Pianored música y pianos

Hemos preparado una selección de las grabaciones recomendadas del pianista Alfred Brendel, todas bajo el sello de Philips excepto donde esté indicado:

Beethoven: Sonatas para Piano (completas), 10 CDs. Lo mejor de sus tres grabaciones integrales; lecturas perceptivas e intensas que reflejan la dedicación y devoción del pianista.

Beethoven: Los cinco Conciertos para Piano, 3 CDs. Brendel hizo cuatro grabaciones de los conciertos de Beethoven, todos marcados por un rigor intelectual basado en la teoría. Pero el mas espontáneo es el concierto grabado en 1983, con la Orquesta Sinfónica de Chicago bajo la dirección de James Levine.

Haydn: 11 sonatas de piano, 4 CDs. El cuidadoso estudio que Brendel aplicó a estas maravillosas piezas lo liberó a explorar sus caprichos, sus delicadezas y su riqueza y variedad artística.

Schubert: Sonatas para Piano, d. 784, 840, 894, 959, 960; 2 CDs. La mirada en constante renovación que siempre ha mantenido joven la forma de tocar de Brendel apunta a estas irresistibles interpretaciones.

Mozart: Conciertos para Piano (completos), 12 CDs. Mozart: Sonatas para Piano. El Mozart de Brendel alardea una claridad cristalina y un agudo final pianístico que confecciona a medida un fastidioso estilo de su elemento.

Schubert: “Winterreise” (Decca). Es uno de las pocas grabaciones de Brendel como líder acompañante, junto al esplendido barítono alemán Matthias Goerne, un colega de buena mente, espíritu y talento musical.

Schoenberg: Concierto para Piano (con los conciertos de violín de Schoenberg y Berg) (DG). Brendel introduce la enredada obra maestra del siglo XX en tres continentes, y la expone aquí con tremenda autoridad, elegantemente acompañada por Rafael Kubelik y la Sinfonia Bávara.

El músico de 41 años ha escrito y lanzado una venta internacional de su álbum y ha sido nombrado uno de los mejores artistas independientes del país. Pero todo esto comenzó menos de dos años atrás con un serio golpe en la cabeza. “Aún estoy fascinado con el proceso entero”, explicó Amato. “Aún no logro entenderlo del todo”. Antes del accidente, Amato estaba trabajando en “America corporativa”, y era dueño de unos pequeños negocios. Pero un viaje a su ciudad natal en Dakota del sur cambió su vida permanentemente.

Amato estaba nadando con unos pocos amigos y en cierto momento realizó un salto de cabeza. No recuerda mucho de lo que ocurrió después, excepto que golpeó su cabeza con el fondo de la pileta- muy fuerte. “Yo sabía que me había golpeado lo suficientemente fuerte como para que fuera considerado como golpe serio”, dijo. Durante las próximas dos semanas, Amato yació inconscientemente en una habitación de hospital con una tumefacción cerebral. Cuando despertó, se dio cuenta que había perdido parte de su memoria y un poco de audición. Pero se recuperó prontamente y a los pocos días salió del hospital. Aproximadamente unas dos semanas después, Amato fue de visita a la casa de un amigo. Allí, se sentó al piano de su amigo simplemente por el hecho de hacer algo. En ese momento, Amato comenzó a tocar una canción que estaba componiendo mientras tocaba. “Realmente no había evolución alguna en cuanto al modo de interpretación, este fue bastante fluido desde la primer nota en adelante”. Pero, lo increíble de esta anécdota es que Amato confesó nunca haber tocado un piano antes en su vida. “Realmente no sabíamos qué pensar de la situación,” dijo Amato, quien continuó tocando aquel día durante unas siete horas sin parar.

Posteriormente, cuando cogió una guitarra, se dio cuenta de que sus habilidades con otros instrumentos se habían incrementado también. Si bien el había estudiado guitarra en el pasado como pasatiempo, Amato dijo que sus nuevas habilidades le ayudaron “simplemente a tocar muy bien”. Sin otra explicación, Amato adjudicó sus nuevos talentos al golpe ocasionado en la pileta tan sólo unas semanas antes.

“Yo se que se ha aflojado un buen tornillo en mi cabeza—tal vez el tornillo correcto” dijo. “Y que ha desencadenado algo”. Incluso su novia, Jennifer Dyke, necesitó verlo para creerlo, según nos dijo. “Creí que era una broma. No le creí realmente”, dijo Dyke, quien ha tocado el piano desde los 4 años. “Y luego lo vi tocar, y toca mejor que lo hago yo luego de toda una vida de estudio”.

