Pianored música y pianos

Es difícil pensar que un objeto de casi tres metros de longitud, negro, que pesa una tonelada y media pueda ser el centro de atención de un escenario y no ser notado. Todos reconocemos a un gran piano de concierto cuando lo vemos, pero la atención se posa siempre en aquel que está tocando sobre ese magnífico piano.

Aquellos de nosotros sentados en la audiencia, o escuchando un CD, tal vez demos al instrumento por sentado, pero puede hacer o destruir la presentación de un artista. Especialmente en el caso de la leyenda canadiense del piano Glenn Gould, quien falleció en el año 1982. La búsqueda de toda su vida era encontrar y luego obsesivamente mantener con Su piano, todas las cualidades de un apasionado amor.

Es una gran semilla para la periodista norteamericana Katie Hafner, quien ha llevado este lado poco conocido de la vida artística de Gould a un libro: “Un romance sobre tres piernas: La búsqueda obsesiva de Glenn Gould del Piano Perfecto” (editorial McClelland & Stewart). Hafner ha transformado toda esta investigación y recolección —tanto sobre Gould como de diversas personas que le conocieron y todos los pianos que pasaron por sus manos—, en una historia, mezclada con anécdotas y mucha perspicacia, sobre un canadiense cuyo nombre es reconocido en todo el mundo.

“Sabemos tanto acerca de Gould, pero tan poco sobre su piano”, dice Hafner dueño actual del gran piano Steinway que el pianista descubrió en las alas del Auditorio Eaton en el año 1960, que se convirtió en su compañero constante de innumerables conciertos y grabaciones. Gould demandaba trasladar el piano con él a las salas de concierto al igual que a los estudios de grabación de Nueva York y Toronto.

Era una relación de ensueño, hasta que los que realizaban las mudanzas accidentalmente estropearon el piano. Ni la fábrica Steinway ni el técnico de piano que trabajaba para Gould, Vern Edquist, pudieron reparar el daño. Edquist, uno de los técnicos de piano más populares de la ciudad antes de su retiro y de esto ya hacía varios años atrás, afinaba para Liberace, Victor Borge y un gran plantel de músicos importantes. Pero ninguno era como Gould en sus demandas. “Él tenía esa cosa de no querer gastar energía extra”, dice Edquist mientras intenta describir la respuesta relampagueante que el pianista buscaba.

Puedes despertar el interés de tu pequeño hijo por la música desde el principio de su misma existencia. Escucha música clásica mientras está en la panza, y luego del nacimiento va a tener una temprana apreciación por el piano. Van a estar más interesados en tocar que si simplemente ignoras la música y después la introduces abruptamente para que toquen.

Si ya has decidido que tu hijo comience clases de piano, el mismo debe ser atractivo y es muy importante encontrar al profesor correcto. Los chicos no pueden y no debe esperarse de ellos que se focalicen en una sola cosa durante un largo periodo de tiempo. Esto significa que las clases deberían ser reducidas a clases pequeñas y manejables. En la mayoría de los chicos de 3 o 4 años funcionan bien las clases de 15 minutos.

No puedes esperar de un niño de 3 años de edad que aprenda de la misma manera que un adolescente o un adulto, por lo que es vital tener a un profesor que comprenda la edad y que sepa como comunicarse efectivamente con el chico. Sin esto, vas a encontrarte con que tu hijo no aprende bien y se va a frustrar rápidamente con este instrumento. La idea es mantenerlo divertido y que lo disfrute, particularmente a esta edad.

Con una buena base, los chicos continuarán tocando piano por el resto de sus vidas y este regalo es algo que apreciaran en unos años. ¿Tú como haces para estimular a tus niños con el piano? Escríbenos a continuación.

¿Es este el último trabajo para piano de Beethoven? El musicólogo Peter McCallum de Sydney cree que lo es. Las 32 barras de la notación musical escrita le llamaron la atención cuando estaba estudiando el último libro de ensayos del compositor en Berlín, hace algunos años. Requirió un poco de trabajo de detective determinar qué fue lo que intentó decir el gran compositor, cuya escritura era caótica.

“No sabía que era una pieza de piano hasta que me senté y trate de escribirla”, dijo McCallum. “Beethoven casi nunca utilizó claves o firmas, por lo que hay que pensar sobre ellas… pero una vez que descifras el código, es claro.” McCallum, quien es profesor de musicología en la Universidad de Sydney, cree que la pieza fue escrita en octubre de 1826, sólo unos meses antes de que el compositor muriera en marzo de 1827.

“Beethoven siempre tenía ideas y era compulsivo”, dijo. “La cantidad de papel que utilizó en los últimos 3 años de su vida es sorprendente. Hay un montón de pequeñas ideas que no llevan a ningún lado. Pero esto era más que una pequeña idea. Tiene una parte derecha y una parte izquierda y marcas de frases en algunos lados. Por lo tanto, es claro que es una pieza completa.”

