Pianored música y pianos

“Entonar un piano” es el paso obligado en el que piensan la mayoría de los dueños de los pianos cuando tienen que mantener y realizar servicio a sus instrumentos muy usados. Pero así como la voz puede hacerle una diferencia crítica a la guitarra, también se puede mejorar la calidad de sonido del piano.

Herramientas para la entonación de los martillos
del piano que utiliza el técnico de pianos.
Los fabricantes de pianos, frente a la reducción de los mercados y al aumento de los costos, raramente entonan sus instrumentos a pleno potencial en la fábrica. Cualquier piano -incluso los más baratos– pueden ser usualmente mejorados por estas técnicas llamadas voicing, etoncación o balanceo personalizado. Lo deberá realizar, indefectiblemente, un técnico de pianos calificado. Esta escuela también enseña a realizarlo.

Sin embargo, entonar es uno de los primeros servicios requeridos para el piano nuevo y para los pianos muy usados, ya que algunos trabajos de “regulaciones de tono” pueden hacer un mundo de diferencia para el pianista.

El proceso de entonación de los martillos de un piano puede tardar desde algunos minutos a un par de horas ya que puede incluir el regular una sola nota que está mal; o puede tomar muchas horas si un cliente está buscando cambiar el sonido del piano en forma integral.

La regulación del tono se logra por la manipulación de la densidad de las cubiertas de los martillos por un técnico experto y se utilizan herramientas especiales como archivos de papel de lija, agujas y, en ocasiones, agentes de endurecimiento líquidos como la laca. El técnico le da forma cuidadosamente al martillo y, luego, mete las agujas profundamente en la superficie del paño del martillo, en distintos lugares, para obtener el efecto deseado. El endurecedor tiene el efecto contrario de las agujas ya que añade rigidez y densidad cuando es necesario.

El resultado es que usted va seguir teniendo un instrumento con un sonido mejorado, lo cual hace que tocar música en él sea más gratificante.

El piano ha entretenido a cientos de miles de personas en los últimos siglos. Cuando pensamos en ese gran instrumento, compositores como Mozart y Beethoven nos vienen a la mente. El piano tuvo su esplendor entre los años 1790 y 1890, durante la revolución industrial. Esto fue cuando los aceros y hierros más fuertes fueron manufacturados.

El primer piano en ser construido por Bartolomeo Cristofori
La primera compañía británica que realizó fabricación seriada de pianos fue “Broadwood”. Ellos hacían grandes y excelentes instrumentos. Para 1820 sin embargo, los pianos llegaron a París de la mano de los Erard. Erard también inventó el mecanismo de acción doble en donde el piano podía ser tocado aunque sus teclas estuviesen totalmente arriba, permitiendo tocar mas rápidamente en las repeticiones. Todas las empresas manufactureras utilizaron esta técnica apenas salió y Steinway compró luego la patente a Erard.

El primer piano que se ha construido tenía solamente 5 octavas pero para 1810 se habían convertido en 6 y para 1890 en 7. En el siglo XIX, el piano era el instrumento más difícil de tocar. Se requería de gran fuerza muscular para pulsar las teclas y producir una buena calidad de sonido. Sin embargo, al pasar el tiempo, cuerdas más suaves fueron hechas para reducir la tensión. Hoy, los teclados electrónicos son simples de operar y dan la opción de un piano sin su volumen y peso.

Hoy en día, los pianos vienen en 2 versiones: los pianos de cola y los pianos verticales. En los pianos de cola, las cuerdas se ubican lejos de las teclas y en forma paralela al piso. Para estos pianos a veces se hacen necesarias habitaciones grandes y espaciosas. Solo en esas condiciones puede ser apreciado completamente tanto su belleza como su sonido. Los pianos verticales son más compactos y elegantes. Las cuerdas se extienden hacia arriba y abajo permitiendo la conservación del espacio. Las compañías Yamaha y Kawai, entre otras, producen uno de los mejores productos en esta línea, considerando la relación precio-beneficio.

