Pianored música y pianos

Frühlingsstimmen (Voces de Primavera) de Johann Strauss II es uno de los valses mas famosos creado por Strauss. Compuesto en 1882, el vals Voces de Primavera de Strauss ha estado cautivando al público desde entonces. El Vals Voces de Primavera fue escrito para incluir a una soprano solista, más probablemente para Bianca Bianchi, una coloratura para una soprano bien conocida y talentosa, durante la época de Strauss. Sin embargo, su debut en Viena fue mal recibido. No fue hasta que el vals fue estrenado en Rusia que obtuvo la atención que se merecía. Poco después, Strauss transcribió el vals Voces de Primavera para piano. Su labor recientemente revisada le hizo ganar una aclamación crítica, y su fama llegó mucho más allá de Viena.

Mientras que no hay pausas ni movimientos en esta pieza musical, el vals puede ser dividido en tres partes de dos pares de valses basados en las ideas musicales presentadas en el trabajo. El primer par de vals, y el más familiar de los tres, comienza en forma tradicional. Su frase declarativa de apertura da paso a su famosa melodía fantástica. A medida que progresa, Strauss introduce su par energético, antes de repetir el tema de apertura. La segunda parte del vals tiene un sonido casi pastoral. Sus melodías gentiles y armonías son un contraste delicioso con el par anterior del vals. Mientras que el tercero sigue siendo el más variado y el menos restrictivo, parece encajar perfectamente dentro del vals. Por último, Strauss re-introduce el tema de apertura para finalizar la pieza.

George Ives, el padre de Charles Ives, fue un líder de la banda del Ejército de los EE.UU. durante la Guerra Civil Americana. George Ives fue un músico consumado, recibiendo entrenamiento en flauta, corneta, violín y piano. Él enseñó en lecciones privadas y toco en varios shows de viajes. “Mollie” Elizabeth Parmalee, La madre de Charles, dio a luz a Charles el 20 de octubre de 1875 y a J. Moss un año más tarde. George y Mollie se casaron el 1 de enero de 1874.

Ives, influenciado fuertemente por su padre, tomo rápidamente interés por la música en una temprana edad. Estudió piano y órgano con varios profesores. Ives también recibió lecciones informales de su padre, mientras que Charles cantaba en una clave al mismo tiempo que su padre lo acompañaba tocando otra. Cuando Charles tenía 14 años, se convirtió en organista de una iglesia, convirtiéndolo en el organista asalariado más joven del estado. En 1894, después de que Ives comenzara a estudiar en Yale, su padre murió repentinamente de un ataque al corazón.

Cuando Ives entró a Yale, fue un virtuoso en el piano y en el órgano. Sin embargo, debido a su participación en la iglesia protestante y en la música folk americana enseñada por su padre, Ives tenía poco conocimiento en la música clásica. Mientras estudiaba con Horatio Parker, fue estimulado a aprender estilos de música por imitación (como su padre), que pueden ser escuchados en la Sinfonía N º 1 de Ives. Ives también estudió griego, latín, francés, alemán, literatura, matemáticas y ciencia política. Después de graduarse en 1898, Ives eligió un plan de carrera en seguros. Su primer trabajo fue en la Mutual Life Insurance Co en la ciudad de Nueva York. Después de trabajar en otra compañía de seguros, creo su propia compañía, Ives & Myrick, que se convirtió en un gran éxito. En su tiempo libre, el todavía componía y tocaba el órgano en Danbury, Nueva York, New Haven, y Bloomfield. Ives se casó con Harmony Twitchell en 1908. Después de casarse, dejó de tocar el órgano durante los fines de semana (que le permitió tener aún más para componer).

A finales de la década del 20, Charles Ives sufrió una cadena de ataques cardíacos. Lamentablemente, estó desencadenó en el final de su composición. Sin embargo, él siguió revisando y reafinando sus composiciones anteriores. Ives se retiró de los seguros en 1930, y le dedicó su tiempo a la música. Asistió a varios estrenos de sus obras. Continúo trabajando con sus piezas. A Ives le diagnosticaron diabetes y más tarde murió a causa de un accidente cerebrovascular. Harmony donó sus manuscritos a la biblioteca de Yale. Seguidamente la Sonata para piano Número 2 de Charles Ives.