La pianista Stephanie McCallum utilizó la transcripción de su marido para hacer la primera grabación de la pieza. La Bagatella en Fa menor dura 54 segundos y es la pieza final de su CD Para Elisa, Bagatelles para Piano por Ludwig Van Beethoven. Aunque la mayoría de los libros de ensayos de Beethoven fueron estudiados en detalle, el último libro -alojado en la librería estatal de Berlín- atrajo muy poco la atención.

A pesar de que sus últimos trabajos a veces son vistos como espirituales, este fragmento tiene una calidad diferente, dice Peter McCallum. “Es un poco melancólico. Pero es una cosa placentera y es fácil de tocar. Lo que me gusta de ella es que un chico puede disfrutar tocándola. Podríamos darle a Fur Elise un descanso por un tiempo.”

En momentos es que la carrera presidencial de los Estados Unidos de Améra se encuentra en esplendor, se baten a duelo al piano en clave de humor sus dos protagonistas principales: Obama y McCain.

Recordando el reciente fallecimiento de Henry Steinway, recordemos dos aspectos muy importantes de la calidad de un piano Steinway: los martillos y las cuerdas.
Martillos Steinway
Cortados de fieltro de lana virgen, los martillos no contienen ninguna mezcla con otros materiales. Están comprimidos en una forma permanente antes de ser afinados individualmente. La solución más lógica era construir una fábrica en Hamburgo. Un especialista dijo que la compañía construyó una sucursal en Hamburgo, Alemania, 20 años más tarde de haber fundado la inicial en New York.

Para probar la calidad de un Steinway, se sugiere tocarlo y escuchar las diferencias tonales. “Va a haber uno que te hable a ti.” Hay algo spiritual en el proceso de tocar uno y luego otro, como si fuese un “Wow! este es mi piano! No dejes que nadie lo toque!” Los especialistas dicen que, como una familia con 10 hijos, lucen como si cada uno tuviese su propia personalidad.

Cuerdas Steinway
El arpa de gran calidad, fundida completamente en hierro, soporta 45,373 libras de tensión ejercida por las cuerdas. Los artesanos Steinway tienen una clase de unión espiritual con lo que hacen. El departamento de artesanos le da la musicalidad, o la tonalidad, a cada piano. Los especialistas dicen que los maestros voceros hicieron de su trabajo un arte. “Tienes que tener el entrenamiento mecánico, pero también el oído. Ellos (los voceros) tratan de reconocer la personalidad tonal inherente espeficida del Steinway.”

Hace un tiempo un estudioso nos comentó de un vocero en particular. “El ha estado trabajando en un viejo Steinway que restauró. Cuando sacó la llave y la bandeja mientras trabajaba en él, vió la firma de su padre. “Aquí hay una gran cosa generacional en donde los padres, hijos o tíos, vienen todos a trabajar aquí. Su padre trabajó aquí 30 o 40 años atrás. Estos artesanos están tan orgullosos de los pianos, que los firman en algún lugar escondido y saben que nadie va a ver la firma jamás. Esta firma se supone que estaba escondida pero fue vista por su único hijo.”

Luego, viene el valor de inversión de una pieza de arte. Si un cliente compró un Steinway modelo “concert” en 1975 por aproximadamente $25,000 dólares, y al respecto se dijo que en 1985 podría haberse vendido por $50,000 dólares y en el 2005 su valor subió a $100,000. Fundada en 1853, la empresa Steinway estuvo a cargo de la familia hasta 1982. William Paley, más tarde presidente de CBS, compró y operó el negocio de 1982 a 1985. Bajo Ted Turner, CBS se retiró del negocio musical y Steinway fue adquirida luego por los hermanos John y Robert Birmingham de Boston hasta 1995. Al pasar a la empresa Selmer, Steinway salió a la bolsa en 1996.

Henry Steinway, el último integrante de la famosa familia que fundara la prestigiosa fábrica de pianos Steinway & Sons, acaba de fallecer a los 93 años. Si bien la empresa ya no era de la familia, dado que fue vendida a CBS en 1972 y luego pasó a manos de otras empresas, Henry seguía participando de las actividades del fabricante como personal contradado.

Componer. Todo pianista ha oído la palabra y sabe que significa, pero tan sólo unos pocos pueden hacerlo bien. Algunos intentan durante toda su vida ser capaces de componer una única pieza musical, y otros parecen ser capaces de arrancar del instrumento bellísimas composiciones en cualquier momento. Y aunque parece ser natural en algunos ¿cómo es que constantemente producen magníficas melodías que pueden transportarnos lejos?

Estos músicos dotados tienen un modo seguro por el cual crean sus composiciones para piano y utilizan este método para cada obra que crean. Ninguno puede decirte la fórmula específica para crear una buena pieza musical dado que hay muchos pasos diferentes y áreas en las que pensar cuando estas dispuesto a componer. Para ayudarte a encontrar tu método aquí te presentamos los principales componentes de una composición junto con una breve descripción de cada uno para mostrarte exactamente qué involucra cada área de la composición.