Un piano moderno tiene 88 teclas. Este set de teclas representa 7 octavas completas. Todos los músicos modernos enfrentan un problema al respecto. Por la gran evolución del piano, compositores tan destacados como Mozart o Chopin ya no son los únicos representativos para estos instrumentos modernos. Los instrumentos que ellos utilizaron no existen más, tanto en su construcción como en su afinación. Entonces una larga y ardua tarea de interpretación es necesaria antes de poderla tocar en pianos modernos.

Los pianos siempre fueron atractivos para las personas que le gusta la belleza y el romanticismo. Produciendo música inolvidable, alegre y hermosa, el piano nunca podrá ser ser dejado de lado como el padre de los intrumentos musicales. Es por esto que muchas personas tienen uno en su hogar y por la cual más gente desea tener uno propio para sentarse y tocar. No existen tantas cosas relajantes como sentarse enfrente de tu piano luego de unos largos y difíciles días de trabajo.

El músico de 41 años ha escrito y lanzado una venta internacional de su álbum y ha sido nombrado uno de los mejores artistas independientes del país. Pero todo esto comenzó menos de dos años atrás con un serio golpe en la cabeza. “Aún estoy fascinado con el proceso entero”, explicó Amato. “Aún no logro entenderlo del todo”. Antes del accidente, Amato estaba trabajando en “America corporativa”, y era dueño de unos pequeños negocios. Pero un viaje a su ciudad natal en Dakota del sur cambió su vida permanentemente.

Amato estaba nadando con unos pocos amigos y en cierto momento realizó un salto de cabeza. No recuerda mucho de lo que ocurrió después, excepto que golpeó su cabeza con el fondo de la pileta- muy fuerte. “Yo sabía que me había golpeado lo suficientemente fuerte como para que fuera considerado como golpe serio”, dijo. Durante las próximas dos semanas, Amato yació inconscientemente en una habitación de hospital con una tumefacción cerebral. Cuando despertó, se dio cuenta que había perdido parte de su memoria y un poco de audición. Pero se recuperó prontamente y a los pocos días salió del hospital. Aproximadamente unas dos semanas después, Amato fue de visita a la casa de un amigo. Allí, se sentó al piano de su amigo simplemente por el hecho de hacer algo. En ese momento, Amato comenzó a tocar una canción que estaba componiendo mientras tocaba. “Realmente no había evolución alguna en cuanto al modo de interpretación, este fue bastante fluido desde la primer nota en adelante”. Pero, lo increíble de esta anécdota es que Amato confesó nunca haber tocado un piano antes en su vida. “Realmente no sabíamos qué pensar de la situación,” dijo Amato, quien continuó tocando aquel día durante unas siete horas sin parar.

Posteriormente, cuando cogió una guitarra, se dio cuenta de que sus habilidades con otros instrumentos se habían incrementado también. Si bien el había estudiado guitarra en el pasado como pasatiempo, Amato dijo que sus nuevas habilidades le ayudaron “simplemente a tocar muy bien”. Sin otra explicación, Amato adjudicó sus nuevos talentos al golpe ocasionado en la pileta tan sólo unas semanas antes.

“Yo se que se ha aflojado un buen tornillo en mi cabeza—tal vez el tornillo correcto” dijo. “Y que ha desencadenado algo”. Incluso su novia, Jennifer Dyke, necesitó verlo para creerlo, según nos dijo. “Creí que era una broma. No le creí realmente”, dijo Dyke, quien ha tocado el piano desde los 4 años. “Y luego lo vi tocar, y toca mejor que lo hago yo luego de toda una vida de estudio”.

Sin ningún tipo de entrenamiento formal, Amato no lee o escribe música. En lugar de ello, dice que siente los tonos de la música para escribir y puede, generalmente, memorizar el tono de la nota para la próxima vez que toque. “Yo lo he visto tocar, y realmente, tiene todo memorizado”, nos contaba Dyke. “El puede tocar algo y luego recordarlo y tocarlo nuevamente.” En compañía de dicho talento, Amato decidió tomarse un descanso de la vida corporativa que llevaba para ver hacia dónde podía llevarlo el ámbito musical.