“The Really Terrible Orchestra” está formada instrumentistas no tan confiables que por alguna razón u otra nunca pasaron un cierto nivel de conocimiento. La orquesta fue fundada en Edimburgo, Inglaterra en 1995, por el novelista escocés Alexander McCall-Smith, el residente bajista de la orquesta, su esposa (la flautista), y Peter Stevenson “para alentar a los que fueron impedidos de tocar música, ya sea por falta de talento o por algún otro factor, para tocar la música en compañía de otras personas afectadas de manera similar”. Inspirado en las orquestas de las escuelas de sus hijos, McCall-Smith y Stevenson salieron a buscar una orquesta amateur con la que pudieran tocar. Los esfuerzos de McCall-Smith y Stevenson no dieron resultado ya que no pudieron encontrar una orquesta para unirse.

En su lugar, pusieron anuncios en varios diarios buscando músicos amateurs para formar su propia orquesta. La respuesta fue abrumadora. Después de contratar a un director de orquesta real, Richard Neville Towle, la “Really Terrible Orchestra” ya era oficial. Su primer concierto, dado a una pequeña multitud, fue un gran éxito que reunió risas y aplausos. Desde entonces, la “Really Terrible Orchestra” se convirtió en una orquesta destacada regularmente en el Festival Fringe de Edimburgo, uno de los festivales de arte más grande del mundo.

Si te gusta saber la hora y tocar pianos de primera clase, entonces vas a querer el reloj Steinway & Sons para que te ayude a saber en todo momento qué hora es. Un producto solo para fanáticos de la marca, la última gama de relojes caracteriza la forma icónica del piano de cola.

De acuerdo con la compañía: “Hemos puesto mucho cuidado en la selección de los diamantes preciosos en el dial del modelo para damas; recordemos también que el reloj incluye partes de madera de un piano Steinway”. Por el lado de los hombres, el reloj está disponible en oro de 18k blanco, amarillo o rosado y es resistente al agua hasta 30 metros. La edición limitada de 1853 unidades de cada modelo va a costar £6,800. Para las mujeres, el reloj también va a estar disponible en oro de 18k blanco, amarillo o rosado y va a contar con 140 diamantes, puestos a mano. También va a costar £6,800. Algo mas caro que algunos modelos de pianos Steinway.

Ludwig Van Beethoven (1770-1827) ocupa un lugar especial en la historia de la música. Sólo Bach o Mozart podrían ser comparados con su popularidad hoy en día. Su música es ampliamente conocida, incluso por aquellos que no son considerados aficionados a la música clásica. Recordemos que hace poco hablamos de las variaciones Diabelli. Uno de sus trabajos más grandes y más conocido es su Novena Sinfonía, comparable a la sinfonía Eroica, que contiene su melodía popular conocida como “Oda a la alegría”. Este impresionante trabajo marca el final de la escritura sinfónica de Beethoven; ¿o no? ¿Escribió Beethoven en verdad diez sinfonías?

Beethoven fue conocido por su propensión de pasar por muchos borradores antes de producir un producto final. Una mirada a cualquiera de sus partituras originales nos mostrará numerosas notas tachadas y melodías re-escritas. Como resultado, existen muchos bocetos desde que murió en marzo de 1827, pero muy pocos de ellos fueron etiquetados, y ¿como podría uno encontrar una sinfonía que supuestamente no existe?

El Dr. Barry Cooper, un musicólogo y estudiante de Beethoven, se decidió a principios de 1980 para encontrar algunas pruebas de este trabajo sin precedentes. “Yo no estaba buscando un Décima Sinfonía. Yo estaba buscando una”, dijo. Leyendo una descripción del trabajo de Karl Holz, un amigo de Beethoven que había escuchado los inicios del trabajo tocado en el piano por el propio Beethoven, conocía el trabajo iniciado con una introducción en la clave Mi bemol y seguida por un Allegro en Do menor. Fiel a la descripción, Cooper encontró bocetos que coincidían con la misma!

Aunque se había hecho un descubrimiento emocionante, era sin dudas el descubrimiento de una obra incompleta. Sólo alrededor de 250 compaces para un primer movimiento podrían ser unidos entre sí, y sólo existieron ideas de lo que habría sido el resto de la obra. Además, no se pude establecer un orden claro, y trabajar con fragmentos de armonías es difícil. Aún así, el doctor Cooper unió los fragmentos disponibles para formar un primer movimiento. Usando a las técnicas de componer normales Beethoven, logró completar la sección inicial de la Décima Sinfonía. “El objetivo… era acercarse lo más posible a lo que el compositor pretendía, sin dejar de ser consciente de que el éxito completo fue inalcanzable”.