Tema. ¿De qué se trata tu composición? ¿Qué estás tratando de expresarle al oyente? ¿Una primavera, una tormenta eléctrica, otro país, amor, tristeza? Hay millones de temas diferentes y emociones que la música puede evocar en cualquier oyente, y tú deberías tener una idea general acerca de lo que tratará tu composición. Una vez que hayas resuelto esto descubrirás que el proceso entero resulta mucho más sencillo. Mientras estés creando en otras áreas de tu partitura mantén el tema en tu mente para que no te apartes de él. Escríbelo en una hoja de papel y colócala frente a ti, como si fuera la meta que estás tratando de alcanzar con tu composición. El tema es la vida de tu obra por lo cual deberías mantenerlo siempre cercano a tu corazón, y a tus dedos, mientras trabajas.

Melodía. Cuando decidiste componer una pieza de música probablemente ya tenías unas pocas notas revoloteando por tu cabeza. Ese sonido es tu melodía y debería ser el punto central de tu composición. Fue probablemente ese sonido que te llevó a definir el tema, o viceversa, y ambos debería estar trabajando siempre codo con codo. Por ejemplo, si tu tema es el amor, entonces una cacofonía de percusión y notas estridentes no son el mejor modo de transmitir ese sentimiento de amor al oyente. Pero maravillosas melodías que derriten el corazón con dulces y cálidos vientos y un suave piano detrás se adecua muchísimo mejor para crear una atmósfera de amor. Una vez que haz alineado tema y melodía el resto de tu composición será mucho más fácil de crear. Utiliza tu base melódica y expándete sobre ella a lo largo de la pieza, permitiéndole crecer y moverse hacia donde quieras que vaya. Tu melodía te guiará en la parte de los estribillos, el cual será el siguiente foco de tu composición.

Estribillo. Es el fragmento musical que será repetido al menos dos veces a lo largo de la obra. Puede ser tan simple como unas pequeñas líneas de música, o tan complejo como una página entera, todo depende de la longitud y del tema de tu composición. El estribillo es esa parte que todo oyente reconocerá la segunda vez que la oiga y sabrá que es justamente el estribillo. Es también el punto en el que se encuentran impecablemente el tema y la melodía y permite al oyente ver la tormenta eléctrica, oír esas aves que cantan en primavera, o visualizar aquellas olas rompiendo en la playa. El estribillo es lo que unirá a tu composición y te dará una base para trabajar con las partes restantes de la pieza musical.

Introducción. Algunos compositores no pueden crear una sola pieza sin su introducción mientras que a otros no les preocupa en absoluto. Esta sección puede ayudarte a introducir al oyente en la obra musical y a establecer la atmósfera global de la pieza. Las tormentas eléctricas comienzan generalmente con una lluvia ligera, por lo que puedes utilizarla como una introducción para establecer la atmósfera y anticipar la tormenta. Pero, también pueden surgir de repente, con un estruendo sorprendente por lo que puedes representar eso en la introducción y posicionar luego al oyente en el ojo mismo de la tormenta. Sea como sea la introducción depende del compositor y debe hacer que el oyente se meta en tu composición.

Puente. El puente es la parte de tu composición que conecta dos secciones musicales que no podrían relacionarse de otra manera. En la mayoría de los trabajos musicales el puente es utilizado como pausa para ayudar al oyente a reflexionar sobre las secciones previas de la melodía. Se lo emplea entre la melodía y el estribillo, y suele estar comprendida por unos breves pentagramas.

Instrumentos. Un buen compositor conoce sus instrumentos, sus registros, sus sonidos y sus tonos. No importa si estás componiendo una pieza sólo para piano o para una orquesta entera, conocer los instrumentos y sus capacidades te ayudarán a crear grandes arreglos musicales o variaciones de la misma obra. Junto con el instrumento viene su intérprete, y deberías considerar también quién interpretará tu composición a medida que la vas creando. Si estás escribiendo para piano, no necesitas considerar cosas como longitud de la inspiración, pero en lugar de ello deberás pensar en las habilidades del intérprete promedio, posición de las notas en las teclas, y su resistencia para interpretar largas y complejas melodías. Conocer los instrumentos y sus intérpretes te ayudará a convertirte en un mejor compositor.

Cambios. Una vez que haz desarrollado una melodía, el tema, y así sucesivamente comenzarás a ubicar estos ítems en tu composición. Pero crear una pieza musical que se basa en patrones que se repiten constantemente se torna un poco aburrido por lo cual necesitarás realizar algunos pequeños cambios. Al hacer esto lograrás que el oyente escuche verdaderamente tu trabajo y se concentre en el. Puedes crear una segunda melodía para complementar a la primera e insertarla en la melodía original sin temor a crear cambios en el sonido general. O también puedes añadir un estribillo completamente diferente o un puente, que te ayude a realizar una transición entre dos estilos distintos dentro de la misma melodía.