“Yo quería tocar música para ganarme la vida”, dijo. Inmediatamente, Amato comenzó a trabajar en su primer álbum instrumental llamado “Full Circle” (Círculo completo). Hacia comienzos del 2007, aproximadamente seis meses después de su lesión, Amato fue nombrado el “Artista independiente del Año” por la Asociación de Artistas Independientes de Los Ángeles. Ahora Amato tiene su propio manager personal y se encuentra finalizando su segundo álbum, que el describe como pop-rock cristiano, al igual que un tour a lo largo de la nación.

“Mi meta es tocar a tantas personas como pueda mientras dure”, dijo nuestro músico, quien espera iniciar actos nacionales. “Puesto que tal vez me levante mañana y ya no posea este don”. Los doctores no han podido explicar exactamente lo que ocurrió en el accidente que desencadenó en este milagro musical, dijo Amato. Pero mirando hacia atrás, él no lamenta su dolorosa caída. “Dios decidió darme un don a los 40 años”, dijo posteriormente, y añadió: “Simplemente no quiero volverme a golpear la cabeza nuevamente para comprobar si perderé o no mi don.”

Algunos artistas se han ocupado de generar curiosas obras de arte que poseen la finalidad de combinar las fuerzas naturales con el diseño artístico para lograr sonidos musicales. El siguiente es un claro ejemplo de ello. En Croacia existe un órgano hidráulico que funciona con el movimiento naturas del agua del mar generando curiosos sonidos.

Ningún nuevo talento podría estar jamás a la altura ni ser comparado con Mozart. Pero Miroslav Kultyshev, un ruso de 22 años, ha dado brillantes conciertos sobre el escenario, que merecerían ser comparados. El 14 de Marzo pasadp, la Filarmónica Nacional de Lituania presentará a este pianista ruso, quien interpretará los complicados “Doce Estudios Trascendentales” de Franz Liszt, los cuales forman parte de las piezas más difíciles conocidas para piano. Seguidamente lo vemos interpretando el Allegro Opus 9 de Schumman.

Varios años después de escritos y publicados alrededor del año 1850, Robert Schumann, pianista contemporáneo a Liszt, declaró que “como mucho, diez o doce pianistas en todo el mundo” podrían interpretar los estudios.

El año pasado, Kultyshev ganó la treceava Competencia Internacional de Tchaikovsky, un evento prestigioso realizado en Moscú cada cuatro años. Recibió extáticas felicitaciones e instantáneas invitaciones para tocar en distintos teatros prestigiosos de concierto alrededor del mundo. Ahora, el joven pianista es una sensación en la música clásica. Sus interpretaciones atraparon los oídos más inquietos y recibieron las mejores críticas musicales.

Es por esto que podríamos considerar las comparaciones con Mozart. Kultyshev comenzó con el piano muy temprano, desde los seis años, y realizó su debut como solista a los diez años junto con la Orquesta Sinfónica de San Petersburgo. La excepcional musicalidad del chico provocó que sea posible compararlo con el genio austríaco del siglo XVIII.

Kultyshev tiene una forma distintiva de tocar, utilizando una energía y sensibilidad muy particular. Los críticos notan su amplio bagaje musical y la atención del público al escucharlo. “Puede hacer que su corazón se acelere y decaiga”; es un comentario frecuente luego de un concierto de Kultyshev.

Su éxito en la competencia de Tchaikovsky del 2007 fue un importante hito en la carrera del pianista. Nikolai Petrov, quien empezó piano a los tres años de edad, afirmo que “Kultyshev tiene un talento magistral”. El periódico Wiener Zeitung, de Viena, fundado en 1703 y reconocido mundialmente por sus criticas musicales, escribió una vez que “al escuchar los Estudios Trascendentales de Liszt, se llega a la cima del virtuosismo”.

Los lituanos amantes de la música clásica disfrutaran la experiencia. Dichos estudios requieren el nivel más alto de maestría artística. Los oyentes de espe pianista tendrán una excelente oportunidad para escuchar como estos estudios son interpretados por un pianista sensacional.