Esta fascinante pieza musical fue estrenada en 1988 por la “Royal Philharmonic Society”, el grupo al que Beethoven le había ofrecido su Décima Sinfonía sólo días antes de su muerte! Como era de esperar, los críticos se mostraron escépticos y la actuación en si misma recibió mucha exageración de los medios. Aún así, el doctor Cooper consideró a la actuación un éxito. Una grabación de la pieza está disponible en los clásicos IMP (PCD 911) con Wyn Morris conduciendo a los miembros de la “Orquesta sinfónica de Londres”.

¿Qué es la música medieval?
La música medieval se caracteriza por el uso significante del canto. Más tarde fue armonizada con cuartas, quintas y octavas. Muchos estilos de música tomaron forma durante el Periodo Medieval: El canto gregoriano, los motetes, los dramas liturgicos y las “chansons”.

Manuscritos de la música medieval
Debido a que el costo de impresión, que significaba escribir a mano y copiar cada pieza de música para cada miembro, era muy alto, sólo las instituciones más ricas (iglesias y monasterios) fueron capaces de crear y duplicar manuscritos, para las cuales eso era un ícono. La música popular en ese momento no estaba impresa, y, por lo tanto, su estilo es relativamente desconocido. Ya que la notación de la música que hoy conocemos todavía no estaba inventada, la interpretación musical pudo variar drásticamente entre quienes creaban e interpretaban la música. Muchos de los instrumentos utilizados durante el Periodo Medieval todavía existen en la actualidad. Entre ellos el pan-flauta, la corneta medieval (un antecesor de la trompeta), el grabador, el laúd, la mandolina y por último, pero no menos importante, el dulcimer.

Art Vista Productions, anunció hoy la versión 2.0 del Piano de Cola Virtual Versión 2.0. La versión 2.0 ofrece compatibilidad Mac-Intel, así como nuevas características, y un nuevo interfaz para el software de piano. Incluso la pantalla de muestra fue re-editada para esta oferta.

El Piano de Cola Virtual Versión 2.0 ahora incluye un gran número de preajustes específicos en el teclado calibrado, y permite que elijas tu teclado controlador de una lista de opciones disponibles. Esto garantiza una precisión del 100 por ciento al tocar el teclado y en la respuesta de tocado, sin importar que teclado controlador se utilice para tocar el software. Otras nuevas características son: numerosos estilos de grabación y tocado disponibles directamente desde la interfaz principal, muestras controlables desde la interfaz, tres bandas EQ, excitador, sonido surround panning, sonidos musicales del pedal que interpretan y se ajustan al estilo de tocado, compresión en tres niveles, así como la saturación de la cinta, reverberación de encendido/apagado con control de los parámetros desde la interfaz, manejo preciso y auténtico de la reproducción cuando se suelta el pedal, y presets de usuario programables.

El Piano de Cola Virtual Versión 2.0 también mejoro sus unísonos e hizo unas menores correcciones en su sintonía. Tambien ofrece una completa compatibilidad con la versión 1.0, y todos los presets de la versión anterior están disponibles en la versión 2.0, incluyendo a un gran número de “Estilos de Grabación” emulando sonidos de famosas grabaciones de piano de todos los géneros desde 1950 hasta hoy.

En un esfuerzo por racionalizar sus operaciones, y si bien las ventas de pianos acústicos se están incrementando, Baldwin Piano Inc despidió a 34 empleados la semana pasada. La compañía hizo el anuncio de los recortes el lunes 28 de Enero. Baldwin Piano ha estado en Trumann por más de 30 años construyendo pianos para el mercado de los Estados Unidos. Baldwin fue adquirido por Gibson Guitar Corporation en el 2001.

Los cambios del personal se debieron a la decisión de la compañía de piano de centrar a las operaciones de Trumann únicamente en la prestigiosa línea de Baldwin Custom, de acuerdo a Baldwin. Los empleados que se fueron en la reorganización de Trumann recibieron un paquete de beneficios incluyendo seis semanas de sueldos y cobertura de seguro.

La información publicada la semana pasada por la empresa Baldwin dice que la decisión de concentrarse en la nueva linea Baldwin Custom House resultó en una reorganización en la planta de Trumann “que resultó en una reducción del trabajo de 34 personas”. En agosto del 2007 la empresa anunció la incorporación de esta nueva línea a su inventario. La planta Trumann construiría a mano pianos innovadores y creativos de edición limitada.