Una vez que tienes aseguradas estas secciones básicas de la melodía podrás trabajar en otras tales como tu estilo personal—el cual tomará un papel muy importante en el sonido final de toda la composición, puesto que es completamente diferente de un compositor a otro, y nadie puede decirte como crear tu propio estilo individual. Con tu propio estilo encontrarás el patrón que más prefieras como ser: melodía, estribillo, puente, melodía estribillo, puente, final, o cualquier otro totalmente al azar y diferente. Simplemente sentándote al piano con un grabador, lápiz y papel estarás asumiendo el primer paso en completar una obra maestra para piano de la cual estarás orgulloso el resto de tu vida.

Información de último momento manifiesta que ha fallecido Richard Wright, el tecladista de Pink Floyd a la edad de 65 años luego de padecer un cáncer terminal.

Richard Wright fue uno de los miembros originales de la banda, y siguió participando de la misma luego de que Roger Waters dejara la misma. Incluso ha participado de los últimos conciertos en vivo de David Gilmour.

Un piano debe ser cuidado y tratado con mucho respeto. Se debe afinado por un afinador de pianos graduado de alguna escuela, aproximadamente cuatro veces durante el primer año en caso de ser nuevo, cada dos años si es un modelo viejo, y cada vez que sea trasladado de un lugar a otro. Además de asegurarte de que el piano continúa sonando bien, es bueno que luzca bien. Aquí enumeramos algunos pasos de limpieza y cuidado que puedes aplicar si deseas que tu piano luzca presentable y bien cuidado:

Quita el polvo del mueble del piano con un paño suave.

Usa un betún para muebles sin silicona o cera en caso de un piano que ha sido barnizado o laqueado.

Un piano que posee un acabado de alto brillo de poliéster epoxy puede ser limpiado con un paño y también se le puede sacar brillo, pero nunca debe ser encerado ni frotado con betún para muebles.

Remueve las manchas rebeldes del marfil o de las teclas de plástico con un paño embebido en bicarbonato de sodio; sea muy cuidadoso de no dejar que el bicarbonato caiga entre las teclas. Limpia las teclas con otro paño y sácales brillo.

Cada vez más y más estudiantes son los que encuentran una fuerte conexión entre la música y las matemáticas. Parte de está conexión se encuentra en los patrones que existen entre el lenguaje, las matemáticas y la música. La música es una serie de notas que son tocadas según un patrón preestablecido. Las matemáticas trabajan del mismo modo. Si bien hay maneras de sumar, multiplicar, restar, y dividir números, la última combinación sigue siendo finita.

Lo mismo ocurre con la música. Las notas son combinadas en una serie de agrupaciones (casi una variedad sin fin), pero el número de sonidos creados es finito. Son los patrones y las combinaciones como éstas que hacen similares a la música y la matemática. Nuestro cerebro parece procesar la información musical y matemática de modo diferente que cuando calcula otro tipo de información.

Los bebés son atraídos primero por el discurso cuando éste suena rítmico y melódicamente. Sus padres, instintivamente le hablan al bebé en un tono melódico y mediante palabras de sonido bien marcado, en lugar de emplear su voz normal. Probablemente habrás notado que los bebés te prestan más atención cuando le hablas de modo poético y matemáticamente pausado, que cuando tus palabras son mundanas y empleas tu tono de voz normal.

Los niños pequeños aman escuchar música con patrones repetitivos. Esto sucede tal vez, porque su cerebro está calculando el mensaje musical de modo tal que captura su interés y los hace pensar. Por suerte, como resultado de los diferentes métodos de conexión del aprendizaje de los niños, éstos están más dispuestos a aprender y absorber.

Colócale a un niño cualquier cosa en su mano y comenzará a crear patrones musicales y ritmos. Toda la música que producen tiene un patrón y un ritmo definitivos. Los niños poseen la capacidad única de crear patrones fuera de sonidos aleatorios. Según cuán bien creen música y cuan afinados son se establecerán los poderes matemáticos del niño, que evolucionarán posteriormente en su vida adulta.

Mientras un niño crece es importante continuar inculcándole la música de modo tal que forme parte inalienable de sus vidas. Estudios recientes han demostrado que a aquellos niños que poseen una gran influencia musical, ya sea porque tocan un instrumento o escuchan una gran variedad de géneros musicales, les va muy bien en matemáticas. Esto se debe a que el cerebro se ha desarrollado de modo tal que ellos son capaces de discernir patrones y repeticiones entre las notas musicales.

La matemática es esencialmente el seguimiento de patrones conocidos para arribar a una conclusión. Una vez que conoces la fórmula para encontrar la respuesta, ya sea la simple fórmula de sumar o aquella más compleja de determinar los grados de un ángulo, sólo entonces serás capaz de utilizar dicho patrón para obtener la respuesta.