Sin ningún tipo de entrenamiento formal, Amato no lee o escribe música. En lugar de ello, dice que siente los tonos de la música para escribir y puede, generalmente, memorizar el tono de la nota para la próxima vez que toque. “Yo lo he visto tocar, y realmente, tiene todo memorizado”, nos contaba Dyke. “El puede tocar algo y luego recordarlo y tocarlo nuevamente.” En compañía de dicho talento, Amato decidió tomarse un descanso de la vida corporativa que llevaba para ver hacia dónde podía llevarlo el ámbito musical.

“Yo quería tocar música para ganarme la vida”, dijo. Inmediatamente, Amato comenzó a trabajar en su primer álbum instrumental llamado “Full Circle” (Círculo completo). Hacia comienzos del 2007, aproximadamente seis meses después de su lesión, Amato fue nombrado el “Artista independiente del Año” por la Asociación de Artistas Independientes de Los Ángeles. Ahora Amato tiene su propio manager personal y se encuentra finalizando su segundo álbum, que el describe como pop-rock cristiano, al igual que un tour a lo largo de la nación.

“Mi meta es tocar a tantas personas como pueda mientras dure”, dijo nuestro músico, quien espera iniciar actos nacionales. “Puesto que tal vez me levante mañana y ya no posea este don”. Los doctores no han podido explicar exactamente lo que ocurrió en el accidente que desencadenó en este milagro musical, dijo Amato. Pero mirando hacia atrás, él no lamenta su dolorosa caída. “Dios decidió darme un don a los 40 años”, dijo posteriormente, y añadió: “Simplemente no quiero volverme a golpear la cabeza nuevamente para comprobar si perderé o no mi don.”

La corporación japonesa de Yamaha ha estado haciendo pianos por mas de 100 años (negros, hermosos, majestuosos, elocuentes pianos con dueños como Rufus Wainwright, Chick Corea y Jaime Cullum, entre otros pianistas importantes). Y a su vez, desde 1955, el grupo de Yamaha se ha estado ocupando de fabricar motocicletas de todos los colores y potencias, las cuales han utilizado a lo largo de los años corredores como Kenny Roberts, Barry Sheene, Valentino Rossi, entre otros. Estos dos mundos usualmente se mantenían distantes, hasta que apareció James Toseland.

Toseland es un bicampeón mundial de carreras, quien fue reconocido el año pasado en la entrega de premios por la personalidad deportiva del año, realizado por la BBC, ya que eligió un taburete de piano en vez de la silla de su motocicleta, para salir a tocar con la Orquesta de la BBC. La votación telefónica lo llevo del puesto número 10 al número 2; terminando casi cuarto, detrás del boxeador Ricky Hatton.

“Nunca acostumbré tocar en frente de nadie, ni siquiera familiares y amigos”, dijo Toseland durante la pretemporada del circuito Jeréz, en España. “Cuando vas a 320 km por hora pasando a 100 mil personas y teniendo un casco puesto, y obviamente teniendo que concentrarte, no importa quien está mirando. Pero cuando hay que salir a un escenario y tener a 200 personas mirando fija y atentamente, como diciendo: “Vamos, diviérteme”, es una presión algo distinta, que al principio no me gustaba nada”.

Pero hay algo más en esta humilde presentación. Toseland es un notable cantante, además de pianista, en la banda poco comercial Crash, quienes a menudo hacen canciones de Bon Jovi y Guns N’ Roses.

Desde este fin de semana, su preciada posesión, un piano de cola Steinway, reunirá abundantes personas en su isla, ya que ahí es donde volverá a tocar en repetidas ocasiones. “Voy a estar afuera durante 260 días, y sé perfectamente lo que voy a hacer desde hoy hasta el primer día de Noviembre. Hay mucho ajetreo, pero la vida debe estar organizada, no hay mucho espacio ni tiempo para hacer las cosas”. Al menos 15 presentaciones están planeadas para ese corto período de tiempo.

Fueron quinientos alumnos de piano de la Universidad de West Chester, con el fin de, por palabras de un alumno, “ser criticados”.

Los estudiantes tuvieron la oportunidad de tocar dos obras de memoria, y recibir una crítica de su interpretación de uno de los doce jueces. “El evento no es una competencia”, tal como aclaró la organizadora del evento, Mary Hood. “La única verdadera competencia que los alumnos tienen es con ellos mismos”, dijo.

