavoces para envolvernos con el sonido.

Interpretativamente, ¿qué tenemos que hacer con esto? Hice una comparación con un número favorito, el Scherzo Opus 54 Nº 5, utilizando a Leif Ove Andsnes (Virgin) y a Emil Gilels (DGG) como puntos de referencia, en parte porque estas dos grabaciones son reconocidas como primeras inter pares entre los aficionados. Pienso que Harada iguala el esfuerzo de Andsnes—el sonido Virgin Classics es algo liviano en los bajos, y aunque Andsnes evite mas a Gossamer, Harada es mas clara y mas articulada. Gilels es otra historia; mas recordado tal vez como el intérprete más grande de esta música (y sólo debido a su disco DGG), uno puede percibir fácilmente que es lo que lo separa. La articulación y el pensamiento que va en esta lectura es más profunda y compleja; él piensa acerca de cada nota y de cada frase, y hace pequeños cambios de palabras de frase en frase, a fin de animar su interpretación. Es evidente que él realmente se preocupa por esta música, y eso es lo que le da su mérito.

Pero no puedo cambiar a Harada por su esfuerzo en un sonido excelente, ya que siempre hay lugar para una buena interpretación. Si no conoce esta música, Gilels esta en primer lugar, y si se desea una segunda opinión en este sonido envolvente, Harada debe ser, sin duda, su elección.