La conexión entre estas dos materias trabaja en dos sentidos: es común que un niño a quien le va bien en la clase de matemáticas sea extremadamente exitoso al momento de tocar un instrumento y leer notas musicales. La combinación de ambas habilidades, usualmente, lo llevará a un mejor rendimiento total dentro del ámbito escolar e intelectual. Lograr que la música sea una parte integral de nuestras vidas desde que nacemos nos coloca en la vía rápida y nos da una ventaja que no puede ser cuestionada. Cada vez más estudios han confirmado la relación entre las matemáticas y la música y los beneficios acumulados.

Escuchar música es divertido; tocar música es más divertido aún; pero tocar música de oído es lo más divertido de todo. Si el intérprete está tocando algo que recuerda haber escuchado alguna vez, está tocando de oído. Pero la mayoría de los intérpretes que han aprendido a tocar con el método tradicional de leer notas en una hoja y luego tocan las notas en su instrumento, no han aprendido a confiar en sus oídos para decirles qué viene luego. En lugar de ello, recuerdan las notas por su nombre o por el nombre del acorde, o incluso tienen memoria visual de cómo lucen las notas en el pentagrama, o utilizan algún otro tipo sistema de memoria no musical. Naturalmente, esto voltea la atención del sonido de la melodía hacia el hábito de leer la partitura, y aleja al estudiante de la música en sí misma.

Practicar un instrumento no es siempre divertido. Eso dicen la mayoría de los niños que toman clases y muchos de los adultos que alguna vez han tomado clases pero “no querían practicar”. Pero la práctica es algo totalmente divertido para muchos otros niños. Escuchar música es divertido; y cuando escuchar música es la actividad principal en la práctica, entonces ésta se vuelve divertida. Esto mismo ocurre incluso con mayor certeza en los adultos que en los niños; los niños encuentran placer en el ejercicio físico e intelectual que involucra la práctica. Sin embargo, esto resulta divertido siempre y cuando se practique la música, y no los mecanismos de ejecución de la misma.

Las personas que tocan de oído son consideradas generalmente como poseedoras de un talento especial. Esto es una completa ficción. Ellos no tocan de oído porque son talentosos; en realidad ellos son talentosos porque tocan de oído. Estas personas utilizan sus oídos de modo tal que les dicen qué nota es la correcta y cuál no, y esta actividad constante desarrolla su habilidad para manipular los sonidos musicales.

Marc Yu, de 9 años, se sentó en su pequeño piano de cola y tocó para 100 jóvenes, padres y profesores de piano de Mobile-Baldwin. Estaba vestido de jeans, zapatillas y una campera sobre una camisa amarilla. Si hubiese estado nervioso, lo ocultó muy bien. En el siguiente video se lo ve tocando con Lang Lang.

Nos sentamos en la sala de ensayos del segundo piso en el Centro de Música Larkins en una calurosa mañana del sábado. Marc y su madre, Chloe, están en Mobile para un programa presentado por la Orquesta Sinfónica Mobile. El evento fue financiado en parte por una subvención de la Federación “Southern” en colaboración con la “National Endowment for the Arts” y el “Alabama State Council on the Arts”. En el siguiente video, un fragmento del concierto para piano número 1 de Beethoven.

También asistieron Scott Speck, director musical de los MSO, y Sarah Wright, directora de educación. Luego de unos minutos con Wright, Marc tomó su asiento y comenzó a tocar un Nocturno de Chopin controlado por la pasión de un viejo maestro. Sus manos se movieron con habilidad a lo largo del teclado, siendo cada movimiento observado por la admiración del público.

El ganador de la Competencia Internacional Eastman de Jóvenes Pianistas tocó frente a una gran multitud en el Colegio de Música Eastman. Tie-Dan Yao de 16 años vive en Alberta, Canada y le ganó a 23 competidores de los Estados Unidos, Taiwan, Korea, China, Canada, y República Checa para ganar el premio mayor.

Yao ganó 4 mil dólares y también recibió una beca para el Colegio Eastman. Aparte de haber ganado la competencia, Yao ganó el primero premio en la Competencia del año 2007 de la Escuela Canadiense de Música. Tocó con la Orquesta Sinfónica Calgary Civic, la Orquesta Calgary Philharmonic, y con la Sinfonía Regina.

No hay un padre que no quiera que su hijo sea bueno en algo y una de las aspiraciones más comunes implica interesarlo en el piano y la música. Hay un sentimiento sobre tocar el piano que parece estar presente en los padres y en el hijo. La gran pregunta de cada padres es: “¿Cuando debería mi hijo comenzar clases de piano?”

Cuanto más joven, mejor. Todos escuchamos sobre las habilidades de Mozart (y el efecto Mozart) y otros chicos prodigios que comenzaron a tocar el piano a los 3 o 4 años. Al llevar a un chico a clases de piano a tan temprana edad significa que van a tener gran cantidad de tiempo para interesarse en tocar, inclusive aún si no terminan teniendo grandes dones en el área de la música.