Kultyshev se ha convertido en el pianista mas codiciado de los salones de concierto del mundo. Solamente en el 2007, tuvo la oportunidad de tocar en diferentes salones de Viena, Suiza, Moscú, San Petersburgo, entre otros. Luego de tocar en Lituania, el inalcanzable pianista llevará a cabo una extensa gira por Corea del Sur y Japón, entre otros países.

Fue el primer compositor americano que ayudó a traer la música Americana a la vanguardia. También fue director de orquesta, profesor y escritor que escribió libros sobre música, así como su autobiografía “Copland: de 1900 hasta 1942″ y “Copland: Desde 1943 en adelante”. Compuso música coral y de cámara, música para orquestas y bandas, óperas, ballets y partituras de películas.

Su hermana mayor le enseñó a tocar el piano. Copland también se inscribió en un curso por correspondencia para aprender acerca de la armonía. En 1921, asistió a una escuela en Fontainebleau, donde se convirtió en alumno de Nadia Boulanger. Boulanger le enseñó composición y fue una gran influencia para Copland.

¿Alquien se anima a decir qué pieza de Aaron Copland es la siguiente?

Vía La Nación veo que han encontrado la partitura de una pieza coral de Bach.

Cuando mi tía me ofreció su piano Baldwin vertical recientemente, no lo acepté inmediatamente. Tal vez debería haberlo hecho ya que no tengo un piano acústico desde la escuela secundaria, y quería uno. En la universidad, tocaba los pianos en habitaciones de práctica, completamente insonorizadas. Desde entonces, usé un piano Kurzweil electrónico; un impresionante teclado que parece y se siente parte del estudio del pianista. A pesar de que normalmente lo uso con el altavoz, a veces le conecto los auriculares.

En un departamento pequeño, cada sesión de práctica es algo como un recital, y no siempre quiero que los chicos de arriba y de abajo (y también a mi derecha e izquierda) escuchen. También me preocupa molestar a los vecinos. Me gusta tocar tarde, y no quiero mantener a nadie despierto.
El Baldwin vertical que mi tía me estaba ofreciendo no tiene ficha de micrófono. Pero lo tomé, calculando que iba a luchar por tocar alto. Dos semanas después de que me entregaran el piano nuevo (el tiempo suficiente para que se adapte a su entorno, me dijeron) ya lo tenía afinado. El afinador me contó un truco que dijo que sus últimos clientes, músicos de jazz ellos, estaban insertando un trozo de tela entre los martillos y las cuerdas. La tela reduce el sonido, lo que significa que puedes tocar y no generar sonidos como si estuvieses tocando en un concierto.

Tenía un par de cortinas de mi último departamento que estaba tratando de encontrar para utulizarlas. El afinador tomó una de estas, la dobló en dos, luego cortó la tela un par de veces para ayudar a que encaje mejor. La aseguramos con un poco de cinta adhesiva, y voilá: no importa cuan duro toque, tengo un sonido amortiguado. Al final, decidí que era demasiado amortiguado, e hice uno nuevo. Ahora el sonido está justo en un tono de volumen medio. Casi tan bueno como estar tocando con auriculares.

¿Recuerdan el piano Borgato de dos teclados, o mejor, de dos pianos? Bueno, aquí nos han avisado desde Italia que han subido algunos videos. En el siguiente podemos ver a la pianista Patrizia Cavinato interpretando el preludio número 6 de Bach.

En el siguiente podemos ver al pianista Mirco Bruson interpretar de Robert Schumann, la pieza opus 56 número 1.

La Fundación Dranoff International Two Piano anunció hoy en público a los pianistas para las semifinales de diez países que compiten por más de 55,000 dólares en premios en efectivo y con oportunidades de tocar en la 11º Dranoff International Two Piano Competition, del 10 al 16 de marzo del 2008 en Miami.

Se seleccionaron diez equipos semifinalistas para la competencia del 2008 de un impresionante campo de candidatos que representan a más de 18 países. Abierto a pianistas de entre los 21 y 33 años, la Dranoff International Two Piano Competition es el único concurso internacional dedicado exclusivamente al dúo de piano. El evento bienal cuenta con un prestigioso panel de jueces, incluyendo a pianistas renombrados a nivel mundial, profesores y críticos, para las rondas de la semifinal y la final en Miami, que están abiertas al público.