La línea Custom House Baldwin caracteriza a las colecciones Gellery y Exotica y apunta a clientes hogareños de alto poder adquisitivo. La empresa creó recientemente una nueva categoría de pianos. Los pianos usualmente se utilizan como elementos fundamentales de la decoración de interiores para clientes que quieren algo único que nadie más tiene, de acuerdo al material de promoción de la empresa. Por esto, cada piano de la nueva serie Custom House será firmado a mano y numerado a mano. Los ejecutivos de la empresa describieron a la línea como un enfoque innovador y creativo que apunta a los pianos construidos a mano de edición limitada con técnicas innovadoras de diseño.

Las mejoras se hicieron para la línea de pianos verticales y para la línea de pianos de cola. El enfoque de la línea será para la calidad más fina y con el sabor artístico disponible para crear una fina pieza de arte. Fueron contratados artesanos altamente calificados y artistas para garantizar el más alto nivel de excelencia, y se inició un programa de aprendizaje para formar a los artesanos. Los clientes pueden comprar su pieza de arte personal, dijo un ejecutivo mientras describía a la nueva línea. El material promocional describe a la nueva línea como un cambio de la faz del piano tradicional con el lanzamiento de dos colecciones nuevas, Gallery y Exotic. La línea ofrece a los clientes la oportunidad de comprar un piano de cola o un vertical para ponerlo en el interior de una habitación especial. Los clientes también pueden pedir pianos de cola que sean una obra individual de arte.

Durante varios años, la planta de Baldwin en Trumann empleó a 100 artesanos de piano altamente calificados que hacían unos 500 pianos de cola al año. Y de esos 500 pianos, la mitad de ellos eran personalizados. Baldwin Piano dijo que la empresa seguirá produciendo algunos de los pianos más finos del mundo con los artesanos dedicados en Trumann.

Cada piano Baldwin sigue estando construido en EE.UU. Baldwin es una de sólo dos empresas que sigue produciendo pianos en los Estados Unidos. Todos los pianos producidos localmente están hechos de partes construidas y montadas en la planta de Trumann. Empresas como Hamilton y Wurlitzer en los EE.UU. importan muchos de sus modelos del extranjero mientras que todos los pianos de Baldwin estan estrictamente hechos en los Estados Unidos.

El precio medio de uno de los pianos en la nueva línea de Custom House es de u$s 60.000. Los precios de los nuevos modelos van desde u$s 50.000 y puede llegar hasta u$s 150.000. Baldwin es uno de los fabricantes de piano más antiguos en América. DH Baldwin, un antiguo profesor de música, abrió su primera tienda en Cincinnati, Ohio en 1862. Denominado “El Piano favorito de América”, Baldwin Piano ganó premios internacionales a lo largo del siglo 20. A finales del siglo, la empresa creció hasta convertirse en el mayor fabricante de pianos de América.

El Elijah de Mendelssohn es la dramática historia del profeta biblico Elijah que convoca a la gente para la justicia, realiza milagros y lucha en contra del ídolo falso al cual el pueblo rinde culto. Se enfrenta a la malvada reina Jezabel. Termina con Elijah subiendo al cielo en un carro de fuego.

Breve historia de Elijah
El gran rendimiento y aceptacion por parte del publico del oratorio de San Pablo en el festival de Rhenish Music en Düsseldorf en 1836 fue tan exitoso que condujo a Mendelssohn inmediatamente a considerar la composicion de un trabajo similar. Él escribió a un amigo íntimo, en Londres, Karl Klingemann acerca de su plan. Mendelssohn optó por Elijah, el profeta del antiguo testamento de Israel que predicó en contra del falso ídolo de la gente del pueblo.

Klingemann no pudo dedicar ningún tiempo a la actividad artística, debido a las dificultades financieras relacionadas a la adhesión de la Reina Victoria en Inglaterra. Sin embargo, cuando Mendelssohn estuvo en Londres por dos semanas en 1837, elaboró el diseño básico del oratorio. También estableció de nuevo contacto con un clérigo, Julius Schubring. Finalmente, tuvo que pasar a Schubring cuando Klingemann suspendió el trabajo en Elijah.

Fundamentales diferencias religiosas se pusieron en el camino. Schubring quería claramente que Cristo sea el cumplimiento de las profecías de Elijah y quería su aparición. Mendelssohn estaba en desacuerdo. Esto condujo a su ruptura. Mendelssohn regresó al proyecto en 1845 para culminarlo por su propia cuenta. A continuacion podemos apreciar la obertura:

El período del renacimiento en la cultura de Europa occidental es generalmente reconocido por atravesar los años que van desde 1400 a 1600. La música sacra compuesta durante este período fue compuesta para la Iglesia Católica Romana. Gran parte de este gran cuerpo de música sobrevive hoy en manuscritos que se utilizaron en las grandes catedrales y monasterios de Europa. Algunos instrumentos pudieron haberse utilizado, pero la música era escrita principalmente para coro a cappella (sin instrumentos). Básicamente, la música sacra renacentista era una extensión de canto Gregoriano, un estilo de música que tampoco fue acompañado por instrumentos. Los textos fueron los mismos que se utilizaron en el canto gregoriano: la liturgia romana, cantada en latín.

