Pianored música y pianos

Hace pocos dias se cumplía un nuevo aniversario del fallecimiento de Freddie Mercury, genial músico, pianista y cantante del grupo Queen quien, junto a la labor creativa de Brian May, compuso muchas de las mas grandes canciones de rock de finales del siglo XX.

Un hombre sin alma, si puede ser concebido, sería un tipo de criatura irresponsable, sin color y sin ningún tipo de influencia en el mundo. La música sin alma es igual de despreciable. La música sin profundidad de sentimientos no es música, es meramente ritmo y ruido.

Una espina dentro del maestro de música es el alumno que nunca infunde ninguna emoción a su interpretación, incluso a la más hermosa de las composiciones. Lo bueno es que cualquier estudiante puede superar tal defecto. Tocar con sentimiento o con “alma” puede ser cultivado. Suponga que ha dominado las características técnicas de una obra, o de varias, y aún su interpretación es aburrida y gris. Le falta la pasión o el fuego que mueve a las personas. Si has fallado es porque no te has adentrado en la música, no le has impregnado parte de ti. Si no entras al espíritu de la melodía, es porque tu imaginación ha estado inactivada mientras tus manos estaban ocupadas; la música no otorga nada pues no has puesto nada en ella.

Cultivar esto es vital para “vivir la música” o “bailar la música“: Si estás tocando una pieza rápida, una marcha por ejemplo, intenta perderte a ti mismo en el espíritu de la melodía. ¿Puedes ver la a la banda, con sus uniformes resplandecientes, marchando orgullosamente sobre la calle? Únete a la multitud en la acera y escucha la melodía.

Cuando hayas terminado y “regresado a la tierra”, descubrirás que te habrás emocionado; y tus oyentes también habrán sentido la diferencia. Sin embargo, esto es simplemente una ilustración. Puedes intentar el mismo ejercicio tocando hermosas serenatas, y encontrarte a ti mismo vagando en una noche de luna, escuchando las guitarras sonar y susurrando votos de amor.

Pon tu alma en la música, plasmando tu sentir a través de la teoria musical que has aprendido simplemente dejando que tu imaginación vuele libre y acompañe el sentimiento de la melodía.

Dos músicos excepcionales que ejercen su carrera dentro del ámbito del jazz han interpretado el concierto para piano K365 de Mozart. Hablamos de Keith Jarrett y Chick Corea que en forma conjunta brindaron un bello espectáculo. Seguidamente el primer movimiento:

El segundo movimiento:

El tercer movimiento:

Un estudio llamado fMRI (Resonancia magnética funcional), que escanea el fluir de la sangre en el cerebro, demostró que la exposición de una persona a varios intervalos musiales basados en las proporciones pitagóricas, influiría enormemente en las distintas regiones del cerebro.

Una rápida revisión de las reglas proporcionales de Pitágoras: los intervalos musicales pueden ser descriptos como proporciones de las frecuencias de dos tonos. Dichas proporciones son las más simples (2:1, 3:2, 4:3, etc) y corresponden con los intervalos que la civilización occidental ha juzgado como los más agradables (intervalo de octava, quinta justa o cuarta justa), mientras que los intervalos disonantes para nuestra cultura (séptima mayor, segunda menor, cuarta aumentada o quinta disminuida) tienen proporciones más complejas (243:128, 16:15, 45:32, etc). Las pruebas de fMRI descubrieron que en los músicos bien entrenados, se observan en actividad cinco áreas del cerebro al interpretar dichos intervalos, mostrando mayor actividad cuando dichos intervalos progresan de consonancias perfectas a consonancias imperfectas para acabar en disonancias. Estas cinco áreas del cerebro son: la circunvolución frontal inferior, la circunvolución temporal superior (donde se encuentra la corteza auditiva primaria), la circunvolución frontal media, el lóbulo parietal inferior y el surco anterior (que se cree domina el conocimiento racional). En los “no músicos” (ese término horrible utilizado en conocimiento musical para describir a aquella población de oyentes que no han tenido entrenamiento musical) se observa que tan sólo un área de su cerebro se activa bajo los mismos patrones de consonancia/disonancia: la circunvolución derecha frontal inferior.

Aún no hemos tenido la oportunidad de leer el artículo completo para ver si los intervalos fueron en realidad interpretados en la entonación justa, cuántos intervalos se tocaron y con cuántos participantes se realizó el estudio (los estudios fMRI, por lo general, tienen pequeños números de debido al costo del tiempo MRI). Si los intervalos fueron interpretados en un temperamento constante eso iría en contra de la interpretación de todas las reglas proporcionales de Pitágoras, lo cual significaría una gran falla en la totalidad del estudio.

Quinientos cincuenta y cinco pianos fueron tocados simultáneamente en Incheon, batiendo el récord del mayor conjunto de pianos del mundo en interpretar paralelamente una melodía. La ciudad de Incheon realizó el evento en el Gimnasio Mundial Samsan el domingo pasado para conmemorar a los participantes de la ciudad portuaria frente a los juegos Asiáticos 2014. El concierto fue esponsoreado por Young Chang y Kurzweil, siendo China la mayor nación manufacturera de pianos.