También afirmó que habría cuatro tipos de cintas para premiar a cada estudiante según su desempeño, correspondiendo las de color azul a las mejores interpretaciones, y las de color verde a las menos logradas. “Realmente querían la cinta azul” bromeó Hood. “Si quieres crear confianza en tu habilidad de hacer algo tú mismo, esta es la oportunidad perfecta”.

Para que los alumnos participen en el festival, debían estar nominados por sus profesores, quienes a su vez debían ser miembros del grupo de profesores que patrocina el evento. Y son los profesores (no los jueces) quienes continúan las críticas con los alumnos. “Aunque sean los profesores quienes interpretan las críticas de los jueces, el festival les da a los estudiantes la oportunidad de escuchar una segunda opinión” dijo Hood. “Ellos lo saben, no es solamente la Sra. Hood quien te dice hacer esto y aquello”.

Hood, profesora de piano en su domicilio, declaró que el evento también otorga a los profesores la oportunidad de, al ver como sus estudiantes se desempeñan, entender como sus métodos pedagógicos funcionan y como se diferencian y asemejan a los de otros instructores.

Interesante método para aplicar por escuelas y conservatorios.

Los pianistas que hacen recitales solos parecen tener trabajo duro. Mueven sus hombros de arriba abajo y sacuden sus brazos, presionan y hasta golpean las teclas, pero siempre manteniendo una expresión tan constante en sus rostros que seria posible olvidar que lo hacen por diversión.

Chick Corea, por otro lado, realmente disfruta sus conciertos de piano. No es solo su genial y comunicativa personalidad que mantiene en el escenario, hablando y divirtiéndose con el público como si fuera una reunión de amigos en un cuarto con un piano; hay algo mas importante acerca del enfoque de Corea hacia la música.

Temprano en su show solista, Corea anuncia que va a interpretar algunas melodías de Thelonious Monk. Dadas las diferencias en sus formas de tocar, nadie podia esperar que Corea suene de la misma forma que Monk.

Pero Corea fue mas allá de eso, alejando notablemente las melodías de Monk de sus lecturas originales. Un blues Monk, el cual los músicos de jazz tratarían como lento, un blues torcido, se transformó en un abstracto boogie-woogie en las manos de Corea. Claramente fue más Corea que Monk, pero el pianista mostró elementos que otras interpretaciones nunca ofrecerían.

En escencia, Corea enseñó como escuchar nuevas melodías, un ejercicio que repitió toda la tarde del show. Su inusual forma romántica renovó por completo las piezas de Monk, y a su vez realizó Vals para Debby (en un tributo a Bill Evans, mas tarde en el show) en una astuta reversión, estableciendo el tema en tiempo comun antes de cambiarlo a vals para la improvisación (la grabación original de Evans lo hace al revés).

Hubo momentos en los que Corea interpretó segmentos de música clásica, evocando a artistas como Debussy y Ravel. Sin embargo, cuando Corea se focalizó en el repertorio clásico actual, incluyendo selecciones de los preludios de Alexander Scriabin, su confianza en la destreza como solista fue insuficiente para sacarle brillo y sombra a las piezas (aunque su improvisación en el preludio no. 4 fue brillante).

A pesar de todo, Corea dejó en claro desde el principio que interpreta las piezas por diversión, introduciéndolas con un chiste: “Bienvenidos a mi sala de ensayo”. Y de hecho, al final de un show de casi tres horas, organizó un juego en la audiencia para cantar en una parte de “But Beautiful”, “On Green Dolphin Street” y “España” (que se muestra en el video que sigue). No sonaría exagerado afirmar que muchos de los espectadores volvieron a sus casas con aire de triunfo.

O Fortuna de Carmina Burana por Carl Orff
Por lejos es la más consultada sobre el trabajo clásico, O Fortuna se toca en cientos de películas, programas de televisión, comerciales y otras formas de medios de comunicación. Muchos de los que escucharon esta famosa pieza pueden tararear la melodía y, a veces, la describen como inquietante, atrapante y grandiosa. O Fortuna es el movimiento de apertura de Carmina Burana de Carl Orff, un trabajo para una gran orquesta, coro y vocalistas solistas. Se la puede escuchar en la película 300 y en el siguiente video.

Rapsodia Húngara número 2 en en Do sostenido mayor por Franz Liszt
Cuando escuché esta pieza para lo que pensé que era la primera vez, me sorprendí por lo familiar que me era. Después de escucharla varias veces más, de repente me golpeó… la había escuchado en unos dibujitos de Bugs Bunny hace 15 años. Estaba tocando la pieza en frente de una gran audiencia entre muchas distracciones. No creo que los dibujos animados se sigan haciendo de esa forma. Lang Lang la interpreta seguidamente.