Los grandes compositores del renacimiento temprano fueron Guillaume Dufay (c.1400-1474), Johannes Ockeghem (c.1410-1497), Jacob Obrecht (1457-1505), y Josquin des Prez (c.1440-1521). Muchas misas gloriosas y motetes (que fueron cortas composiciones litúrgicas) llegaron a nosotros de estos grandes compositores.

Los grandes compositores del renacimiento tardio fueron Orlando di Lasso (también conocido como Orlandus Lassus) (1532-1594), Jacob Handl (también conocido como Jacobus Gallus) (1550-1591), Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594), y Tomas Luis de Victoria (1548-1611). Estos compositores dejaron un gran conjunto de trabajos que son verdaderamente un gran tesoro de la civilización occidental, sin embargo, la civilización occidental no lo sabe. Por esta razón, hay pocos libros, y pocos enlaces de la web. Hubo un numero de CDs producidos, que, en última instancia, es el homenaje más importante que se le puede hacer a esta música.

Alrededor del 1600, comenzó la época barroca y el estilo de música cambió radicalmente. La época barroca fue seguida por la época romántica que duró aproximadamente hasta el comienzo del siglo 20. Hoy en día muchos oyentes de la música clásica occidental no reconocen renacimiento de la música sacra como una tradición válida de la música clásica. La música, supuestamente, se inició con J. S. Bach, o quizás antes, con el compositor del siglo 17 Claudio Monteverdi. Este tremendo descuido puede ser puesto en una perspectiva más clara cuando uno se da cuenta de que hace un poco más de 100 años atrás, los oyentes en Europa no estaban familiarizados en gran parte con la música de Bach.

En sus últimos años, Franz Joseph Haydn creó el oratorio “La Creación”, su obra maestra. El compositor clásico Austríaco expresó su visión de la creación, como se expuso en la Santa Biblia y en el poema de John Milton “El paraiso perdido”. “La Creación” de Joseph Haydn es considerada su mayor trabajo. Trabajó sin descansar en este oratorio justo antes del siglo XIX. Haydn, en la época en que estaba trabajando en esta enorme composición, dijo: “Nunca he sido tan devoto como cuando compuse La Creación. Todos los días me arrodillo y oró ante Dios para que me de fuerza en mi trabajo”. Seguidamente puede apreciarse un fragmento de la obertura, bellísima por cierto.

Breve Historia de La Creación
El trabajo fue escrito por sugerencia de Salomon, el gerente ingles de Haydn, mientras Haydn estaba en su segundo viaje por Inglaterra, de 1794 a 1795. En ese momento, él era un gran éxito en Londres. Se sugirió que el compositor clásico escribiera un oratorio en la tradición Inglésa similar al Mesías de George Handel.

Sin embargo, el inglés de Haydn no era suficientemente bueno como para componer un trabajo de tal magnitud, por lo que se llevó los textos con él cuando regresó a Viena. Fue hacia el final de 1795 o a principios de 1796, que su amigo Gottfried Van Switen, un generoso patrón de las artes y una figura influyente en la vida musical de Viena, le hizo la misma propuesta para componer un oratorio.

Un concierto celebrando el cumpleaños numero 90 del icono del piano Thelonious Monk tuvo lugar en el Manhattan Center Grand Ballroom en Nueva York el 26 de Enero. Bill Cosby fue el anfitrión y los invitados incluyeron a T.S. Monk (el hijo de Monk), junto con Ben Riley y el Sexteto Monk Legacy.

Los músicos tocaron las composiciones de Monk y los asistentes también fueron orientados hacia una visualización especial de los momentos raros de Monk, provistos por Reelin en The Years, que recientemente lanzó un video de Thelonious Monk tocando en vivo en Europa. Otros invitados especiales de la noche incluyeron al vocalista Carolyn Leonhart, al saxofonista Wayne Escoffery, así como a Sam Newsome y a los ganadores de la Thelonious Monk International Trumpet Competition 2007, Ambrose Akinmusire y Jean Caze.