“Organizamos el Festival Fantástico de 555 Pianos para felicitar al equipo que se presentará en los Juegos Asiáticos 2014 y para desear el desarrollo de Incheon”, dijeron el oficial del gobierno de la ciudad y el fabricante de pianos. Dijeron además que el número 555 simbolizaba la bandera olímpica con sus cinco anillos.

En el centro del estadio gimnástico, se colocaron dos grandes pianos en un escenario diseñado con forma de “taegeuk”, el círculo del yin y el yang dividido por una línea ondulada, lo cual simboliza la perfección y la armonía. El resto de los pianos y sintetizadores fueron distribuidos en cuatro secciones.

Bajo la batuta de Lee Sun hijo, 555 estudiantes de música avanzados, de 12 universidades, tocaron los pianos simultáneamente; su interpretación abarcó desde la música clásica hasta el pop coreano. El fabricante de pianos filmó el concierto y planea presentar la grabación al libro Guiness de Récords Mundiales, para que el evento sea aprobado como el concierto cerrado más grande del mundo.

Bella y jugada versión de “El vuelo del moscardón” de Rimsky-Korsakov tocada por este grupo de jóvenes pianistas en cinco pianos en simultáneo.

Cierta vez me preguntaron: “¿Qué compositor elegirías si tan sólo pudieras estudiar e interpretar su música?”. Sin dudar un instante mi respuesta fue: Bach. Hay algo en su música que me satisface en muchos niveles. Siempre siento como que estoy aprendiendo de Bach, y mis manos aman seguir los diferentes giros y vueltas. Hay un componente físico muy fuerte en su música. Algo que no puedo inmovilizar y definir. Lo más que puedo decir es que simplemente mi mano lo disfruta y deleita a mi espíritu. Y, tal vez haya una muy buena explicación para ello.

“Robert Schumann se curó a sí mismo de un episodio severo de cierta enfermedad mental estudiando el contrapunto de Bach, y poniéndose a sí mismo como tarea componer seis fugas en nombre del ilustre compositor. El neuromusicólogo Arthur Harvey, de la Universidad de Hawai, sostiene: “La música de Bach hace que el cerebro trabaje de un modo equilibrado. Y es en ello la más eficiente, en comparación con cualquier otro género y con la música de otros muy conocidos compositores”.

Handel se encontraba sentado en su habitación de Brook Street enérgicamente atrapado en una composición. En el apartamento contiguo, una joven dama se encontraba ocupada en su práctica. Una repentina interrupción hizo que ella se detuviera en medio de una cadencia, cayendo abruptamente en la nota Dominante.

Handel se movió nerviosamente en su silla. Su mano espasmódicamente apretó su frente. En medio de su febril escritura los pensamientos dejaron de fluir. Frunció el ceño; miró hacia el techo con malicia; arrojó su pluma en un arrebato de desesperación; y en un instante se puso de pie apresurándose hacia la habitación de al lado. Una vez allí, demandó a la asombrada joven, “Por favor señora, toque el siguiente acorde!” y acto seguido se sentó sobre el taburete y atestó de un golpe al clavicordio la Tónica deseada. “Aquí tiene. Buenas tardes, señora.” y en un instante se volvió a perder en su intrincada composición.

Lo único que nos muestra esta fragmentada historia es cuan delicadamente afinado es el oído de un músico, y que un acorde sin resolver en la habitación contigua, que no se encontraba escuchando éste de manera consciente, pudo poner fin a su concentración, irritándole y obligándolo a resolver el acorde.

He aquí una valiosa lección para el estudiante común. ¿Debes procurar, durante tus horas de práctica, entrenar el oído para ser un crítico exacto? ¿Durante todo el tiempo que pasas con la música escuchas alternativamente para asegurarte de que el instrumento produzca la nota que tienes en tu cabeza, con los matices y dinámicos que imaginas? Es fácil creer que lo haces; pero, ¿estás seguro de hacerlo?

A menos que el oído se encuentre evaluando en todo momento la calidad de nuestro trabajo, estaremos permitiendo muchas pequeñas imperfecciones a lo largo de nuestra interpretación. De hecho, muy a menudo nos inclinamos a jugar con nuestra interpretación. El oído debe estar tan entrenado y desarrollado que será nuestro monitor personal, advirtiéndonos cuando nos acercamos a un sonido inarmónico o detectando y guiándonos firmemente y con prudencia en el aspecto artístico.

Asombrosamente, la persona del video toca y afina perfectamente (lo cual es lo mas destacable) tocando con sus propias manos al modo de un intrumento de viento. Esta vez se anima con Rapsodia Bohemia de Queen, aunque se parece un poco a Freddie Mercury.