Sous le dôme épais de Delibes
Siendo ya bien conocida, El dúo de la flor de Delibes se hizo cada vez más popular por el uso de la obra de British Airways en una campaña publicitaria reciente. Esta clásica pieza cuenta con un dúo entre una coloratura soprano y una mezzo-soprano.
Esta pieza de Delibes se encuentra también en las películas El presidente americano, Tomb Raider y La familia de mi novia. A continuación una bella interpretación.

George Ives, el padre de Charles Ives, fue un líder de la banda del Ejército de los EE.UU. durante la Guerra Civil Americana. George Ives fue un músico consumado, recibiendo entrenamiento en flauta, corneta, violín y piano. Él enseñó en lecciones privadas y toco en varios shows de viajes. “Mollie” Elizabeth Parmalee, La madre de Charles, dio a luz a Charles el 20 de octubre de 1875 y a J. Moss un año más tarde. George y Mollie se casaron el 1 de enero de 1874.

Ives, influenciado fuertemente por su padre, tomo rápidamente interés por la música en una temprana edad. Estudió piano y órgano con varios profesores. Ives también recibió lecciones informales de su padre, mientras que Charles cantaba en una clave al mismo tiempo que su padre lo acompañaba tocando otra. Cuando Charles tenía 14 años, se convirtió en organista de una iglesia, convirtiéndolo en el organista asalariado más joven del estado. En 1894, después de que Ives comenzara a estudiar en Yale, su padre murió repentinamente de un ataque al corazón.

Cuando Ives entró a Yale, fue un virtuoso en el piano y en el órgano. Sin embargo, debido a su participación en la iglesia protestante y en la música folk americana enseñada por su padre, Ives tenía poco conocimiento en la música clásica. Mientras estudiaba con Horatio Parker, fue estimulado a aprender estilos de música por imitación (como su padre), que pueden ser escuchados en la Sinfonía N º 1 de Ives. Ives también estudió griego, latín, francés, alemán, literatura, matemáticas y ciencia política. Después de graduarse en 1898, Ives eligió un plan de carrera en seguros. Su primer trabajo fue en la Mutual Life Insurance Co en la ciudad de Nueva York. Después de trabajar en otra compañía de seguros, creo su propia compañía, Ives & Myrick, que se convirtió en un gran éxito. En su tiempo libre, el todavía componía y tocaba el órgano en Danbury, Nueva York, New Haven, y Bloomfield. Ives se casó con Harmony Twitchell en 1908. Después de casarse, dejó de tocar el órgano durante los fines de semana (que le permitió tener aún más para componer).

A finales de la década del 20, Charles Ives sufrió una cadena de ataques cardíacos. Lamentablemente, estó desencadenó en el final de su composición. Sin embargo, él siguió revisando y reafinando sus composiciones anteriores. Ives se retiró de los seguros en 1930, y le dedicó su tiempo a la música. Asistió a varios estrenos de sus obras. Continúo trabajando con sus piezas. A Ives le diagnosticaron diabetes y más tarde murió a causa de un accidente cerebrovascular. Harmony donó sus manuscritos a la biblioteca de Yale. Seguidamente la Sonata para piano Número 2 de Charles Ives.

“The Really Terrible Orchestra” está formada instrumentistas no tan confiables que por alguna razón u otra nunca pasaron un cierto nivel de conocimiento. La orquesta fue fundada en Edimburgo, Inglaterra en 1995, por el novelista escocés Alexander McCall-Smith, el residente bajista de la orquesta, su esposa (la flautista), y Peter Stevenson “para alentar a los que fueron impedidos de tocar música, ya sea por falta de talento o por algún otro factor, para tocar la música en compañía de otras personas afectadas de manera similar”. Inspirado en las orquestas de las escuelas de sus hijos, McCall-Smith y Stevenson salieron a buscar una orquesta amateur con la que pudieran tocar. Los esfuerzos de McCall-Smith y Stevenson no dieron resultado ya que no pudieron encontrar una orquesta para unirse.

En su lugar, pusieron anuncios en varios diarios buscando músicos amateurs para formar su propia orquesta. La respuesta fue abrumadora. Después de contratar a un director de orquesta real, Richard Neville Towle, la “Really Terrible Orchestra” ya era oficial. Su primer concierto, dado a una pequeña multitud, fue un gran éxito que reunió risas y aplausos. Desde entonces, la “Really Terrible Orchestra” se convirtió en una orquesta destacada regularmente en el Festival Fringe de Edimburgo, uno de los festivales de arte más grande del mundo.