Los semifinalistas para la competencia del 2008 son:
Cara Hesse y Laura Pauna (Sudáfrica) : Cara Hesse y Laura Pauna es el primer equipo de dúo de piano de Sudáfrica en obtener una Licenciatura de Música y una licenciatura de Performance de la Universidad de Cape Town y de la Universidad de Sudáfrica, respectivamente. Sus premios recientes de competencia incluyen al “IBLA Grand Prize” en el 2006 y el tercer premio en el “Valentino Bucchi” competencia de dúo de piano en Roma en el 2007.

Susan y Sarah Wang (Estados Unidos): Las gemelas Susan y Sarah Wang mantienen licenciaturas en piano de la Universidad de Michigan y maestrías de la Escuela de Música de Manhattan, y actualmente son estudiantes de Hans-Peter y de Volker Stentzl en la Hochschule fur Musik und Theater Rostock. El dúo ganó el segundo lugar en la “2003 Ellis National Duo Competition” y el primer lugar en la “Concerto Competition in 2004” de la Universidad de Michigan.

Dúo de piano Longford-Brown (Reino Unido): James Longford y Lindy Tennent-Brown tocan juntos desde el 2002, cuando se encontraron como “Legal & General Junior Fellows” en el Colegio Real de Música en Londres. El dúo ganó el tercer lugar en la 14º “International Schubert Competition for Piano Duos in 2005” y recibió el segundo premio como también el Premio Rachmaninoff en la “IBLA Grand Prize Competition in 2007”.

Dúo de Piano LP (Serbia): Sonja Loncar y Pavlovic Andrija actualmente están cursando estudios de posgrado en la “Hochschule fur Musik und Theater Rostock”, así como también estudian música contemporánea de dos pianos en la “Universidad de la música” en Belgrado. En el 2006, el dúo obtuvo el segundo premio en la categoría de dos pianos y el tercer premio en la categoría de dúo de piano en el “Concurso internacional de música” en Roma.

Duo Stephanie Ho y Saar Ahuvia (China/Israel): Stephanie Ho y Saar Ahuvia recibieron “Graduate Performance Diplomas” en el “Peabody Institute” de la Universidad John Hopkins, en donde estudiaron bajo León Fleisher, y también completaron una “Performing Artist Residency” en el “Banff Centre” en Canadá. Además de sus carreras de pianistas, ambas artistas actualmente atienden en el Conservatorio de Música de la Facultad de Concordia en Nueva York.

Dúo de Piano Vis-a-vis (Rusia): Polina Grigoryeva y Yulia Yurchenko están actualmente cursando estudios de postgrado en la “Hochschule fur Musik und Theater Rostock”. El dúo tocó como parte del Festival Internacional de Dúos “Baltic Piano Duo” en el 2006 y 2007 y en el Festival Internacional de Música Moderna “Primavera musical” y “Noches de espera” en el 2005 y 2006.

Dúo de Piano Duo Yoshie y Takashi (Japón): Yoshie Shiramizu-Fujii y Takashi Fujii estudiaron con el Profesor Paul Dan y con el Profesor Robert Benz en el “Staatliche Hochschule fur Musik und Darstellende Kunst Mannheim” en Alemania, donde eran escolares del Servicio Alemán de Intercambio Académico de 2005 a 2006. En 2005. El dúo ganó el primer premio en la Competencia Internacional de Música de Londres y el “Best Performance of a Commissioned Work” en la 10ª “Dranoff International Two Piano Competition”.

Irina Silivanova y Maxim Puryzhinskiy (Rusia): Irina Silivanova y Maxim Puryzhinskiy han estado tocando como un dúo de piano desde el año 1998 y estudiaron con Elena Richter y el Profesor Alexander Bonduriansky. En el 2005, el dúo recibió el tercer premio en la 54ª Competición Internacional ARD en Munich y el primer premio, así como también el premio especial del jurado por el mejor toque de una obra de Schubert en la 14ª Competencia Internacional de Schubert en la República Checa.