Nos gustaría que todos aquellos que se encuentran relacionados con clases de pianos nos escriban sus comentarios sobre cuál creen que es la mejor edad para que los niños comiencen.

¿Cuán importante crees que es la acción de una tecla en un piano digital? ¿Debería importarle demasiado a un principiante si un piano digital tiene un mecanismo o acción de martillos básico o uno graduado? ¿Está justificado el costo extra si un estudiante que recién se inicia quiere adquirir un piano digital con una acción de martillos graduada y no una común?

¿Martillos comunes o graduados para tocar rápido? Cualquier persona que toque en un piano con martillos de acción sería capaz de tocar en casi cualquier piano, incluyendo los Yamaha Disklavier o un Roland. Tal vez tenga que hacer algunos ajustes para tocar en un piano cuya acción de martillos es graduada, pero esto no quiere decir que no podrá lograr ejecutar dicho instrumento.

Por ejemplo, sin importar el tamaño del piano, si tienes que dar algún examen de piano o si tienes que tocar para una función escolar, y el piano que allí tienen es uno de acción graduada, entonces tendrás que tomarte algunas sesiones de práctica en ese piano. Ahora, tener un piano de acción graduada te ayudará en este caso porque aún puedes arreglártelas sin tener que tomar algunas lecciones de práctica como mencionamos anteriormente.

Pianistas de concierto
Muchos pianistas de concierto practican sobre pianos de acción graduada y si les pides que toquen en un piano que no posea estas características, se quejarían pues ya se han acostumbrado a su piano, y probablemente no serán capaces de tocar algunas de las piezas con facilidad. Una vez más, con algunos ajustes ellos pueden llegar a dominar la acción del piano sin graduación, pero han alcanzado un nivel de destreza que no quieren un nuevo compromiso; y desde que les pegan por sus presentaciones casi todos tienen un piano de acción graduada, sin importar las razones por las que toquen.

Incluso puedes explorar la posibilidad de buscar una marca de pianos ligeramente menos costosa en lugar de modelos como Clavinova y darte a ti mismo por lo menos cinco años para demostrarte que tocar el piano es lo que realmente deseas. Y si demuestras potencial suficiente, siempre podrás considerar venderlo y comprarte un piano de traducional acústico.

Nobue Nii mira a una placa que lleva el mensaje “resonando hacia el cielo para siempre,” adjunto en una de las patas de un piano en la escuela que le perteneció a una familia perdida en el accidente del avión Jumbo de la empresa Japan Airlines en 1985. El martes pasado se cumplió el aniversario número 23 del accidente del avión Jet Jumbo de la empresa Japan Airlines que mató a 520 personas en Osutaka Ridge, Uenomura, prefectura de Gunma, Japón.

Nobue Nii, de 30 años, es una ama de casa de Edogawa Ward, Tokyo, que perdió a un compañero de clase en el accidente cuando estaba en segundo grado de la escuela primaria. Ahora, es madre de tres hijos que tienen aproximadamente la misma edad que tenia ella cuando perdió a su compañero llamado Yoshiki Tashiro. En la escuela de Nii, a la cual también asiste su hija, se usó un piano de cola de la víctima para dar clases de música, y los maestros evocaron memorias del accidente a través de su uso.

Nii planea visitar este viernes a Osutaka por primera vez para hacerle frente a la pérdida de su compañero. Tashiro asistió a la escuela primaria Kasai No. 2 en Edogawa Ward con Nii. Tashiro, de 8 años, estaba a bordo del avión junto con su hermana de 9 años y sus padres. Estaban en camino a visitar a su abuela que vivía en la Prefectura de Wakayama. Los 4 murieron en el accidente.

Tashiro se sentaba junto a Nii en la escuela. Era un chico popular que siempre estaba haciendo reír a sus compañeros de clase. Nii no pudo comprender las noticias trágicas en su momento. Un piano de cola que Yoshiki y Kaori tocaban en su hogar fue donado a la escuela un tiempo después. El piano, ahora en la sala de música del colegio, todavía produce sonidos hermosos.

Los profesores del colegio cuidan el piano. Un director del colegio en el momento que Tashiro era estudiante, visitó la zona de Osutaka para el aniversario número 13 del accidente para consolar al alma de Tashiro. Hubo conciertos usando el piano en algunos aniversarios especiales. Hay una placa que lleva el mensaje “resonando hacia el cielo para siempre” adjunto en una de las patas del piano.

Nii fue gratificada por aprender en el año 2005 actividades de la escuela de larga duración en recuerdo a la muerte de Tashiro, cuando su hija mayor, ahora de 9 años, comenzó a ir a su vieja escuela. Al mismo tiempo, Nii comenzó a considerar visitar a Osutaka para consolar el alma de Tashiro, y para enfrentar seriamente a su muerte.