A comienzos del 1800, un editor musical llamado Anton Diabelli escribió un vals e invitó a los mejores compositores de Viena para que crearan una variación de éste para su posterior publicación. Según dice la leyenda, todos aceptaron la propuesta a excepción de Beethoven, quien inicialmente consideraba la composición de Diabelli vulgar e insignificante. Pero eventualmente se obsesionó con ésta y compuso 33 variaciones, trabajo que le tomó aproximadamente tres años en finalizarlo. En el siguiente fragmento podemos apreciar a Maurizzio Pollini interpretando algunas de ellas.

El tema de Diabelli ha sido criticado por su previsible falta de imaginación y repetición. Está dividido en dos frases de 16 compases, cada una con su repetición exacta. El trabajo original dura aproximadamente 45 segundos, pero las variaciones de Beethoven duran entre 45 minutos y más. En la interpretación de Moisés Kaufman, podemos ver a Beethoven buscando todas las posibilidades que podía ofrecer el vals. La pianista Diane Walsh interpreta dicha música de un modo tal que parece meterse en la cabeza del compositor mismo.

Un tercer personaje, la musicóloga Catherine Brandt, está estudiando las libretas de apuntes de Beethoven en los archivos Bonn. Ella se encuentra terminalmente enferma y desesperada por resolver el acertijo de la fascinación de Beethoven.

“Es realmente una pregunta sobre inspiración… ¿Qué es lo que Beethoven vio exactamente en esos 32 compases de nada?” dice Kaufman. “Siempre dije que sería como si Philip Glass descubriera una canción de Britney Spears y decidiera pasar los siguientes cuatro años de su vida estudiando y haciendo variaciones de dicha canción.” Kaufman consultó con varios de los más respetados eruditos de Beethoven, sobre los cuatro años que pasó investigando y trabajando con el vals de Diabelli. “Lo importante en una excavación arqueológica no son sólo los objetos encontrados, sino mirar la excavación misma, y ver dónde cada pala toca el suelo”, dice Kaufman. “Todas los hoyos son parte de las cosas que fueron rescatadas”.

‘No me hago problema por la tecnica cuando toco’.

Lang Lang, de 25 años, es de Shenyang, China. Va a desempeñar un recital solista en The Bridgewater Hall en Manchester el 21 de Enero as como parte de una serie de conciertos internacionales. La siguiente breve entrevista nos brinda algunas claves sobre el pianista.

Si no estuviese hablando con vos ahora, estaría…
Durmiendo.

Una frase que uso bastante seguido es…
“Ve por eso!”. Molesta a mucha gente a mí alrededor.

Ojala toda la gente tome más noticias de los…
Niños. Cuando termine mi carrera, tengo el deseo de enseñar piano a los niños pequeños. Son muy importantes.

La cosa mas sorprendente que me paso fue…
Un tiempo atrás recibí una llamada telefónica de la Orquesta Sinfónica de Chicago diciendo que me necesitaban para reemplazar a uno de sus pianistas. La actuación era tan pronto luego de la llamada que no estaba preparado para la misma.

Una percepción errónea de mi es…
Mucha gente escucha mi música y asume que debo tener una buena técnica. Pero no le doy mucha importancia a la técnica cuando toco. Pienso que la música esta primero, y una vez que tenes la habilidad de tocar, no te tenes que preocupar por la técnica.

No soy político pero…
Los niños deberían ser definitivamente una prioridad principal para los políticos. Los niños son el futuro, después de todo. Creo fuertemente en esto.

Soy bueno en…
El Piano, obviamente. Pero pienso que soy un buen comunicador. Puedo contar historias y hablarles a los niños. También creo que me puedo comunicar a través de la música.

Soy muy malo en…
Matemáticas. Odio todo lo que tenga formula o una respuesta. Me gusta ser liberal en todo lo que hago, que es el motivo por el cual amo a la música – es muy expresiva.

La salida nocturna ideal es…
Ir al cine. Me gustan las noches tranquilas.

En momentos de debilidad me…
Enojo.

Me conoces como músico, pero en la vida real fui…
Un jugador de ping-pong.

La mejor edad es…
La edad que tengo ahora. Soy un buen tipo. Soy un joven pero maduro, fresco y energético y curioso sobre el mundo.

En pocas palabras, mi filosofía es…
Tener un balance en la vida.

En el video que sigue lo vemos tocando a Mozart. ¿Se animan nuestros lectores a decir que pieza de Mozart se encuentra tocando Lang Lang?