Dúo de Piano Humburger (Alemania): Los gemelos Richard y Valentin Humburger están estudiando actualmente bajo Yaara Tal y Andreas Groethuysen en la University of Music and Performing Arts en Munich. Sus premios de Competencia incluyen el primer premio en la Competencia Internacional de Schubert en la República Checa y en el “Torneo International Music Competition” en Italia.

Víctor y Luis del Valle (España): Los hermanos Víctor y Luis del Valle actualmente están estudiando en el Instituto Internacional de Música de Cámara de Madrid, y anteriormente estudiaron con en el profesor Dmitri Bashkirov en la Escuela Superior de Música Reina Sofía. El dúo obtuvo el segundo lugar, así como el Premio Especial del Público en la 54 Concurso Internacional de Música del ARD de Munich, y ganaron la Medalla de Plata en el “Primer Palau Programme” en Barcelona.

Mediante una colaboración del diseñador italiano Luigi Colani y el fabricante de pianos alemán Schimmel, se ha fabricado el nuevo modelo de piano de cola Pegasus, el cual podría ser algo posible de ver en un plató de Viaje a las Estrellas.

A diferencia de la forma clásica, es ligeramente curvo. Posee un teclado ergonómico que evita la necesidad del pianista de mover su cuerpo, una tapa hidráulica controlada eléctricamente, y un taburete de cuero ajustable integrado. Con más de 200 cuerdas bajo fuerte tensión y un ligero parentesco a los pianos Schimmels, es un instrumento de mucho nivel y clase. En realidad, se hicieron solamente 14 en todo el mundo (algunos dueños son Eddie Murphy, Lenny Kravitz, Prince, entre otros), y tienen un valor de 110 mil dólares.

Los diseños mas novedosos de este fabricante alemán de pianos, Seiler, son verdaderamente fuera de serie.

La corporación japonesa de Yamaha ha estado haciendo pianos por mas de 100 años (negros, hermosos, majestuosos, elocuentes pianos con dueños como Rufus Wainwright, Chick Corea y Jaime Cullum, entre otros pianistas importantes). Y a su vez, desde 1955, el grupo de Yamaha se ha estado ocupando de fabricar motocicletas de todos los colores y potencias, las cuales han utilizado a lo largo de los años corredores como Kenny Roberts, Barry Sheene, Valentino Rossi, entre otros. Estos dos mundos usualmente se mantenían distantes, hasta que apareció James Toseland.

Toseland es un bicampeón mundial de carreras, quien fue reconocido el año pasado en la entrega de premios por la personalidad deportiva del año, realizado por la BBC, ya que eligió un taburete de piano en vez de la silla de su motocicleta, para salir a tocar con la Orquesta de la BBC. La votación telefónica lo llevo del puesto número 10 al número 2; terminando casi cuarto, detrás del boxeador Ricky Hatton.

“Nunca acostumbré tocar en frente de nadie, ni siquiera familiares y amigos”, dijo Toseland durante la pretemporada del circuito Jeréz, en España. “Cuando vas a 320 km por hora pasando a 100 mil personas y teniendo un casco puesto, y obviamente teniendo que concentrarte, no importa quien está mirando. Pero cuando hay que salir a un escenario y tener a 200 personas mirando fija y atentamente, como diciendo: “Vamos, diviérteme”, es una presión algo distinta, que al principio no me gustaba nada”.

Pero hay algo más en esta humilde presentación. Toseland es un notable cantante, además de pianista, en la banda poco comercial Crash, quienes a menudo hacen canciones de Bon Jovi y Guns N’ Roses.

Desde este fin de semana, su preciada posesión, un piano de cola Steinway, reunirá abundantes personas en su isla, ya que ahí es donde volverá a tocar en repetidas ocasiones. “Voy a estar afuera durante 260 días, y sé perfectamente lo que voy a hacer desde hoy hasta el primer día de Noviembre. Hay mucho ajetreo, pero la vida debe estar organizada, no hay mucho espacio ni tiempo para hacer las cosas”. Al menos 15 presentaciones están planeadas para ese corto período de tiempo.