Ella decidió visitar este año a Osutaka con Masaaki Kobayashi, actualmente el director principal de la escuela, y otros. Nii dijo: “Si Tashiro estuviese vivo ahora, sería padre como nosotros. Creo que es nuestro papel transmitirle a nuestros hijos cosas que nunca olvidaremos”.

El camino que conduce a Osutaka Ridge está bloqueado debido a un deslizamiento masivo de la tierra. Nii y los otros planean llevar a Osutaka una cinta que fue grabada en el colegio con una canción cantada por los estudiantes acompañados por el piano de cola. Ellos esperan transmitir sus sentimientos a los espíritus de las víctimas compartiendo su canción en Irei no Sono (un jardín para consolar a los espíritus de las víctimas) en la entrada de Osutaka Ridge. También va a haber una caminata conmemorativa el martes dirigida hacia las familias de las víctimas y se va a incluir un transporte especial.

Tal vez el piano sea el instrumento musical más caro de todos. Sólo quienes realmente aman tocarlo y son capaces de pagarlo pueden tener uno en sus casas. Sin embargo, es también el instrumento musical más placentero que genera un sonido suave y delicioso; si bien es caro sigue siendo uno de los instrumentos que las personas más desean tocar. Sin embargo, el piano es diferente a otros instrumentos debido a su costo y a su sensible mecanismo sonoro razón por la cual necesita un gran mantenimiento y cuidado extra.

Si tu piano es nuevo durante los primeros tres años no deberás preocuparte puesto que la mayoría de las fábricas tienen garantía por cada piano que venden. Pero luego del período de garantía es tu trabajo asegurarte de que el piano brinde su máximo potencial y que sea valuable en el mercado. El mantenimiento incluye el ambiente en el cual se encuentra—el cual tiene que ser seguro y limpio—y la afinación, que es un factor muy importante para el cuidado del instrumento.

La razón más importante por la cual un piano debe ser afinado constantemente es debido al mecanismo dentro del mismo. Hay muchas partes pequeñas y cuerdas en un piano; estas últimas se encuentran sujetas a una tensión importante a lo largo del armazón del piano. El principio de afinar estas cuerdas, por lo tanto, es ajustar el grado de tensión de las mismas, teniendo en cuenta que dicho nivel no debe ser excesivo ni tampoco demasiado bajo.

Sin embargo, también es importante la frecuencia con la que afinas tu piano. Por lo general cualquier piano debe ser afinado dos veces al año. Aunque este número también depende de cuanto ha sido utilizado el instrumento durante ese periodo de tiempo.

1. Primero de todo, haga a la buena música parte de toda su vida familiar. Incluso si no canta ni toca un instrumento, puede escuchar música en su casa y llevar a la familia a algún concierto ocasional. Muchos conciertos son gratis también, o por lo menos lo son para los niños, desde recitales y eventos de cámara en iglesias locales hasta tickets para muchos eventos profesionales.

2. Cada niño es diferente, y sólo tú puedes decir cuando tu hijo está listo para tomar lecciones de música o de teoría musical. Algunos ya están preparados a los 3; otros a los 10. No es necesario tocar rápido. Generalmente, los estudiantes de cuerdas y piano tienden a iniciarse desde pequeños en su instrumento, y los instrumentistas de vientos son más propensos a iniciarse años más tarde. Piensa en qué medida prestan atención tus hijos y en sus pequeños intereses: ¿Pueden mantenerse quietos y concentrados durante periodos largos? ¿Aman subirse a la banqueta del piano y “tocar o interpretar algo”? ¿Se fascinan al oír música de cualquier tipo? ¿Te han pedido tocar o practicar algún instrumento? A veces un único evento musical generará una semilla de luz en la mente fértil de los niños.

3. Elige cuidadosamente el instrumento para tu hijo. Si tienes un piano disponible, esa es una opción bastante obvia; tu niño aprenderá un montón sobre música tocando acordeso intevalos y aprendiendo dos claves diferentes (una grave y una aguda), y el piano es una buena opción ya sea como solista o dentro de un ensamble musical o incluso como acompañante de diversas melodías. Pero no todos los niños aman el instrumento disponible en casa ni todos tocan el piano por la misma razón. Uno de cada cuatro niños comienza a estudiar un instrumento y al poco tiempo dicen, “Simplemente no me gusta”, y resulta que otro instrumento era la respuesta. Considera tus propios gustos también: Si no soportas el sonido del saxofón, o si el sonido del violín de un estudiante es como una tiza rascando el pizarrón, como padre puedes sugerir instrumentos cuyos sonidos sean agradables a tu oído. Recuerda también que el instrumento debe ser apropiado para el tamaño del niño; un contrabajo no resultará un comienzo adecuado para un niño de cinco años de edad.