1. Dominio: Escalas, tríadas, acordes y arpegios no son ejercicios autónomos sino que son los ladrillos de construcción para crear música, aunque ningún compositor te diría eso. Saber cómo tocar dichos “ladrillos musicales” simplificará el proceso de aprendizaje y comprensión de cualquier melodía con que te encuentres. Por ejemplo: ese pasaje de escala en la sonata de Beethoven te será mucho más fácil de incorporar a tu interpretación si ya has aprendido y dominado la escala relevante y su digitación.

2. Claridad: ¿Haz oído últimamente un arpegio de 4 octavas perfectamente ejecutado? Cada vez se vuelven menos y menos frecuentes. Pasar tiempo practicando estos ejercicios técnicos te podrá enseñar a escuchar al detalle para desarrollar un agudo sentido de conciencia que te permitirá “estar” el momento en que vayas a interpretar algo, es decir te permitirá estar consciente del lugar en el que estás y qué es lo que estás haciendo.

3. Comodidad: La técnica del piano no es sólo un juego de precisión, sino que también se basa en la incorporación y unificación de un gran número de conceptos físicos. ¿Te sientes cómodo cuando tocas? ¿Dónde se encuentra la tensión? ¿Algo te duele? El trabajar con tu maestro en resolver estos problemas por medio de la técnica puede resultarte muy útil para el resto de tu carrera.

4. Creatividad: El mito más común de aprender cualquier técnica del piano es que es aburrida. En realidad, parte del trabajo del maestro es introducir una dosis diaria de diversión en la práctica del alumno para que ésta le resulte gratificante, y no al revés. ¿Por qué no combinar los básicos ejercicios técnicos con el aprendizaje de conceptos musicales? A continuación presentamos algunas ideas para el maestro desorientado:

• Variar los dinámicos, de pp a ff, jugando con el crescendo y el diminuendo.
• Modificar las articulaciones: pruebe que su alumno intente tocar escalas con diferentes articulaciones y combinaciones de las mismas.
• Cambiar el orden: acomode el orden de los ejercicios según el tipo (por ej: escalas de octavas, tríadas, etc), clave. Haga que su alumno las toque todas y anote las dificultades; trabaje sólo en aquellas dificultades que se repitan con frecuencia.

5. Confianza: Es la noche de la presentación y estás esperando detrás del escenario. Entonces te preguntas: ¿He hecho mi trabajo? Si tu respuesta es no, probablemente experimentes el miedo genuino asociado con la ansiedad escénica y ello no es muy divertido. Por lo tanto es esencial que tengas confianza en lo que has podido aprender hasta el momento para que puedas salir al escenario y dar todo de ti sin que el miedo te lo impida.

Dos músicos excepcionales que ejercen su carrera dentro del ámbito del jazz han interpretado el concierto para piano K365 de Mozart. Hablamos de Keith Jarrett y Chick Corea que en forma conjunta brindaron un bello espectáculo. Seguidamente el primer movimiento:

El segundo movimiento:

El tercer movimiento:

Quinientos cincuenta y cinco pianos fueron tocados simultáneamente en Incheon, batiendo el récord del mayor conjunto de pianos del mundo en interpretar paralelamente una melodía. La ciudad de Incheon realizó el evento en el Gimnasio Mundial Samsan el domingo pasado para conmemorar a los participantes de la ciudad portuaria frente a los juegos Asiáticos 2014. El concierto fue esponsoreado por Young Chang y Kurzweil, siendo China la mayor nación manufacturera de pianos.

“Organizamos el Festival Fantástico de 555 Pianos para felicitar al equipo que se presentará en los Juegos Asiáticos 2014 y para desear el desarrollo de Incheon”, dijeron el oficial del gobierno de la ciudad y el fabricante de pianos. Dijeron además que el número 555 simbolizaba la bandera olímpica con sus cinco anillos.

En el centro del estadio gimnástico, se colocaron dos grandes pianos en un escenario diseñado con forma de “taegeuk”, el círculo del yin y el yang dividido por una línea ondulada, lo cual simboliza la perfección y la armonía. El resto de los pianos y sintetizadores fueron distribuidos en cuatro secciones.

Bajo la batuta de Lee Sun hijo, 555 estudiantes de música avanzados, de 12 universidades, tocaron los pianos simultáneamente; su interpretación abarcó desde la música clásica hasta el pop coreano. El fabricante de pianos filmó el concierto y planea presentar la grabación al libro Guiness de Récords Mundiales, para que el evento sea aprobado como el concierto cerrado más grande del mundo.