Hace poco hablábamos de algunas obras clásicas que todos debían conocer y, por cierto, nuestros lectores dijeron que la lista era corta y que faltaban algunas piezas que ellos sugerían. Aquí agregamos algunas piezas clásicas imprescindibles.

Rhapsody in Blue de George Gershwin
Casi cualquiera puede reconocer la Rapsodia en azul de Gershwin. Al igual que O Fortuna de Orff, Rhapsody in Blue fue utilizada en muchas películas y shows de televisión. Algunos la consideran estrictamente jazz, mientras que otros dicen que es una pieza clásica, cuando en realidad es una combinación perfecta de ambas. Aquí hay un hecho interesante, cuando Gershwin fue comisionado para escribir la pieza, la escribió tan rápido que no tuvo tiempo de componer la parte de piano. En su primera actuación, Gershwin improvisó la parte del piano. Más tarde, finalmente, la compuso.

Dies Irae del Requiem de Verdi
Una composición muy potente. La gente de todo el mundo, incluso a los que no les gusta la música clásica, aprecian este trabajo. Dies Irae de Verdi es posiblemente el movimiento de la obra más conocido y reconocible. Aunque, muchos amantes de la música clásica nos pueden decir el nombre y el compositor de la pieza, la gran mayoría del mundo no puede. Su corazón golpeando los ritmos y conduciendo las melodías es verdaderamente inspirador. A continuación el fragmento conducido por Claudio Abbado.

Dies Irae del Requiem de Mozart
Aunque es drásticamente distinta al de Verdi, el Dies Irae de Mozart no tiene nada que envidiarle en cuanto a la intensidad y en la ferocidad. Compuesta en 1791, esta fue la última obra escrita por Mozart. El Requiem es una pieza muy popular, no sólo por su belleza, sino que también por su misterio. Hay muchos mitos en torno a los detalles exactos de cómo se terminó el Requiem. Mozart murió antes de que la obra fuera terminada; fue Süssmayr quien en realidad terminó el trabajo.

Fueron quinientos alumnos de piano de la Universidad de West Chester, con el fin de, por palabras de un alumno, “ser criticados”.

Los estudiantes tuvieron la oportunidad de tocar dos obras de memoria, y recibir una crítica de su interpretación de uno de los doce jueces. “El evento no es una competencia”, tal como aclaró la organizadora del evento, Mary Hood. “La única verdadera competencia que los alumnos tienen es con ellos mismos”, dijo.

También afirmó que habría cuatro tipos de cintas para premiar a cada estudiante según su desempeño, correspondiendo las de color azul a las mejores interpretaciones, y las de color verde a las menos logradas. “Realmente querían la cinta azul” bromeó Hood. “Si quieres crear confianza en tu habilidad de hacer algo tú mismo, esta es la oportunidad perfecta”.

Para que los alumnos participen en el festival, debían estar nominados por sus profesores, quienes a su vez debían ser miembros del grupo de profesores que patrocina el evento. Y son los profesores (no los jueces) quienes continúan las críticas con los alumnos. “Aunque sean los profesores quienes interpretan las críticas de los jueces, el festival les da a los estudiantes la oportunidad de escuchar una segunda opinión” dijo Hood. “Ellos lo saben, no es solamente la Sra. Hood quien te dice hacer esto y aquello”.

Hood, profesora de piano en su domicilio, declaró que el evento también otorga a los profesores la oportunidad de, al ver como sus estudiantes se desempeñan, entender como sus métodos pedagógicos funcionan y como se diferencian y asemejan a los de otros instructores.

Interesante método para aplicar por escuelas y conservatorios.

¿Qué se puede decir?

Los pianistas que hacen recitales solos parecen tener trabajo duro. Mueven sus hombros de arriba abajo y sacuden sus brazos, presionan y hasta golpean las teclas, pero siempre manteniendo una expresión tan constante en sus rostros que seria posible olvidar que lo hacen por diversión.

Chick Corea, por otro lado, realmente disfruta sus conciertos de piano. No es solo su genial y comunicativa personalidad que mantiene en el escenario, hablando y divirtiéndose con el público como si fuera una reunión de amigos en un cuarto con un piano; hay algo mas importante acerca del enfoque de Corea hacia la música.