4. Encuentra un gran maestro. ¿Cómo? Lo más fácil es de boca en boca; pregunta a cualquiera que conozcas que esté involucrado con la música, “¿Quién es un gran profesor para clases iniciales de chelo?” o “¿Con qué profesor aprenden esos estudiantes de violín que mejoran con gran prontitud?” Los profesores de las bandas escolares y de orquestas usualmente tienen un buen listado de maestros que trabajan bien con los niños, fíjate si conoces alguno a quien pedir una referencia.

5. Finalmente: Alimenta el esfuerzo de tus niños y asegúrate de que practiquen. Si me hubieran dado un centavo por cada adulto sin cultura musical que me ha dicho, “Me hubiera gustado que mis padres no me dejaran abandonar las lecciones de música”, ya tendría un gran capital.

Los críticos lo adoran, y su corte de pelo junto con su encanto hacen que las chicas se vuelvan locas. El tiene hasta sus propios zapatos Adidas. No, él no es un chico de una banda de rock, ni tampoco es famoso por jugar con una pelota. Lang Lang es un pianista clásico de 26 años que toca las teclas con una habilidad formidable.

El público de todo el mundo va a poder echarle un vistazo a su talento en las olimpiadas del verano del 2008, en donde se espera que toque en el escenario de la ceremonia de inauguración. La actuación va a tener una serie de conciertos que incluyen presentaciones en Hamburgo con la Orquesta Sinfónica “Swedish Radio” y en Central Park con la Philharmonic de Nueva York. “A veces tienes que tocar por las reglas, por la tradición”, dijo Lang, quien creció en Shenyang, China, e, inspirado por un dibujito de Tom y Jerry, comenzó a tocar el piano a los 3 años. “Pero, la cosa más importante es extender lo que está en tu mente y corazón. Todos los colores, personajes, experiencias de vida y sueños necesitan salir afuera. En la vida, es la misma cosa”.

Lang Lang revela las dificultades de llegar a la fama en su autobiografía reciente “Viaje de mil millas” (Spiegel & Grau, u$u24.95). Entre todos los temas que explora, destaca su relación turbulenta con su padre, un músico cuyos sueños se vieron destruidos bajo el régimen comunista. “Me emociono muy fácilmente”, admitió Lang, señalando que él solía “bombardear el piano con melodías disgustantes” cuando estaba triste. “En mi libro, expresé varias cosas, como por ejemplo, que no estaba feliz con mis padres, particularmente con mi papá. Sus padres se vieron devastados [luego de la revolución cultural] porque nunca cumplieron sus sueños. Ellos pusieron todas estas presiones sobre sus hijos. Yo no los culpo, pero muchas cosas fueron bastante feas”.

A pesar de que pagó sus cuotas del Conservatorio Central de Música de Beijing y del Instituto de Música Curtis de Filadelfia, Lang no terminó de aprender. Raramente se toma más de unos días libres a la vez (incluso luego, estudia). Tiene casas en Beijing y en Nueva York, y de vez en cuando visita a Kanye West y a Britney Spears. El tenis de mesa también lo entusiasma como las largas caminatas en el parque.

Diana Krall, pianista canadiense, cantante y compositora, creció en una ciudad llamada Nanaimo en la Isla Vancouver en la Columbia Británica. Su padre (quien juntó grabaciones de jazz y tocó un poco de piano) y su madre (también pianista) alentaron su interés por el jazz y la expusieron a los grandes músicos. Ella comenzó estudiando piano a los 4 años y tuvo varios grupos pequeños de jazz mientras estaba en la escuela secundaria. Cuando tenía 17 años, tocó en el Festival Internacional de Jazz Vancouver y ganó una beca escolar para la Escuela de Musica Berklee de Boston.

El bajista legendario Ray Brown escuchó a Krall en Canadá, y la alentó a mudarse a Los Ángeles para estudiar con él. Mientras estaba en Los Ángeles, también comenzó a estudiar con Jimmy Rowles, quien la alentó a cantar y a tocar el piano. En 1990, Krall se mudó a Nueva York y comenzó a tocar con su propio trío. Tres años más tarde, grabó su primer disco en la empresa Canadiense “Justin Time Records”. En 1994 —cuando este episodio de Piano Jazz ya estaba grabado— firmó con el sello GRP, comenzando una larga asociación con el productor Tommy LiPuma; quien produjo el lanzamiento “Only Trust Your Heart“ de 1995. Esta grabación caracterizó a un grupo de todas estrellas comenzando por Krall, incluyendo al mentor Ray Brown, al bajista Christian McBride, al baterista Lewis Nash y al saxofonista Stanley Turrentine.

Cada una de las grabaciones de Krall se encontró con una creciente admiración crítica y un éxito comercial. Su disco “When I Look in Your Eyes” le hizo ganar un Grammy por la Mejor Actuación Vocal de Jazz. Krall se reunió con el cantante Elvis Costello en los Premios Grammy 2002, y los dos comenzaron una relación para luego casarse un año más tarde. El lanzamiento de Krall del 2004, “The Girl in the Other Room”, incluyó varias colaboraciones con su marido.