Bella y jugada versión de “El vuelo del moscardón” de Rimsky-Korsakov tocada por este grupo de jóvenes pianistas en cinco pianos en simultáneo.

El piano realmente alcanzó su apogeo durante el 1800. Si bien Cristofori había inventado el pianoforte a inicios del 1700, la revolución industrial hizo que la producción de pianos fuera mucho más sencilla entrado el siglo XIX, y las mejoras en el mecanismo del instrumento incrementaron las capacidades sonoras del mismo. Por ejemplo, la invención del pedal introdujo sustento resonante a la paleta artística (y cualquiera familiarizado con Chopin comprende la importancia del pedal en sus composiciones). Una larga lista de compositores, tales como Schubert, Chopin, Schumann y Beethoven expandieron enormemente la literatura pianística, mientras que otros como Listz, se volvieron famosos por su deslumbrante virtuosidad técnica con el instrumento. Probablemente debido a que los modelos Barrocos y Clásicos del teclado eran incapaces de un sustento prolongado, la preferencia por las largas líneas líricas destacó a muchas piezas románticas.

Durante el siglo XX, un interés retornó en las capacidades de percusión del piano. Bartok utilizó el piano rítmicamente. Otros tales como Cage o Cowell exploraron métodos alternativos de obtener sonidos inusuales de instrumentos comunes. Por ejemplo, ambos compositores experimentaron producir sonido al golpear cuerdas que tuvieran diferentes objetos entre ellas.

Emanuel Ax: Este pianista nacido en Polonia, y establecido en Canadá, viaja actualmente alrededor del mundo. Comenzó con su último CD de Brahms (una colección de dos conciertos para piano, Op. 15 y 83, dos rapsodias, Op 79, y dos sets de tres intermexxos, Op. 117 y 119). También posee un álbum de trabajos de Chopin, interpretados en un piano histórico. Aquellos que desean música más contemporánea pueden experimentar con su álbum de Shostakovich o escuchar Century Rolls.

Andre Previn: No solamente un pianista talentoso, Previn ha compuesto también para películas y óperas, incluyendo una puesta en escena operística de “A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo)” de Tennessee Williams. Entre sus interpretaciones pianísticas se incluyen tríos de Mozart y colaboraciones con la violinista Anne-Sophie Mutter. Con un ávido interés en la música jazz, Previn ha grabado también varios álbumes de Gershwin, Duke Ellington, y otros grandes del jazz.

Wilhelm Kempff: Tajante y elocuente, Kempff exhuda un enfoque erudito en sus interpretaciones. Si deseas una introducción al set completo de las sonatas de Beethoven, deberías comenzar con las grabaciones de Kempff. También son de una inmensa calidad sus interpretaciones de las sonatas de Schubert y las variaciones Goldberg de Bach.

La familia Mozart, siendo este apenas un niño, se decidió a realizar una gira de 3 años alrededor de Europa, la cual comenzó en Junio de 1763 cuando Wolfgang Amadeus Mozart tenía 7 años. Leopold Mozart deseaba presentar a sus hijos, Nannerl y Wolfgang, en las cortes de Europa. La gira completa duró hasta el 29 de Noviembre de 1766.

Leopold Mozart esperaba que el talento de sus hijos como prodigios fuera reconocido, recompensado, y tal vez, que se le confiriera el estatus que ellos merecían. Los puntos destacados de esta gira son los que siguen:

> El 9 de Junio de 1763, cuando el pequeño Wolfgang tenía 7 años, la familia Mozart partió de Salzburgo en un viaje alrededor de Europa. Pararon en Munich, Augsburgo, Ludwigsburgo, Schwetzingen, Mainz, Frankfurt, Coblenz, Aix-la-Chapelle, Bruselas, París y Versalles.
> El 18 de Noviembre de 1763, la familia Mozart llega a París. Fue este mismo año en el que Mozart comenzó a componer gran cantidad de sonatas para violín.

En 1764, Mozart tenía 8 años. La gira continuó con más presentaciones para la realeza: el Rey Louis XV de París y el Rey George III de Londres.