Temprano en su show solista, Corea anuncia que va a interpretar algunas melodías de Thelonious Monk. Dadas las diferencias en sus formas de tocar, nadie podia esperar que Corea suene de la misma forma que Monk.

Pero Corea fue mas allá de eso, alejando notablemente las melodías de Monk de sus lecturas originales. Un blues Monk, el cual los músicos de jazz tratarían como lento, un blues torcido, se transformó en un abstracto boogie-woogie en las manos de Corea. Claramente fue más Corea que Monk, pero el pianista mostró elementos que otras interpretaciones nunca ofrecerían.

En escencia, Corea enseñó como escuchar nuevas melodías, un ejercicio que repitió toda la tarde del show. Su inusual forma romántica renovó por completo las piezas de Monk, y a su vez realizó Vals para Debby (en un tributo a Bill Evans, mas tarde en el show) en una astuta reversión, estableciendo el tema en tiempo comun antes de cambiarlo a vals para la improvisación (la grabación original de Evans lo hace al revés).

Hubo momentos en los que Corea interpretó segmentos de música clásica, evocando a artistas como Debussy y Ravel. Sin embargo, cuando Corea se focalizó en el repertorio clásico actual, incluyendo selecciones de los preludios de Alexander Scriabin, su confianza en la destreza como solista fue insuficiente para sacarle brillo y sombra a las piezas (aunque su improvisación en el preludio no. 4 fue brillante).

A pesar de todo, Corea dejó en claro desde el principio que interpreta las piezas por diversión, introduciéndolas con un chiste: “Bienvenidos a mi sala de ensayo”. Y de hecho, al final de un show de casi tres horas, organizó un juego en la audiencia para cantar en una parte de “But Beautiful”, “On Green Dolphin Street” y “España” (que se muestra en el video que sigue). No sonaría exagerado afirmar que muchos de los espectadores volvieron a sus casas con aire de triunfo.

El segundo fragmento textual de Doctor En Alaska que he conseguido localizar íntegramente, y que os ofrezco con satisfacción, es precisamente el discurso que Chris dirige al público momentos antes de accionar la enorme catapulta construida en las afueras del pueblo. Nuestro personaje ya ha desechado la idea de lanzar a la vaca, y la ha sustituido por un piano de pared que ha encontrado por casualidad entre las cenizas de la casa de Maggie:

Ya habíamos hablado de este video pero lo volvemos a poner pues es muy interesante.

O Fortuna de Carmina Burana por Carl Orff
Por lejos es la más consultada sobre el trabajo clásico, O Fortuna se toca en cientos de películas, programas de televisión, comerciales y otras formas de medios de comunicación. Muchos de los que escucharon esta famosa pieza pueden tararear la melodía y, a veces, la describen como inquietante, atrapante y grandiosa. O Fortuna es el movimiento de apertura de Carmina Burana de Carl Orff, un trabajo para una gran orquesta, coro y vocalistas solistas. Se la puede escuchar en la película 300 y en el siguiente video.

Rapsodia Húngara número 2 en en Do sostenido mayor por Franz Liszt
Cuando escuché esta pieza para lo que pensé que era la primera vez, me sorprendí por lo familiar que me era. Después de escucharla varias veces más, de repente me golpeó… la había escuchado en unos dibujitos de Bugs Bunny hace 15 años. Estaba tocando la pieza en frente de una gran audiencia entre muchas distracciones. No creo que los dibujos animados se sigan haciendo de esa forma. Lang Lang la interpreta seguidamente.

Sous le dôme épais de Delibes
Siendo ya bien conocida, El dúo de la flor de Delibes se hizo cada vez más popular por el uso de la obra de British Airways en una campaña publicitaria reciente. Esta clásica pieza cuenta con un dúo entre una coloratura soprano y una mezzo-soprano.
Esta pieza de Delibes se encuentra también en las películas El presidente americano, Tomb Raider y La familia de mi novia. A continuación una bella interpretación.