El piano realmente alcanzó su apogeo durante el 1800. Si bien Cristofori había inventado el pianoforte a inicios del 1700, la revolución industrial hizo que la producción de pianos fuera mucho más sencilla entrado el siglo XIX, y las mejoras en el mecanismo del instrumento incrementaron las capacidades sonoras del mismo. Por ejemplo, la invención del pedal introdujo sustento resonante a la paleta artística (y cualquiera familiarizado con Chopin comprende la importancia del pedal en sus composiciones). Una larga lista de compositores, tales como Schubert, Chopin, Schumann y Beethoven expandieron enormemente la literatura pianística, mientras que otros como Listz, se volvieron famosos por su deslumbrante virtuosidad técnica con el instrumento. Probablemente debido a que los modelos Barrocos y Clásicos del teclado eran incapaces de un sustento prolongado, la preferencia por las largas líneas líricas destacó a muchas piezas románticas.

Durante el siglo XX, un interés retornó en las capacidades de percusión del piano. Bartok utilizó el piano rítmicamente. Otros tales como Cage o Cowell exploraron métodos alternativos de obtener sonidos inusuales de instrumentos comunes. Por ejemplo, ambos compositores experimentaron producir sonido al golpear cuerdas que tuvieran diferentes objetos entre ellas.

Emanuel Ax: Este pianista nacido en Polonia, y establecido en Canadá, viaja actualmente alrededor del mundo. Comenzó con su último CD de Brahms (una colección de dos conciertos para piano, Op. 15 y 83, dos rapsodias, Op 79, y dos sets de tres intermexxos, Op. 117 y 119). También posee un álbum de trabajos de Chopin, interpretados en un piano histórico. Aquellos que desean música más contemporánea pueden experimentar con su álbum de Shostakovich o escuchar Century Rolls.

Andre Previn: No solamente un pianista talentoso, Previn ha compuesto también para películas y óperas, incluyendo una puesta en escena operística de “A Streetcar Named Desire (Un tranvía llamado deseo)” de Tennessee Williams. Entre sus interpretaciones pianísticas se incluyen tríos de Mozart y colaboraciones con la violinista Anne-Sophie Mutter. Con un ávido interés en la música jazz, Previn ha grabado también varios álbumes de Gershwin, Duke Ellington, y otros grandes del jazz.

Wilhelm Kempff: Tajante y elocuente, Kempff exhuda un enfoque erudito en sus interpretaciones. Si deseas una introducción al set completo de las sonatas de Beethoven, deberías comenzar con las grabaciones de Kempff. También son de una inmensa calidad sus interpretaciones de las sonatas de Schubert y las variaciones Goldberg de Bach.

Vincent Raymond dedicadamente desliza un teclado de madera frente a un piano Pleyel de cola, negro brillante. Toca una cuerda aquí y un martillo por allá, con el mismo cuidado y dedicación que hizo de la marca francesa de piano la favorita de Frederic Chopin. En la nueva fábrica de Pleyel en San Denis, cerca de París, Raymond, de 25 años, se encuentra en la línea frontal de la batalla por la supervivencia de una fábrica de pianos con 200 años de antigüedad.

La compañía, fundada en París por el compositor austriaco Ignaz Pleyel, ha atravesado con arduas pero victoriosas luchas, dos guerras mundiales, la emergencia de la música electrónica y el surgimiento de los pianos japoneses. Tras refrenar tres décadas de pérdidas y afrontar la última amenaza—la competencia china—la última fábrica de pianos en Francia está recortando la producción anual a solo 600 pianos. Esto significó eliminar a los pianos verticales de su repertorio.

“No puedo pelear contra los pianos chinos”, dijo Arnaud Marion, el presidente de Pianos Pleyel. “No tengo opción, pero debo enfocarme en la calidad, convertirme en el Hermès de la fabricación de pianos”, añadió, refiriéndose al fabricante francés de lujosas bufandas y bolsos de mano. Pleyel se encuentra invirtiendo en un nuevo piano de cola, el P280, que tiene 2.80 metros de longitud, o 9.2 pies, para re-localizar los instrumentos de la compañía en el mundo de los concert halls o salas de concierto. Dos de los P280, con un precio de más de €100.000 o U$S141.000, han sido vendidos en Japón, y uno en China. Su clásico piano de cola pequeño arranca en un valor de €30.000; aquellos decorados por artistas como Marco del Re tienen un valor inicial de €80.000. En comparación, un piano de cola de concierto hecho por Steinway, el fabricante estadounidense, los vende por aproximadamente €114.000.

El miércoles, Pleyel estará abriendo una sala de exposición y venta de 250 metros, con un piano rojo suspendido desde el techo durante el concert hall que se dará en París, cerca del arco del triunfo, en honor a los 80 años de Pleyel. El resurgimiento de Pleyel no será fácil. Está siendo oprimida por Steinway en el mercado de los pianos de cola y por los fabricantes chinos en las ventas de modelos pequeños.

Nueve de 10 concert halls tienen Steinways, y la mayoría de los pianistas de concierto graban con ellos. Dichos artistas los eligen por su poder, su sonido consistente y pues no quieren ser sorprendidos mientras tocan, dice François-René Duchable, un pianista francés y ávido intérprete de Chopin. “La realidad es dura”, dijo Duchable. “Pleyel no ha estado en un concert hall durante décadas. Pleyel contra Steinway es un poco como David contra Goliat”.