> El 1 de Enero los dos jóvenes Mozart fueron presentados durante la cena en la corte francesa. Madame de Pompadour (la amante del rey) permaneció un poco distante, a pesar de que el resto de la familia los trató muy amablemente. Leopold Mozart recibió 1200 libras, o cincuenta louis de oro, por el espectáculo.
> En Marzo, Mozart dedicó sus dos Sonatas Opus 1 a la Princesa Victoria, segunda hija del Rey de Francia.
> El 10 de Abril de ese mismo año, la familia deja París para partir rumbo a Londres, ciudad a la que llegaron el 23 de ese mes. Fue allí donde el joven Mozart conoció a J. Christian Bach (onceavo hijo de J. Sebastián Bach) y compuso su primera sinfonía.
> El 27 de Abril, Wolfgang y Nannerl tocaron ante el Rey George III y la Reina Charlotte, por lo cual su padre recibió 24 guineas. Los Mozart fueron recibidos nuevamente el 19 de Mayo y el 25 de Octubre.

Durante ese año Mozart compuso más sonatas para violín, pero también se hizo un tiempo para escribir su primera sinfonía, como ya hemos mencionado; fue en esta época también, cuando sus primeras piezas musicales comenzaron a ser publicadas.

La obra para clave de Bach posee notable puntos culminantes entre los que podemos hallar el preludio y fuda en Do sostenido menor que en esta ocasión interpreta el pianista Konstantin Soukhovetski.

Un festival de música campestre ha sido recompensado con la donación del piano más elitista del mundo, luego de que su piano nuevo de U$S 45.000 fuera destruido (a causa de un mal transporte) por el hombre responsable de su entrega. Los organizadores del Festival Two Moors en Molton del Sur, Devon, Inglaterra, han pasado dos años reuniendo los fondos para comprar un piano Bosendorfer sólo para verlo hecho añicos en el suelo a su llegada.

Recientemente les han donado un piano Bosendorfer modelo Imperial de Concierto (de un valor aproximado de U$S 85.000) para el festival, que comenzará el 12 de octubre.

La organizadora del festival, Penny Adie dijo “Es demasiado bueno para ser verdad”. “Nunca en la historia de la compañía se ha donado un piano de este valor a ningún individuo u organización”.

El piano fue trasladado desde Austria por el staff de Bosendorfer, fábrica de pianos fundada por Ignaz Bosendorfer, y entregado el viernes pasado. La señora Adie dijo: “Ellos hicieron una entrega a las corridas y muy tranquila y eficientemente movilizaron el piano sin que sufriera ningún rasguño”. “Este es el piano más espectacular del mundo. Es un instrumento tan inmaculado que no puedo creer que se encuentre aquí”. Luego miró con ojos llorosos cómo el piano estaba siendo probado por el concertista Tom Poster.

Alrededor de 100 partidarios del Festival Two Moors habían recaudado dinero para el piano original. Las reclamaciones por el daño al instrumento original aún no han sido resueltas. El festival Two Moors fue montado en el año 2001 para traer de regreso a los turistas a Dartmoor y Exmoor luego de la crisis. En él se dará una serie de eventos musicales que durará 10 días, y se llevará a cabo en el mes de octubre.

¿Se acuerdan del piano de gatos que mencionáramos hace unos meses? No se trataba de gatos pianistas sino de un singular piano construido por un tal Kircher el cual pellizcaba a un gato cada vez que una tecla era presionada. De esta manera se producía una singular melodia. En el siguiente video se puede apreciar como habría sido el intrumento.

Un recientemente descubierto concierto para piano, el cual parece ser uno de los primeros trabajos de Wolfgang Amadeus Mozart, será interpretado por primera vez este mes en Salzburgo, la ciudad natal del compositor. Los expertos creen que la composición, titualada Allegro di Wolffgango Mozart, fue escrita por el niño prodigio en algún momento entre sus 6 y 10 años.

El manuscrito fue encontrado en un libro de música comprado por la arquidiócesis de Salzburgo. Éste contenía otras 118 composiciones, principalmente minuets, preludios y versets de Mozart y otros prominentes compositores.

Según Ernst Hintermeier, el director de los archivos de la arquidiócesis, quien fue el primero en establecer la autoría de dicho manuscrito, la pieza fue escrita por el compositor austriaco entre 1763 y 1766. Teniendo en cuenta que Mozart nació en el año 1756 en Salzburgo, y falleció en 1791 en Viena, comprobamos verdaderamente la presencia de un niño prodigio.

“Este es un descubrimiento maravilloso y una contribución impresionante para el ámbito de investigación de la vida del compositor. Yo lo compré en nombre de los archivos de arquidiócesis a unos dueños privados, quienes no tenían conocimiento alguno de su valor. Luego de una cuidadosa investigación del manuscrito se volvió aparente que contenía una obra entera y desconocida por completo, del joven Amadeus Mozart”, comentó el Dr. Hintermeier al Times. “Fue realmente un descubrimiento emocionante”.